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Press review

Alessandro SCARLATTI - O Penosa Lontananza - Cantate da Camera
Nicolas Achtens Auswahl von Kantaten lässt fast eine kleine Oper entstehen. Auch wenn die vier Kantaten mit Violinenbegleitung eher zu den Ausnahmen gehören, machen sie natürlich mehr her als die reinen Continuo-Kantaten, von denen hier eigentlich nur eine geboten wird; die andere ist nämlich ein Duett, was Abwechslung garantiert. Umso mehr, als sich Deborah Cachet und Achten die vokalen Aufgaben teilen.
< br/> Beide bewältigen sie mit einer derart natürlichen Intensität, dass alle harmonischen Raffinessen Scarlattis wie selbstverständlich zur Geltung kommen. Die Musiker von Scherzi Musicali geben allen Affekten die instrumentale Grundierung.

Reinmar Emans
fono 01.02.2019
Alessandro SCARLATTI - O Penosa Lontananza - Cantate da Camera
Alessandro Scarlatti composed over 700 chamber cantatas, so we can’t be surprised if a new disc serves up what appear to be six premiere recordings. Nor, given the evidence of previous releases, should we have reason to suspect that the well of individual and stimulating compositions has run dry yet. The Arcadian duets and solo cantatas presented here each deal with a different but plausible aspect of the pleasures and pains of love, drawing sensitively tailored responses from their fertile-minded composer. They include a would-be lover too embarrassed to say anything to his adored one, and another who dreams of his love by night, only to curse her hard-heartedness in the light of day. The anguish of separation is explored, and amorous success celebrated in erotic metaphor. The duet O penosa lontananza wittily presents two different views of separation simultaneously: ‘O painful separation … I live in weeping’ sings Chloris; ‘O blessed separation, I live in peace’ sings Lydia. Who has not known one or more of these predicaments?
< br/> As usual Scarlatti’s music flits between Handelian spaciousness and the more compact and direct expression of the late 17th century. Yet consistent to it is a strong lyrical gift and a song-writer’s ability to conjure a mood swiftly and effectively. The composer’s agile responses to the words – especially in recitative – were criticised by some in his day for trying too hard, but the variety this brings is just what ought to lend it appeal to modern ears wary of when Baroque music gets formulaic.
< br/> Variety also characterises the assured and often powerful performances by Scherzi Musicali, who not only continually vary the scoring of accompaniment from a continuo team of harpsichord, organ, three lutes, harp and bass violin but also find for each piece its own appropriate atmosphere. Director Nicolas Achten sings in a penetrating baritone, rather like a lower-lying equivalent of an haute-contre, while also playing theorbo and harp; and Deborah Cachet is an immensely pleasing and confident soprano – a voice to listen out for.

Lindsay Kemp
GRAMOPHONE 03.01.2019
Diapason Découverte: Dialoghi Amorosi
Enregistré au Centre d'art culturel et religieux de Sint-Truiden (Belgique) en février 2017 par Martin Rust. Prise de son proche pour chacun des instruments à cordes (luths, guitares, harpe, violes, clavecin...). Les voix solistes s'intègrent parfaitement à l'ensemble. Bel espace, qui manque cependant quelque peu d'ampleur.
En 1994. avec "Motetti e cantade a voce sola" (L'Empreinte Digitale), Maria Cristina Kiehr et Jean-Marc Aymes ressuscitaient une figure oubliée - et particulièrement attachante- du baroque naissant : Giovanni Felice Sances. Ce musicien d'origine romaine a debuté sa carrière à Padoue et à Venise, avant de trouver la consécration à Vienne en 1649, comme maître de la chapelle impériale.
Abondante et variée, sa production reste en grande partie inédite : elle comprend, outre six opéras (trois sont perdus) et autant d'oratorios, des messes, des motels et quantité de cantates profanes. En 2010, Nicolas Achten et ses Scherzi Musicali reprenaient le flambeau du Concerto Soave en proposant un bouquet de motets ("Dulcis Amor Jesu", Ricercare), que prolonge aujourd'hui un florilège profane.
Cette sélection de Cantade illustre les diverses tendances stylistiques du Seicento. Si certaines sont encore des monodies accompagnées à l'ornementation précieuse et raffinée, héritée des auteurs florentins (en particulier de Caccini, autre compositeur d'élection des Scherzi Musicali), la plupart revêtent une expressivité inspirée de récole d'opéra vénitienne, donc de Monteverdi et Cavalli.
On y démarre L'infortunio d'Angelica, une troublante cantate in stile rappresentativo : Angélique et Roger, héros de l'Arioste, dialoguent autour de la narration d'un Testo, comme le faisaient Tancrède et Clorinde dans le Combattimento montéverdien, sur les vers du Tasse. Nicolas Achten se distingue une nouvelle fois par son talent caméléon de multi-instrumentiste (harpe chitarrone et clavecin) et de baryton. Il s'est entouré d'un opulent ensemble de continuistes avec violes, lirone, chitarone, luth, archiluth, guitare et claviers divers. L'accompagnement de ces miniatures dramatiques se voit empli de colorations variées, contrastées et toujours bienvenues.
L'exécution vocale est très soignée, en particulier grâce aux interventions pleines d'âme et de sentiment du ténor Reinoud Van Mechelen, et aux sopranos radieux et chaleureux de Hanna AI-Bender et Deborah Cachet. Ne manquez pas, dans les complément de programme, un surprenant bijou de poésie sonore : la Sonata sopra l'aria di Ruggiero de Salomone Rossi, originellement pour cordes et continuo, ici interprétée par l'ensemble des cordes pincées, créant une atmosphère céleste et lumineuse. Une magnifique réalisation qui comble les sens, la curiosité et l'esprit.

Denis Morrier
Diapason 26.02.2018
Alessandro SCARLATTI - O Penosa Lontananza - Cantate da Camera
For too long Alessandro Scarlatti’s star has been eclipsed by that of his son. Domenico’s wonderfully inventive keyboard sonatas are what people may think of first when they hear the name “Scarlatti”, but Alessandro was a more distinguished composer. He is said to have been the founder of the Neapolitan school of opera, and has over a hundred dramatic works for the theatre to his credit. There are also over six hundred chamber cantatas that date from every period of his career as a composer. Even if some cantatas are spurious or duplicated entries in his catalogue of works, this body of works far outweighs the younger Scarlatti’s opus.

Alessandro Scarlatti’s music in my collection includes six CDs that feature some of his cantatas. Nowhere near all were ever published. We should be grateful to those who chose to record a selection. Nicholas McGegan made a number of recordings, among them four on Conifer/DHM, and wonderful music it is. Of twenty-one cantatas on those six discs only two are repeated, and it is a real boon to have six new cantatas here. The different approaches are quite interesting. Marcello Di Lisa for CPO (777 748-2) and Robert King for Hyperion (CDA66875) prefer a bolder reading with a larger ensemble, whilst McGegan and Nicolas Achten on this disc employ only a handful of musicians – thus a more intimate approach.

The multi-talented Nicolas Achten sings, plays and directs. He explains in his excellent booklet notes just how his research into the performing practice of the time these six cantatas were written has coloured his decision about instrumentation in these wonderful performances. He splits his notes, after a short introduction, into four sections which among other thing explain how Scarlatti the opera composer became a composer of chamber cantatas. A couple of recordings of his operas I know can attest that his approach in the cantatas is quite different. Achten also discusses the ‘Arcadian cantatas’ and their place in history, and how the cantatas recorded here relate to love, or love from afar, love that is tempered by separation and even unrequited love.

The six cantatas recorded here are quite charming, even if they at times portray the angst and pain of separation. Nicolas Achten has a nice light baritone voice, and he is equally well partnered by the soprano Deborah Cachet. They both have a vocal delivery ideal for this music, a voice which is not affected by operatic displays and sensibilities. In the solo cantatas they are wonderful, but it is in the one cantata where they share the limelight, O penosa lontananza, that they really shine. There is an opening duet where she sings of a “painful separation” whilst he sings of a “blessed separation”. This sets the scene well for what can be seen as a humorous but tender cantata. This is followed by solos that set out each of their positions with some excellent singing.

Of the other cantatas, only Sovra carro stellate begins with an instrumental introduction. Here the musicianship is clearly evident. The two violins and continuo make a wonderful sound; there follows a recitativo in which Cachet’s character longs to be with her beloved during a sleepless night. All of these six cantatas (in fact every one that I know) have some beautiful music to offer the listener to enjoy. From beginning to end this disc is wonderful. Achten’s final aria Tu resti, o mio bel nume, in which he sings that “Departing and death are therefore the same,” is a wonderful conclusion and a perfect epitome of the musicality and storytelling of this disc.

The recorded sound is excellent. Like the music, it is quite intimate, capturing each of the performers in quite a natural acoustic. One gets the sense of a performance rather than a recording. It has a warm sound, not harsh and cold as sometimes on period recordings. This makes it perfect for this performance. The music presented here is performed excellently throughout, making this an ideal recording for those who want to explore the music of Scarlatti senior, or to add to their collection.

Stuart Sillitoe
musicweb-international 26.02.2018
Dialoghi Amorosi
This is Scherzi Musicali’s second disc devoted to the work of Sances, the 17th-century Roman composer of the first opera to have been presented before the general public — the lost L’Ermione, of 1636. These ravishing, often ornately decorated solos, duets and trios on the subject of love reveal an intense engagement with text and sentiment that at times attains Monteverdian levels. Achten’s singers and instrumentalists give performances of singularly persuasive passion. SP

Stephen Pettit 25.02.2018
Giovanni Felice Sances: Dialoghi Amorosi
These ravishing, often ornately decorated solos, duets and trios on the subject of love reveal an intense engagement with text and sentiment that at times attains Monteverdian levels. Achten’s singers and instrumentalists give performances of singularly persuasive passion.

The Sunday Times 25.02.2018
Dialoghi amorosi
Idylles baroques

Entre Venise et Vienne, la vie de Giovanni Felice Sances est à l’image de sa musique.
Né à l’orée du XVIIe siècle, il l’a traversé au rythme de compositions sacrées et profanes. Il compte à son actif 54 messes et 6 opéras, dont 3 ont hélas été perdus.
Au croisement du madrigal et de l’opéra, ses Dialoghi amorosi déploient les richesses du baroque naissant, mêlant explorations harmoniques et sentimentales.
L’apparente stabilité des tableaux se mue souvent, rapidement en un défilé d’émotions contradictoires, soutenues par des harmonies contrariées. L’art des déséquilibres maîtrisés participe intiment de cette entreprise, où l’improvisation tient pleinement son rôle heureusement servi par les Scherzi musicali.
Baroque, l’oeuvre est marquée par une grande sensualité décrite dans ses nuances les plus subtiles. Elle n’est pas sans rappeler le maniérisme pictural, sa découverte et sa riche exploitation des contrastes.
Dans le Dove n’andro che non mi segua amor ?, la voix de la cantatrice enchante par la clarté de son timbre, auquel se greffe heureusement la viole de gambe. Ces dialogues lui donnent d’ailleurs sa mesure pleine et entière. La Sonata sopra l’aria di Ruggiero fait elle aussi la part belle aux conversations bien accordées de cet ensemble composite.
Confiée aux cordes et aux chanteurs, l’imitation des voix humaines voit se succéder exaltation, dépit et protestations amoureux. La narration occupe ici la place du sens, soutenu par un puissant figuralisme musical, rappelant le Tancrède de Monteverdi. Ici, « la beauté n’est plus la seule visée de la musique » (Philippe Beaussant), l’émotion prend ses droits. L’adieu aux homorythmies et le réveil du contrepoint confèrent à ces dialogues leurs cadences parfois contraires, mais toujours résolues, à l’image des dissonances passagères de L’infortunio d’angelica.
Heureusement servie par l’interprétation, la précision des sentiments confine à l’extrême justesse dans certains des dialogues. On est surpris par cette musique, qui sourd à la frontière du texte et de son expression, du corps, et de l’âme.

Axelle Girard 23.02.2018
Dialoghi amorosi
Von Rom über Norditalien nach Wien: Der Lebensweg von Giovanni Felice Sances (ca. 1600-1679) dokumentiert exemplarisch den regen inter-europäischen Austausch, der das Musikleben des 17. Jahrhunderts prägte. Die Wurzeln des neuen barocken Stils lagen in Italien, entsprechend begehrt waren Musiker von dort auch nördlich der Alpen. Das Ensemble „Scherzi musicali“ schöpft in mehrfacher Hinsicht aus dem Vollen, wenn es auf dieser CD einen Überblick über die weltliche Musik von Sances gibt: aus dem Vollen der eigenen Ensemblegeschichte, in der Stücke von Sances von Anfang an eine zentrale Rolle spielten; aus dem Vollen des entsprechenden Bestandes aus Liedern, Lamenti, Arien und Dialogen, der das Schaffen von Sances kennzeichnet; und aus dem Vollen der klangprächtigen Möglichkeiten, die eine Continuobesetzung gemäß historischer Quellen bereithält: Orgel, Cembalo, Spinett, Harfe, Theorbe, Gitarre, Lirone, Bassviola und manches mehr werden zu immer neuen effektvollen Kombinationen zusammengestellt und sind ein klingender Beleg dafür, dass Neuentdeckung der harmonischen Ebene des Satzes per kraftvoller Continuobesetzung das Herz und die Seele des barocken Stils darstellt. Über diesem reich ausdifferenzierten Klangteppich entfalten sich die Stimmen gut disponierter Sängerinnen und Sänger, die das enge Miteinander von hochexpressiven Texten und ebenso ausdrucksstarken Melodien zelebrieren. Das ist von der ersten bis zur letzten Minute ein Genuss.

Michael Wersin 17.02.2018
Dialoghi amorosi
Nicolas Achten s'est fait une spécialité de ce compositeur romain (il a déjà enregistré des motets), émigré à Venise où il écrit L'Ermione, le premier opéra destiné à un théâtre public, avant de rejoindre Vienne et la Chapelle impériale où il termine sa carrière. La musique de Sanches s'impose par sa sensualité qui habite des créations très variées. On parcourt donc un périple où l'on croise chansons strophiques, airs, cantates, « lamenti » et dialogues amoureux. Le tout dans une variété d'affects soutenus par un continuo fourni et varié. Le plaisir est partout, avec un naturel immédiat.

Serge Martin
Le Soir 14.02.2018
Ondulations suggestives Scherzi Musicali se balance au rythme des duos amoureux de Sances
Comme la plupart des Italiens de son temps, Giovanni Felice Sances, né à Rome vers 1600 et mort à Vienne en 1679, composa beaucoup de musique sacrée (une cinquantaine de messes, autant de motets, des requiems, des magnificats, un Stabat Mater…), des opéras (six dont trois sont perdus) et des recueils de musique profane, des cantadas ou des dialogues amoureux, sortes d’opéras miniatures, qui font l’objet de cet album. Ses différentes facettes et son style font penser à Artemisia Gentileschi, dont les toiles, religieuses ou profanes, ont fait scandale à son époque, non seulement parce qu’elle était une femme, mais parce que son univers associe violence et sensualité. Dans ces Dialogues de Sances, les lamentos sont plus rares que les ondulations suggestives, comme de délicates parades nuptiales, et les textes qu’il a choisi de mettre en musique ne laissent planer aucune ambiguïté : « Le berger serra la bergère, et d’une secousse légère, rendit l’âme en son sein. » L’expressivité de l’ensemble Scherzi musicali, familier de ce répertoire, met joliment en valeur ces chansons méconnues. 12.02.2018
Zart poetisch
Ricercar veröffentlicht ein Album mit Musik von Giovanni Felice Sances, einem in Venedig aufgewachsenen Italiener, der später in Wien wirkte. Seine 'Dialoghi Amorosi' werden von Nicolas Achten an der Spitze der 'Scherzi Musicali' mit zarter Poesie gefühlvoll aufgeführt. Eine empfehlenswerte CD für alle Freunde früher Barockmusik. (RC 385)

pizzicato 07.01.2018
Giovanni Felice Sances: Dialoghi Amorosi op het label Ricercar
Giovanni Felice Sances (1600-1679) was een Italiaanse componist en tenorzanger die kapelmeester werd in Wenen.

Giovanni Felice Sances, zoon van de zanger Horatio Sances, was actief in Mantua en later in Rome, en was tussen 1609-1614 als jongenssopraan verbonden met het Duits College in Rome, waar hij zijn muzikale opleiding genoot bij Ottavio Catalani en Annibale Orga. In februari 1614 was hij zanger in een operavoorstelling georganiseerd door kardinaal Montalto in het Palazzo della Cancelleria (foto). Later was hij werkzaam in Bologna en Venetië. In 1633 publiceerde hij in Venetië één- en tweedelige cantaten, opgedragen aan de markies Pio Enea degli Obizzi uit Padua. Vanaf december 1636 was Sances tenor in de Weense Hofmusikkapelle. In 1649 werd hij vice-Kapellmeister onder Antonio Bertali en vanaf 1669 Kapellmeister tot zijn overlijden.

Tijdens zijn leven was Sances, gezien zijn functie in Wenen, één van Europa’s beroemdste componisten. Zijn oeuvre omvat naast enkele instrumentale sonaten, kerkmuziek, wel meer dan 50 missen, cantaten, drie verzamelingen motetten (Venetië, 1638, 1638, 1642), twee collecties psalmtoonzettingen (Venetië 1643 en 1648), drie Requiems, drie Te Deums, verschillende verzamelingen seculiere cantaten en werken, gecomponeerd in samenwerking met Johann Heinrich Schmelzer en Antonio Draghi. Sances was één van de eersten die een werk bestaande uit verschillende solo zangen, een cantate noemde.

Giovanni Felice Sances publiceerde zijn collectie cantaten in Venetië rond 1640. Zijn poëtisch, levendig, ritmisch en sensuele muziek stond ten dienste van een rijk palet van amoureuze sentimenten: onschuld, verlangen, verleiding, jaloezie en wanhoop. Sances liet ook een aantal ‘amoureuze dialogen’ na, een miniatuuropera met Ruggiero en Angelica, die, om haar maagdelijkheid te beschermen, zichzelf onzichtbaar maakt en met de dappere ridder die haar zojuist uit de klauwen van een monster heeft gered, op de vlucht slaat. Daarnaast componeerde hij muziek bij de stoute stoeipartijen van Tirsi en Filli, die ten koste van alles, toch samen kunnen zijn. Een belangrijke opname omwille van de evolutie in de 17de eeuw van de recitativische solozang, richting de opera.

Michel Dutrieue 06.01.2018
Un'incisione dell'ensemble Scherzi musicali di Nicholas Achten per riscoprire gli "amorosi canti" del compositore
"È all’età di sedici anni che ho avuto il piacere di leggere Sances per la prima volta: il che vale a dire che la sua musica mi ha immediatamente sedotto. Dunque non sorprende che Giovanni Felice Sances abbia accompagnato l’ensemble Scherzi Musicali fin dai suoi esordi".

Così scrive Nicholas Achten all’inizio del suo testo di presentazione del programma di musiche profane del compositore nato a Roma attorno all’anno in cui venne alla luce la Euridice di Peri, il 1600. Giovanni Felice Sances doveva avere il canto nel sangue, visto che fu corista fanciullo nel Collegio Germanico, e che dalla fine del 1636 entrò a far parte come tenore della Cappella della corte di Ferdinando II d’Asburgo, rimanendo poi al servizio di Ferdinando III e Leopoldo I e divenendo nel 1669 maestro della Cappella Imperiale fino alla morte avvenuta nel 1679. La sua produzione musicale comprende opere, messe, mottetti, salmi concertati, sepolcri (particolare forma di oratorio caro alla corte viennese), cantate e arie.

L’ensemble belga ha registrato una selezione di queste ultime con copie di strumenti storici dell’inizio del Seicento. Si tratta di musiche contenute in tre differenti raccolte a stampa, ossia il secondo e il quarto libro di Cantade, rispettivamente del 1633 e del 1646, “commode da cantarsi sopra Tiorba, Clavicembalo [o Spinetta], Arpa ò altro simile instrumento”, e i Capricci Poetici a una, doi e tre voci del 1649. In questa ultima raccolta nella dedica al nobile veneziano Nicolò Sagredo, ambasciatore presso la corte imperiale, Sances ricorda “quell’antica servitù, ch’in Venetia già molti anni sono le consecrai”, e nella composizione posta alla fine del libro vi è un affascinante “dialogo a tre voci” intitolato L’infortunio di Angelica, che nella ripartizione delle strofe cantate fra Testo, Angelica e Ruggiero ricorda la struttura del Combattimento di Tancredi e Clorinda di Monteverdi. Sia il termine cantata che quello di capriccio non sono da intendersi come gli omonimi generi musicali barocchi, ma piuttosto in senso generale come canzoni e arie prevalentemente monodiche, laddove non si tratti di dialoghi amorosi a due o tre voci.

Nel 1715 Fux a Vienna scriveva “Non conosco nessun maestro di cappella che abbia scritto quanto Sances; la maggior parte della Cappella è piena delle sue composizioni”. Purtroppo il primo e il terzo libro delle Cantade sono andati perduti, ma Achten intende continuare a interpretare e registrare la musica di questo compositore che per il carattere sensuale e affettuoso delle sue musiche, ben messo in evidenza dalla affascinante esecuzione dell’ensemble Scherzi Musicali, merita maggiore attenzione e considerazione.

Paolo Scarnecchia
giornale della musica 05.01.2018
Gestirne am Weihnachtshimmel
"Scherzi Musicali" begeistert bei Konzert der Galerie St. Barbara in Hall

"Scherzi Musicali", das famose Ensemble für Alte Musik aus Brüssel, gestaltete am Mittwoch Abend das Weihnachtskonzert der Reihe "musik+" der Galerie St. Barbara im Kurhaus Hall. Im Zentrum stand barocke italienische Wiehnachtsmusik von Giovani-Felice Sances (1600-1679) und Zeitgenossen, in deren Texten es vielfach um Licht, Sonne und Sterne ging.

Doch spektakulärer als die farbenfrohe, modulationsreiche und prägnante Musik des kaiserlichen Hofkapellmeisters Sances in Wien war zunächst ein ungewöhnlicher musikalischer Wettstreit aus der Feder des in Rom wirkenden Komponisten Domenico Mazzocchi (1592-1665). In dessen "Vide nel mezzo dell'ombrosa notte" beschwert sich die Sone darüber, dass in der Heiligen Nacht ein helles Licht erstrahlt, das sie förmlich in den Schatten zu stellen droht. Mächtig und nahezu opernhaft plustern sich in dieser madrigalartigen Komposition die Gesangsstimmen auf und treten in vielerlei Konkurrenz zueinander und mit den Instrumenten.

Die anregend-kreative Durchmischung der Klangfarben von Violine (Annelies Decock, Patrizio Germone), Gambe bzw. Lirone (Eriko Semba), Erzlaute (Paul Kieffer) und Cembalo bzw. Orgelpositiv (Philippe Grisvard) zählt zu den Stärken des Ensembles.

Eine bemerkenswerte Erscheinung ist Ensembleleiter Nicolas Achten, der sowohl an der Theorbe den Basso continuo unterstützt als auch zugleich seine Baritonstimme erhebt, etwa zum weihnachtlichen, ekstatischen Jubel auf die Silbe "Noè" (Weihnacht) im Refrain zu Giacomo Carissimis "Salve Puellule".

Er sowie Astrid Stockmann mit ausdruchsstarker Sopranstimme und Sönke Tams Freier mit edlem Bass bilden ein harmonisches, gut ausgewogenes Vokaltrio mit solistichen Stärken. Nahezu expressiv-moder mutet Tarquinio Merulas Klagelied der Maria Muttergottes, "Hor ch'e tempo di dormire" an, in dem sie die künftigen Leiden ihres Schlafenden Sohnes vorhersieht.

Über der Begleitung von nur zwei Akkorden entfaltet Astrid Stockmann ihre Fähigkeit zur dramatischen Deklamation, ehe sie sich wieder bei Sances' wunderbaren Motettensätzen ins Ensemble einfügt. Diese handeln von der Liebe zu Jesus und der sternengleichen Mutter Maria, die nur noch vom Sterne des Erlösers in Biagio Marinis "Con le stelle in ciel" überstrahlt wird.

Thomas Nubaumen
Kronenzeitung 22.12.2017
Alessandro SCARLATTI - O Penosa Lontananza - Cantate da Camera
Le nouveau disque de Scherzi Musicali part à la découverte du père Scarlatti (Alessandro) avec six cantates conservées dans divers manuscrits napolitains et inédits pour la plupart. Les sujets peuvent sembler rabâchés (peines de coeur de nymphes et bergers), mais la musique est d’un raffinement extrême, magnifiquement servi par la réalisation musicale de l’ensemble qui fête cette année ses dix ans. A la barre de cet “éloignement douloureux” (la Penosa lontananza qui donne son titre au disque), on retrouve bien sûr Nicolas Achten, fondateur et âme de Scherzi Musicali qui joue une fois encore l’homme -orchestre en chantant et en s’accompagnant aux cordes pincées. Il partage les parties vocales et dialogue avec la soprano Deborah Cachet, aigu parfois un peu fragile, mais expressivité tout aussi subtile.

Nicolas Blanmont
La Libre 14.11.2017
Fiocco: Petits motets, vol.2
Bereits nach den ersten Takten gewinnt der Eindruck die Oberhand, dass Nicolas Achten hier eine veritable Entdeckung gemacht hat. Bereits der vor sieben Jahren eingespielte erste Band hatte ein einhellig positives Echo erhalten und einige Preise eingeheimst. Umso schöner, dass es mit dieser interessanten Reihe, wenng1eich in etwas unterschiedlicher Besetzung, weitergeht.

Da hätte Achten in seinem Booklet-Text durchaus darauf verzichten können, den älteren Bruder Jean-Joseph sowie den Vater Pietro Antonio kleinzureden und sie der fehlenden Inspiration zu bezichtigen Insbesondere die einzige erhaltene Oper des Letzteren überzeugt durch großen Ideenreichtum. Und nicht zuletzt sollte wohl nicht versessen werden, dass Joseph-Hector die so kompetente Amalgamierung der unterschiedlichen Nationalstile durch Werke seines Vaters kennen und schätzen gelernt hat.

Sowohl in der Melodiebildung als auch bei der Harmonik findet Fiocco eine ausgesprochen gelungene Mischung von französischen und italienischen Elementen, die zudem den Vorteil hat, dass man als Hörer glaubt, die Melodien sofort mitpfeifen zu können, selbst wenn das Stimmengeflecht kunstvoll ist. Und das ist es trotz der wunderbar weit ausschwingenden Melodien.

Die Vokalisten der Scherzi Musicali erzeugen trotz aller Individualität ihrer Timbres einen recht geschlossenen Ensembleklang, zugleich sind sie aber auch ohne jegliche Defizite als Solisten einsetzbar.

Sehr schön und mit großer Natürlichkeit spannen sie lange Bögen und stellen eine sehr gelöste Atmosphäre her. Da gibt es qualitativ keine Ausreißer — weder nach oben noch nach unten. Sie machen Ihre Sache einfach gut. Die Instrumentalisten begleiten sehr feinsinnig und betonen noch das offenkundig angestrebte warme Klangbild, das diese Aufnahme zum wiederholten Hören empfiehlt.

Reinmar Emans
MEW1682 FonoForum 01.09.2017
5 Diapasons
Un Diapason découverte récompensait en 2009 le jeune ensemble belge qui sortait de l'ombre avec ardeur et grâce quelques motets de Jeseph-Hector Fiocco. Scherzi Musicali nous revient pour un deuxième volume, qui ne flatte pas moins l'art de ce fils d'un musicien vénitien émigré à Bruxelles, engagé à vingt-trois ans dans la chapelle ducale dirigée par son demi-frère. Fiocco devint ensuite maitre de chapelle à la cathédrale d'Anvers, puis à celle de Bruxelles de 1737 à son décès prématuré en 1741. On a conservé ses pièces pour clavecin et un corpus religieux peu exploré.

Pour ces petits motets à quatre voix d'une élégance infinie, le même chef-baryton-théorbiste et harpiste Nicolas Achten a totalement renouvlé son équipe, instrumentistes comme chanteurs, à l'exception notable et heureuse du ténor Reinoud Van, Mechelen, fidèle à l'ensemble de ses débuts. Pour une bien étrange musique... Si vous aimez classer les styles dans de jolis tiroirs, passez votre chemin. Sans quoi, vous goûterez cette confusion plaisante des catégories: les tessitures sont bien françaises, comme les tournures mélodiques et leur préciosité, mais l'orchestre est ultramontin, violons à l'unisson des voix mais alto indépendant, flûte ou hautvois solo par touches, écriture enrichie d'ornementations y compris dans des récits souvent accompagnés.

Cette coexistence d'un ton français et d'une volubilité harmonique et ornementale ensoleilllée est la touche d'un Fiocco plus généreux que princier, qui se laisse parfois aller à une virtuosité toute vivaldienne (comme dans le Laudate pueri qui entrera au répertoire du Concert Spirituel). Un tel oecuménisme musical pourrait faire craindre que trop de mélange des goûts tue le goût. La fermeté de l'écriture, indéniable, l'en préserve. Pour rendre justice à cette imagination, il faut de la rigueur: l'enthousiasme se laisse parfois déborder par la surcharge ornementale, comme dans le verset "Tartarus ater" du motet marial O beatissma virgo Maria. Dans cette pâte sonore, dont les Scherzi Musicali épousent la sensualité de la matière, Van Mechelen pourvoit la lumière idéale et nécessaire.

Sophie Roughol
Diapason 28.04.2017
Vaderlandse geschiedenis ontstoft
Behoeft bariton, klavecinist, luitist en harpist Nicolas Achten nog enige introductie? De in Brussel geboren dertiger doceert inmiddels zang, luit en historische uitvoeringspraktijk aan het Koninklijk Conservatorium van zijn geboortestad: een voorrecht dat natuurlijk alleen de meest getalenteerde alumni gegeven is.

Dat Achten tot de beste musici van zijn generatie behoort, werd ruim tien jaar geleden al duidelijk. Vandaag heeft de jongeman samenwerkingen met L'Arpeggiata, Les Talens Lyriques, Les Musiciens du Louvre, Le Poème Harmonique en de Akademie für Alte Musik Berlin op zijn palmares staan. Dat alles realiseert Achten naast Scherzi Musicali, een ensemble waarmee hij als leider vergeten componisten van onder het stof haalt.

Tot grote vreugde van het publiek realiseerde Scherzi Musicali spraakmakende opnames met werk van Giovanni Felice Sances, Domenico Mazzocchi, Giulio Caccini en Joseph-Hector Fiocco. Van die laatste verscheen jaren geleden een eerste volume met motetten. Inmiddels hebben dezelfde musici een vervolg klaar.

Fiocco’s verhaal is nauw verbonden met de Belgische muziekcultuur, en wel omdat de man in het eerste deel van de 18e eeuw belangrijke posities heeft bekleed in Antwerpen en Brussel. Dat is meteen ook de reden waarom er op diverse plaatsen in ons land manuscripten van de componist teruggevonden zijn.

Voor Achten is Fiocco een uitzonderlijk boeiend figuur omwille van de symbiose die hij als componist bereikt tussen Italiaanse en Franse invloeden. In plaats van een onpersoonlijke collage worden beide stijlen vermengd tot een eigengereid en vitaal geheel, dat in deze piekfijne uitvoeringen schitterend herleeft.

Hoewel het repertoire integraal uit motetten bestaat, gebeurde de selectie van het repertoire zodanig dat er een divers muzikaal palet op de luisteraar wordt losgelaten. Instrumentaal tekent Scherzi Musicali voor energetische, opwindende partijen, minutieus gefraseerd en excellent qua zinsbouw. Het detail en de grote lijn: op deze cd komen ze weergaloos samen.

Als het album ergens een steek laat vallen, dan is het in de extreem virtuoze vocale partijen, die vooral door de uiterste registers met een fractie technische weerstand worden gebracht. Sopraan Deborah Cachet en bas Sönke Tams Freier overstijgen hun partijen eerder sporadisch. Voor Reinoud van Mechelen en Nicolas Achten gaat dat evenwel niet op: zij bewegen zich elegant door hun partituren, met een naturel die de luisteraar inderdaad het gevoel heeft dat Fiocco ten onrechte vergeten is geraakt. Tot nu, dankzij deze opname.

Hildegart Maertens 13.04.2017
Petits Motets
De opnamereeks ‘Musique en Wallonie’ wil de oren openen voor al het moois dat in het Franstalige landsgedeelte gecomponeerd werd en ten onrechte aan de aandacht ontsnapt. De muziek van Joseph-Hector Fiocco is er een prachtvoorbeeld van. De achttiende-eeuwse Brusselaar van Italiaanse afkomst was kapelmeester van de Sint-Goedele-kathedraal en componeerde motetten die sierlijk heen en weer laveren tussen Franse en Italiaanse invloeden - muziek die niet meteen verbaast, maar wel heel erg behaagt. Scherzi Musicali blaast er met de gebruikelijke gedrevenheid aanstekelijke gloed in. De sopraan van Deborah Cachet is een bijzondere ontdekking - warm en trefzeker - naast het vertrouwde, heldere geluid van Reinoud Van Mechelen. De opnamekwaliteit valt te wollig uit om de muziek helemaal helder in de oren te krijgen. Maar goed: dat was in de Sint-Goedele destijds misschien even-zeer het geval.

de Standaard 12.04.2017
La historia de la música se ha ido construyendo, indefectiblemente y por fortuna, de cambios de paradigma, los cuales suelen producirse bien por una necesidad imperante en algún campo del elemento artístico, por un experimental y reflexivo interés en evolucionar, o por un simple cambio en el gusto estético. Sea como fuere, lo que hoy se conoce como Barroco musical tuvo su origen precisamente en uno de estos cambios de paradigma, en una visión hacia la Antigüedad clásica para revivir aquella dramaturgia clásica –griega en realidad– de la que, curiosamente, no se tienen ni tenían datos fehacientes en lo musical. Este es un claro ejemplo de cambio de paradigma basado en gran medida en la experimentación. El segundo de los conciertos protagonistas del nuevo ciclo de miércoles de la Fundación Juan March, Vuelta al orden: clasicismos y neoclasicismos, llevó por título 1600 La antigüedad recuperada, una clara referencia a este proceso evolutivo musical que tuvo como origen una mirada hacia el pasado. Se trata de un proceso que no puede desligarse de los círculos de intelectuales –Camerata Bardi y el Grupo de Corsi– que, al amparo del reciente Humanismo, reflexionaron y persiguieron ese cambio en el hecho musical. Como resultado, el nacimiento de la monodia acompañada, esto es, una línea musical cantada que es acompañada por el recién nacido basso continuo. El cambio es tan sustancial como fundamental en el desarrollo de la llamada música clásica a partir de aquel momento, especialmente porque precisamente de ello surge el que quizá ha sido el género musical más importante en la historia: la ópera.

Un tema fascinante, pero extrañamente tan poco tratado en las salas de conciertos españolas. Y es que no hablamos de L’Orfeo monteverdiano, heredero directo de todo esto –que por otro lado tampoco se programa tanto en España–, sino de un programa construido en torno a esa monodía incipiente, de la mano de los autores que le dieron vida: Giulio Caccini (1551-1618) y Jacopo Peri (1561-1633), ambos asentados en Firenze, la ciudad que tiene el honor de ser considerada como epicentro de este nacimiento. Caccini y Peri fueron, por así decirlo, los pragmáticos en este cambio, ya que de los que lo teorizaron, especialmente Vicenzo Galilei, no se han conservado ejemplos prácticos suficientes que poder llevar a los escenarios hoy día. De cualquier manera, no debemos olvidar que la figura de Caccini es especialmente relevante más allá de la composición, puesto que de sus tratados, especialmente Le Nuove Musiche (1602), se extraen gran parte de los fundamentos y procesos compositivos que se llevaron a cabo desde aquel momento. Y es que a Caccini se le debe la teorización básica sobre lo que el llamó sprezzatura di canto [espontaneidad del canto], la libertad rítmica en la interpretación –concepto fundamental e indisoluble a estas composiciones–, además de las categorizaciones de los tipos de monodía [madrigal solista, canzonette estróficas y variaciones estróficas], así como una gran variedad de ornamentos vocales que se aplicaban en la composición: passagio, trillo, groppo, tirate, ribattuta da gola…

El programa situó a los oyentes sobre dos ejes principales: uno temporal y otro geográfico. Se comenzó en Firenze, como no podía ser de otra manera, c. 1589, lugar y año del nacimiento de La pellegrina, magnífico ejemplo de unos de los géneros musicales menores en los que la monodía encontró gran acomodo: el intermedi, esto es, obras musicales carentes de argumento, con todo el texto cantado y a la manera de un cuadro estático, que se basaban en la monodía acompañada para deleitar a los nobles y políticos en celebraciones de estado. En este espectáculo participaron como compositores algunos de los nombres fundamentales del momento, como los propios Caccini y Peri, así como Emilio de‘ Cavalieri (1550-1602), compositor romano que desarrolló gran parte de su carrera en Firenze. El segundo gran bloque de la primera parte se sustentó en contraponer, de manera muy inteligente, a Caccini y Peri, a través de L’Euridice, con fragmentos de sendas versiones llevadas a cabo en la capital florentina en 1600, sobre textos de Ottavio Rinuccini.

La segunda parte del recital continuó como termino la primera, contraponiendo dicha ópera de ambas figuras, con el fin de poder comprobar las visiones de uno y otro, además de su estilo musical –una tarea más compleja, dada la cercanía entre ambos–. Dice Pablo Rodríguez, en las interesantes y extensa notas al programa, que Peri resulta más dramático y con uso más expresivo del recitativo, mientras que Caccini es más lírico y cercano al texto y sus inflexiones. En cualquier caso, sin querer comparar a ambos compositores, la contraposición de ambos resultó clarificadora y muy estimulante. Para finalizar el recital, se ejecutó una sección con un cambio de región, yendo a la Roma de 1600 para escuchar algunos pasajes de la célebre La rappresentatione di Anima et di Corpo, firmada por Cavalieri, obra de suma importancia por tratarse de la primer ópera de temática sacra, antecedente directo del oratorio.

La interpretación corrió a cargo del conjunto belga Scherzi Musicali, que a pesar de la juventud de sus miembros lleva tras de sí una brillante carrera, jalonada de éxitos, premios y magníficos registros discográficos. El conjunto presentó una visión excepcional de estos ejemplos musicales tan hermosos. Compuesto para la ocasión por seis intérpretes, tres cantantes y tres instrumentistas –cuatro en realidad, como explicaremos a continuación–, supieron deleitar desde el inicio, haciendo olvidarse a más de uno de la complejidad intrínseca de este repertorio, más aún desde un punto puramente interpretativo, sin representación escénica. Excepcional labor de la de la soprano Deborah Cachet, de absoluta gracilidad, solvencia técnica y timbre repleto de belleza, que brindó unas versiones impecables, especialmente en el campo de las tan complejas ornamentaciones, solventadas con fluidez y una naturalidad apabullantes. Menos brillante, aunque notable, la actuación del tenor Pieter de Moor, que sufrió en los numerosos pasajes con registro más grave, sin poder brillar prácticamente en ninguna ocasión, dado el escaso registro agudo de la mayoría de las piezas. Excepcional, sin duda, la actuación de Nicolas Achten, una de las figuras más sobresalientes en las últimas hornadas de intérpretes en el repertorio histórico. Achten es, a la par, un magnífico barítono –de voz redonda, bien proyectada, con una línea de canto elegante, muy sutil, un registro medio-agudo realmente magnífico, aunque con el grave algo menos poderoso– y un excepcional instrumentista –tañe por igual instrumentos de cuerda pulsada, el arpa e instrumentos de teclado–, como demostró aquí acompañándose, tanto a sí mismo, como a sus compañeros, con la tiorba, dejando momentos de magnífico impacto por su pulsación expresiva y calibrada. Resulta inspirador observarle acompañarse al canto, cual representación en pleno siglo XXI de aquellos cantantes y tañedores del XVI. Es algo tan inusual como excepcional. Magnífica la participación a nivel global de los tres, paladeando el texto, con una exquisita dicción y un tratamiento directo de la expresividad, desde el ornamento más barroquizante, sí, pero sin florituras ajenas ni frivolidades. El apartado instrumental, limitado al bajo continuo, corrió a cargo del archilaúd y la guitarra barroca de Solmund Nystabakk, el lirone de Eriko Semba y el calve de Haru Kitamika. Son intérpretes muy curtidos en el repertorio, con un gran conocimiento de la ornamentación y la aplicación de las teorías de la época en la realización del continuo. Todos brillaron de forma fulgurante, tanto en los pasajes puramente instrumentales –qué hermosura la de esas arias de romanesca y la célebre Aria de Firenze, ejemplo sobresalientes de los patrones de continuo y ostinati sobre los que se compusieron excepcionales variaciones–, como en el acompañamiento a la voz, manteniendo siempre la tensión armónica, la expresividad y ayudando de manera exquisita al desarrollo dramático de las obras. Qué acierto el de la Juan March, con Miguel Ángel Marín al frente del departamento de música y de un gran equipo de profesionales. Y cuánto me alegro de comprobar que el público a veces sabe apreciar, a pesar de la densidad y complejidad del programa, la calidad musical que subyace en ello, así como una brillante interpretación. Probablemente el mejor concierto en lo que va de temporada, y es decir muchísimo.

Mario Guada 26.01.2017
El Big Bang de la música barroca
Programas como este —sublime, dicho sea antes de nada— no se comprenden sin una mínima exposición que los sitúen en su contexto histórico. Hacia el año 1573, un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales florentinos, bajo el patrocinio del conde Giovanni de' Bardi, se reunieron para discutir y guiar las tendencias en las artes, especialmente en la música y el drama. Así surgió la Camerata Bardi, también conocida como Camerata Florentina, entre cuyos miembros estaban Giulio Caccini, Emilio de' Cavalieri, Piero Strozzi (condotiero, pero también compositor diletante) y Vincenzo Galilei (padre del astrónomo Galileo Galilei). Ellos consideraban que la música se había corrompido y que solo podría mejorar si se producía un retorno a las formas clásicas de la Grecia Antigua.

Sus críticas hacia su música contemporánea se centraban en el uso excesivo de la polifonía, que impedía que el texto cantado fuera inteligible. Aquel regreso a la Grecia Antigua no dejaba de ser una utopía por cuanto, como es obvio, no había sobrevivido ningún testimonio material, si bien ellos aventuraban que la música habría seguido el mismo camino que la tragedia y la comedia, por lo que el canto debía de haber tenido una sola línea con un acompañamiento vocal simple. En 1582, Vincenzo Galilei realiza una musicalización del lamento de Ugolino della Gherardesca en el Infierno de Dante, que pretende ser una imitación franca de lo que podía haber sido la música de la Antigua Grecia. De todas las revoluciones en la historia de la música, la de la Camerata Florentina fue quizás la más cuidadosamente premeditada antes del siglo XX, pues se trata de uno de los contados ejemplos de la práctica que precede a la teoría. Bardi y Galilei dejaron varias publicaciones en las que exponían sus novedosas ideas.

Mientras esto sucedía en Florencia, en Venecia un tal Claudio Monteverdi acuñaba el término “seconda pratica”, en oposición a la “prima pratica”, con lo cual el cremonés quería diferenciar su música de la de Giovanni Pierluigi da Palestrina o de la de Gioseffo Zarlino. Es el nacimiento del barroco, estilo que permite mayores libertades armónicas y estilísticas. La “seconda pratica” también es conocida como “stile moderno”, término que se debe a un miembro de la Camerata Florentina, Caccini, quien lo plasma en su obra Le nuove musiche (1602). Los principales cambios que introduce Caccini consisten en que el acompañamiento está totalmente supeditado al texto (“prima le parole e poi la musica”), además de incluir la ornamentación explícitamente en la partitura y, en cierta forma, de alumbrar lo que desde entonces se conoce como “bajo continuo”.

Dos últimos apuntes históricos antes de adentrarnos en el análisis de este concierto: La pellegrina es un conjunto de intermedios musicales compuestos para los fastos por los esponsales en Florencia del Gran Duque Fernando I de Medici y Cristina de Lorena (1589) por Cristofano Malvezzi, Luca Marenzio, Jacopo Peri, Giulio Caccini, Antonio Anchilei, Emilio de' Cavalieri y Giovanni di Bardi. Fue otra boda regia no muy posterior, la de Enrique VI de Francia y Maria de Medici (1660, también en Florencia), la que llevó a Peri a escribir L’Euridice, considerada por muchos como la primera ópera que se ha conservado íntegramente (Dafne, también suya, había sido representada en Florencia en la temporada de 1597-98, pero solo han sobrevivido el libreto y algunos fragmentos musicales). Pero hay quien sostiene que realmente la primera ópera fue Rappresentatione di Anima, et di Corpo de Cavalieri, estrenada en Roma solo unos meses antes que L'Euridice.

Pues de todo esto versa el magnífico concierto ofrecido ayer en la Fundación Juan March por el grupo Scherzi Musicali: de la Camerata Bardi, del “stile moderno”, de La pellegrina, de L’Euridice y de Rappresentatione di Anima, et di Corpo, sintetizado, a lo largo de dos inolvidables horas, en piezas de Cavalieri, Peri y Caccini.

Scherzi Musicali es uno de esos grupos fundados en su día por veinteañeros que hoy apenas superan la treintena(Nicolas Achten, su director, tiene 31 años). Con menos de unas década de actividad, esta formación belga tiene un bagaje discográfico notable en cantidad y sobresaliente en calidad, y más que suficiente para ser considerada como una de las más grandes especialistas en el Seicento. Y más precisamente, en los orígenes del Seicento. Tras esta actuación en Madrid, se llega a la conclusión de que es imposible reunir tanto rigor musicológico, tanto talento musical y tanta imaginación a la hora de ensamblar un programa que sea capaz de mantener absorto durante de dos horas a un auditorio que seguramente en su gran mayoría ha tenido poco o nulo contacto previo con este repertorio.

Los dos cantantes (la soprano Deborah Cachet y el tenor Hugo Hymas) poseen un nivel descomunal y el bajo continuo (las japonesas Eriko Semba, al lirone, y Haru Kitamika, al clave, y el noruego Solmund Nustabakk al archilaúd y la guitarra —de la escuela de su compatriota Rolf Lislevand, por supuesto—) es fastuoso. Pero quien se eleva por encima de todos es Achten con su prodigiosa polivalencia: dirige, canta como barítono y toca una enorme tiorba (además, la criatura también es clavecinista y arpista, aunque ayer no tuvo necesidad de demostrarlo). Lo de cantar y tocar al mismo tiempo tal vez sorprenda en nuestros días, pero era algo común en aquella Italia del Big Bang barroco. El propio Caccini cantaba mientras tocaba el laúd las canciones que él mismo componía. En la actualidad son muy pocos los que están capacitados para hacerlo: Acthen, Joel Frederiksen (director del Ensemble Phoenix Munich) y… Sting, que grabó al laúd un disco con canciones de Dowland (pero de este último señor, olvídense ustedes: por fortuna la cosa quedó en una lamentable aventura ocasional).

Eduardo Torrico 25.01.2017
Redécouverte d'un Oratorio perdu d'Antonio Bertali
Les larmes sont chez elles à l’oratoire. Cabinet des curiosités baroques, les petites salles de prière ont sécrété des partitions-fleuves, à l’image de la Maria Maddalena de Bertali. Dirigé par Nicolas Achten, l’ensemble Scherzi Musicali découvre pour nous ce joyau du baroque italien qui a plus d’une perle dans son sac.

Né d’une longue sédimentation musicale, l’oratorio consacré à la figure de Marie-Madeleine répond bien à la définition que Sébastien de Brossard a donné du genre. « Opéra spirituel », la Maddalena chante l’une des figures les plus complexes de la tradition judéo-chrétienne. Représentée dans l’iconographie par un vêtement de couleur jaune, Marie-Madeleine incarne les deux versants des femmes de l’Ancien Testament. Plus qu’aucune autre en effet, Marie-Madeleine symbolise la dynamique intrinsèque de l’esthétique baroque, à rebours de la chair sans qu’elle ne s’en départisse absolument.

La Marie-Madeleine de Bertali se place ainsi sous le signe double du profane et du sacré, et décline cette ambivalence dans les moindres aspects de la représentation musicale. Trois coups, trois actes qui dessinent et déclinent les stances d’une vie entre Ciel et Terre, dont il est recommandé de s’inspirer pour sa valeur exemplaire. Le prologue voué à la « Favor divino » donne le ton, sous les traits de l’Amour lucide, qui s’élève vers l’extase divine, d’une manière qui n’est pas sans rappeler – comme le signale l’excellent Nicolas Achten – la Musique dans l’Orfeo. Il a d’ailleurs l’intelligence de mettre en regard avec cette partition, les oeuvres que consacrèrent Claudio Monteverdi, mais également Muzio Effrem, Alessandro Guivizzani, Salomone Rossi & Domenico Mazzocchi à cette héroïne expiatoire. Les emprunts sont nombreux, comme autant de signatures qui pavent le chemin vers la rédemption. Signe imparable d’une contrition sincère, les larmes se logent volontiers dans les dissonances particulièrement détonantes dans l’ «Anime fortunate » ou l’air « Se peccaste infiniti » dans le troisième volet de cet oratorio.

Portée parfois à son paroxysme, l’exploitation des ressources du violon et de la future école autrichienne donnent à l’instrument d’incarner d’autres personnages. En un mot : l’inspiration ?

Fabrice Kada 29.07.2016
Du ciel-éther
Les larmes sont chez elles à l’oratoire. Cabinet des curiosités baroques, les petites salles de prière ont sécrété des partitions-fleuves, à l’image de la Maria Maddalena de Bertali. Dirigé par Nicolas Achten, l’ensemble Scherzi Musicali découvre pour nous ce joyau du baroque italien qui a plus d’une perle dans son sac.

Né d’une longue sédimentation musicale, l’oratorio consacré à la figure de Marie-Madeleine répond bien à la définition que Sébastien de Brossard a donné du genre. « Opéra spirituel », la Maddalena chante l’une des figures les plus complexes de la tradition judéo-chrétienne. Représentée dans l’iconographie par un vêtement de couleur jaune, Marie-Madeleine incarne les deux versants des femmes de l’Ancien Testament. Plus qu’aucune autre en effet, Marie-Madeleine symbolise la dynamique intrinsèque de l’esthétique baroque, à rebours de la chair sans qu’elle ne s’en départisse absolument.

La Marie-Madeleine de Bertali se place ainsi sous le signe double du profane et du sacré, et décline cette ambivalence dans les moindres aspects de la représentation musicale. Trois coups, trois actes qui dessinent et déclinent les stances d’une vie entre Ciel et Terre, dont il est recommandé de s’inspirer pour sa valeur exemplaire. Le prologue voué à la « Favor divino » donne le ton, sous les traits de l’Amour lucide, qui s’élève vers l’extase divine, d’une manière qui n’est pas sans rappeler – comme le signale l’excellent Nicolas Achten – la Musique dans l’Orfeo. Il a d’ailleurs l’intelligence de mettre en regard avec cette partition, les oeuvres que consacrèrent Claudio Monteverdi, mais également Muzio Effrem, Alessandro Guivizzani, Salomone Rossi & Domenico Mazzocchi à cette héroïne expiatoire. Les emprunts sont nombreux, comme autant de signatures qui pavent le chemin vers la rédemption. Signe imparable d’une contrition sincère, les larmes se logent volontiers dans les dissonances particulièrement détonantes dans l’ «Anime fortunate » ou l’air « Se peccaste infiniti » dans le troisième volet de cet oratorio.

Portée parfois à son paroxysme, l’exploitation des ressources du violon et de la future école autrichienne donnent à l’instrument d’incarner d’autres personnages. En un mot : l’inspiration ?

Axelle GIRARD 04.05.2016
CD Antonio Bertali : La Maddalena
CD Antonio Bertali : La Maddalena [...] Le somptueux prologue de Monteverdi, forgé sur le modèle de L’Orfeo, alterne un ritornello à cinq parties (ici richement orchestré et varié) et sept stances pour ténor solo, interprétées par Nicolas Achten lui-même, avec un admirable raffinement dans l’expression et l’ornementation. [...] L’influence des modèles opératiques romains (en particulier Luigi Rossi) transparaît dans sa Maddalena au pathétisme sobre. L’oeuvre offrant peu de parties instrumentales, Nicolas Achten a étoffé un continuo coloré : un modèle de réalisation polyphonique, aux antipodes du fouillis étincelant qui fait aujourd’hui florès parmi les ensembles « à la mode ». Les chanteurs servent leurs parties avec intelligence et style – il est permis de préférer le velours des deux ténors à la présence trop effacée de la basse. Deux voix féminines judicieusement contrastées se prêtent aux deux « Marie » : la mère éplorée s’incarne idéalement dans le mezzo profond et la digne éloquence de Luciana Mancini, tandis que la pécheresse repentie est transfigurée par le lumineux soprano de Deborah Cachet.

Denis Morrier
Diapason 01.05.2016
Antonio Bertali, Claudio Monteverdi, Salomone Rossi u.a. La Maddalena
Wenn man ein aufregend neues Kapitel im Bereich der Alten Musik kennenlernen will, dann muss man eigentlich nur zu einer Aufnahme des belgischen Ensembles Scherzi Musicali greifen. Unter der Leitung seines Gründers Nicolas Achten haben sich die Sänger und Instrumentalisten in den nunmehr genau zehn Jahren ihres Zusammenwirkens zu wahren „Trüffelschweinen“ entwickelt, die wie selbstverständlich Abgelegtes aufspüren und sofort mit allerbestem aufführungspraktischen Sachverstand einverleiben. vGenau das ist diesem Team jetzt erneut gelungen. Im Mittelpunkt der beiden Vokalprojekte steht die im 17. Jahrhundert in zahlreichen Kompositionen verewigte Jüngerin Maria Magdalena. Den ersten Teil der Einspielung nimmt die Weltpremiere einer Art Schauspielmusik ein, für die 1617 neben Salomone Rossi, Alessandro Ghivizzani und dem Gesualdo-Schüler Muzio Efrem auch Claudio Monteverdi gewonnen werden konnte. 1617 fand in Mantua dieser von Giovan Battista Andreini zu Ehren Maria Magdalenas konzipierte Theaterabend statt, bei dem eben nicht nur Monteverdis stolze wie aufwühlende Tonsprache zu erleben war, die an seinen „Orfeo“ erinnert. Auch das Volkstümliche als Klangspiegelbild von Magdalenas Herkunft kommt beschwingt zu seinem Recht. Und zusammen mit hüpfenden Saiteninstrumenten und Blockflöten trumpft das Sängerteam hier genauso auf wie im eigentlichen Hauptwerk, das vom Veroneser Antonio Bertali stammt.

„La Maddalena“ heißt dieses musikalische Porträt, mit dem Nicolas Achten zugleich die spezielle Oratorium-Variante „Sepolcro“ in Erinnerung ruft. Dahinter verbarg sich eine Art szenische Grabesmusik, die in der Karwoche aufgeführt wurde. Und im Fall von Bertalis „La Maddalena“ fand die Aufführung 1663 in der Privatkapelle der Wiener Kaiserin Eleonora statt. Bertali war in Wien ab 1649 Hofkapellemeister und beeinflusste zudem mit seinen Geigenkünsten nachhaltig die österreichische Violinschule. Auch mit einem halben Dutzend Gamben tauchte Bertali nun die auf mehrere Sänger verteilte musikalische Erzählung in ein dramatisch halbdunkles Klangbild ein, dessen Haltung an die großen Opern nicht zuletzt eines Cavalli erinnert. Als geradezu fesselnd und ungemein bewegend erweisen sich da die Szenen der Klage und der Trauer. Zumal das Sängerensemble die ideale Balance aus erschütterndem Schmerz und trostspendender Schönheit findet. Großes Klangschauspiel ist das.

Guido Fischer 23.04.2016
Les plaisirs du sépulcre
On a beau ne pas choisir un disque à sa couverture, celle de cette Maddalena (une Maria Maddalena de Giovanni Francesco Barbieri) est suffisamment belle pour attirer les convoitises, de sorte que, se dit-on, si le ramage se rapporte au plumage, on sera comblés. Et de fait, on est comblé d’un bout à l’autre de l’enregistrement.

Contrairement à ce que laisse penser ce qui est écrit cette même couverture, la totalité du disque n’est pas consacrée à La Maddalena d’Antonio Bertali, qui occupe un peu plus de la moitié du minutage. Le programme s’ouvre avec les passages musicaux destinés à s’insérer dans une pièce de théâtre sacrée (Sacra Rappresentazione) de Giovanni Battista Andreini jouée à Mantoue en 1617, de sorte que, bien qu’il ne fût plus alors au service du commanditaire de L’Orfeo, comme il avait gardé des contacts avec la cour, c’est Monteverdi que l’on entend le premier, dans un long prologue : presque neuf minutes, la piste la plus longue du disque — heureusement qu’il est beau, ce prologue ! Les autres pièces sont dues aux plumes de Muzio Effrem, Salomone Rossi et Alessandro Guivizzani, et sont également de très belle facture. Les deux pièces de Muzio Effrem sont particulièrement belles, que ce soit l’allègre duo évoquant les beautés du monde et du ciel («Fra le rugiade eterne») ou le magnifique madrigal invitant le spectateur à, lui aussi, se repentir («Anime fortunate») ; tout cela se termine par une pièce en forme de danse de Salomone Rossi. Cette Maddalena en condensé (un gros quart d’heure) se déploie dans une ambiance plutôt extatique et détendue rappelant Titien ou, éventuellement, Guido Reni, plutôt que George de La Tour ou, pour rester en Italie, le Caravage.

Après une sonate de Bertali à trois voix, ici instrumentée avec, en plus des cordes, cornet et trombone, vient l’oeuvre de Bertali, La Maddalena, oratorio du sépulcre joué à Vienne en 1663. Jérôme Lejeune définit ces oeuvres appelées sepolcri comme « de véritables spectacles […], reconstitution du sépulcre du Christ [où] les chanteurs costumés jouent leur rôle comme ils le feraient au théâtre. » Au moins deux oeuvres de ce genre ont déjà été enregistrées : La Vita nella morte d’Antonio Draghi (qui non seulement était compositeur mais aussi poète : car c’est lui qui signe le livret de la Maddalena mise en musique par Bertali) et la Maddalena ai piedi di Cristo d’Antonio Caldara. Ces noms, auxquels on pourrait joindre celui du compositeur qui le premier donna un sepolcro à Vienne, Giovanni Valentini, et bien sûr celui de Bertali (né à Vérone), nous rappellent qu’à la cour de Vienne, au xviie siècle (et encore, concernant Caldara, pendant une partie du xviiie), les musiciens italiens se taillent la part du lion.

La Maddalena de Bertali comporte six rôles chantés (outre Marie et Marie-Madeleine, il y a deux pécheurs et deux allégories) mais aussi une partie instrumentale très développée, puisqu’en plus de la basse continue, elle convoque un ensemble de cinq violes, un violon, deux cornets muets (cornetti muti) et un trombone. Par chance, et contrairement à la coutume du temps, ainsi que le précise Nicolas Achten, toutes les parties d’accompagnement ont été copiées dans le conducteur, parvenant ainsi jusqu’à nous, là où les parties séparées se fussent aisément perdues. De fait, la musique qui nous est donnée à entendre est constamment somptueuse. De la sombre Sonata initiale jusqu’au magnifique madrigal final, l’intérêt ne se dément jamais, et voilà bien de quoi prouver aux médisants que non, tout ce qui valait la peine n’a pas été sorti des bibliothèques encore, et oui, il y a encore de la très belle musique à découvrir. Il faut louer la curiosité des musiciens qui vont la chercher et leur persévérance pour la faire connaître.

Les dernières notes, les derniers accords du disque reviennent à Rome (tous les chemins y mènent, paraît-il, même les tortueux détours harmoniques qu’offre cette dernière pièce, partant de fa mineur pour arriver à do dièse mineur !), puisque Nicolas Achten a fait le choix, dont on ne peut que se réjouir devant la qualité de la musique, de conclure par une plainte de Marie Madeleine de Domenico Mazzocchi, confiée au soprano de Deborah Cachet.

Nous l’avions entendue à Ambronay, également avec Scherzi Musicali, dans un programme autour d’Orphée et Eurydice, et nous avions regretté que Deborah Cachet ne figurât pas sur le disque correspondant (encore que Deborah York n’y démérite point), tant la voix est belle, le timbre agréable, distingué, un rien mélancolique, l’expression délicate, la lignée du chant soignée. Voilà donc qui est réparé, puisqu’elle prête ici ces qualités à la pécheresse pénitente, plus pénitente que pécheresse ici, ce qui semble bien convenir au caractère de sa voix et de son chant, qui ont quelque chose de dolent. Il nous semble toutefois que le disque, malgré une excellente prise de son, ne la restitue pas dans toute sa richesse. (Il y a des voix plus phonogéniques que d’autres.) Elle réussit en particulier des glissandi enflés très expressifs, effet rarement si bien maîtrisé qu’ici.

Peut-être faudrait-il citer tout le monde ; ce serait fastidieux, sans doute, et nous préférons saluer un travail d’équipe exemplaire. Toutes les voix s’accordent bien ensemble, même si certaines, évidemment, ressortent particulièrement dans leur soli, comme le mezzo-soprano sombre et racé de Luciana Mancini ou le ténor, éclatant, resplendissant de Reinoud van Mechelen. Nicolas Achten, en particulier dans son prologo montéverdien, montre aussi que sa voix a mûri, a gagné en rondeur comme en nuances. À leurs côtés, Alice Foccroulle, Dávid Szigedvári et Sönke Tams Freier (basse manquant peut-être un peu de profondeur) ne déméritent pas et s’intègrent à l’ensemble avec un certain bonheur. Tous trouvent le juste équilibre entre l’articulation du texte, son accentuation, et la ligne du chant.

Du côté des instruments, l’oreille est également à la fête, que ce soit avec un continuo opulent (peut-être trop ? n’étant pas spécialistes des pratiques viennoises pour ce genre d’oeuvre, nous nous garderons de juger de la vraisemblance du continuo ici adopté), en particulier en cordes pincées (les descentes d’archiluth font grand effet), mais souvent teinté aussi de lirone ; les cornets de Lambert Colson et Anna Schall sont délicieux de timbre comme d’attaques, les trombones d’Adam Woolf et Guy Hanssen ne manquent pas de distinction, et Varoujan Doneyan au violon est également une trouvaille réjouissante. Les violes sont plus discrètes, mais participent de l’opulence et colorent l’ensemble de tons sombres propres à l’ambiance sépulcrale qui convient. Elles sont surtout remarquables d’unité — on ne saurait dire, en bien des moments, combien il y en a.

On apprécie la direction de Nicolas Achten, attentive à mettre la musique en valeur, dynamique sans être heurtée. Les effets ne sont jamais outrés, et ce sont l’hédonisme sonore et une certaine sensualité auditive qui dominent ici, peut-être au détriment d’une théâtralité qui pourrait être plus affirmée. Qu’importe ! le disque s’écoute avec un plaisir constant, voire captivant, et l’on y revient plus que volontiers.

Loc Chahine 14.04.2016
Antonio Bertali - La Maddalena - Nicolas Achten - Scherzi Musicali
Nicholas Achten en zijn Scherzi Musicali weten telkens weer te verrassen met een origineel concept. Deze keer draait alles om La Maddalena, Maria Magdalena – de zondares, de bekeerde vrouw, de treurende vriendin. Een figuur die extreme emoties oproept én dus een geliefd en dankbaar onderwerp is voor schilders, dichters en componisten.

Nicholas Achten brengt rond dit thema werk voor het theater en voor de kerk bij mekaar. De ene La Maddalena is een Sacra Rappresentazione, een vroeg 17e-eeuws theaterstuk uit Mantua met muzikale intermezzi van Claudio Monteverdi, Salomone Rossi, en de minder bekende Domenico Mazocchi, Muzio Effrem en Alessandro Guivizzani. De andere La Maddalena is een sepolcro, een oratorium voor de Heilige Week, van Antonio Bertali (1663).

De grote bezetting van Scherzi Musicali – in totaal 7 zangers en 17 muzikanten – is helemaal in balans. De vrij uitgebreide strijkersgroep, de toevoeging van koperblazers die bijdragen aan een typische, weemoedige kleur, de rijkdom aan tokkelinstrumenten (theorbes en luiten in verschillende maten, barokgitaar, harp) en de afwisseling op klavecimbel, orgel, virginaal: heel fijn en beheerst klinkt dat allemaal, met subtiele solo’s en fraaie samenklanken.

Nicholas Achten trekt de lijn van zijn vorige opnames door: een interessant, doordacht project, mooi uitgewerkt, met stuk voor stuk prachtige musici. Bovendien is deze opname een wereldpremière.

Els Van Hoof 11.04.2016
CD, annonce : Antonio Bertali, La Maddalena. Scherzi Musicali. Nicolas Achten, direction (1 cd Ricercar, 2015)
CD, annonce : Antonio Bertali, La Maddalena. Scherzi Musicali. Nicolas Achten, direction (1 cd Ricercar, 2015). Enregistré en Belgique en février 2015, l’enregistrement de La Maddalena d’Antonio Bertali démontre les qualités expressives de l’ensemble Scherzi Musicali, déjà constatées dans leurs gravures précédentes : Catena d’Adone de Domenico Mazzocchi, 2010 ; Il Pianto d’Orfeo, 2013. Mais ce nouveau travail affirme une nouvelle maturité du groupe. Caractérisation affûtée pour la langueur sombre et un certain dolorisme, autant aux instruments que dans le chant des voix : l’oratorio fervent, construit comme une ample lamento que Bertali livre à Vienne en 1663 accrédite évidement le goût hautement italien de la Cour impériale Habsbourg. Le baryton Nicolas Achten (et directeur musical de l’ensemble) met en regard les oeuvres sur le même thème de la repentie, conçues par Monteverdi, Effrem, Guivizzani, Salomone Rossi et Domenicho Mazzochi (dont du Lagrime Amare de 1638, les larmes de Madeleine, exprimées en contournements harmoniques dissonants d’une ineffable langueur…). Autant de courtes sections qui pourraient bien avoir été intégrées dans la continuité d’une reprise de l’oratorio de Bertali à Mantoue…

ACUITE LINGUISTIQUE ET JUSTESSE POETIQUE DES SCHERZI MUSICALI… Il en ressort un programme dédié à la ferveur implorante du premier baroque italien à Vienne, à Rome, … L’oeuvre de Bertali s’inscrit dans la tradition essentielle au moment de la Semaine Sainte, des Sepolcri, oratorios de douleurs, célébrant le Sacrifice de Jésus au moment de Pâques. De nombreuses gravures ont illustré la richesse de cette forme musicale et sacrée propre à la Vienne du XVIIè : Valentini, Sances, Draghi, et donc Bertali dont La Maddalena est construite en trois temps / parties : évocation allégorique, puis et c’est le plus réussi dans ce recueil défendu par Scherzi Musicali, confrontation, exaltation des deux Marie : Marie et Marie-Madeleine ; enfin, conversation, monologue, émois partagés des deux pêcheurs (excellents David Szigedvvari, ténor et Nicolas Achten dont le sens du texte articulé, ciselé offre une caractérisation vivante voire palpitante de la situation et de sa signification sacrée). La partition au moment de la représentation doit édifier l’auditeur et le spectateur (car ici, la scène représente à Vienne le Sépulcre et le miracle de la Résurrection qui y est central dans la méditation collective qui se précise de séquence en séquence…). Si l’on avait pu regretter un manque de certitude, un aplomb individuel comme collectif dans certaines de leurs réalisations antérieures, chanteurs et instrumentistes des Scherzi Musicali atteignent dans ce programme Bertali une étonnante maîtrise de la caractérisation linguistique ; le choix de chaque soliste pèse de tout son poids identitaire fort : Marie et Madeleine exhortant, hallucinées (Deborah Cachet, Lucina Mancini aux tempéraments suaves, incarnés, irrésitibles) ; duo palpitant entre les deux chanteurs ténor et baryton ci dessus nommés). C’est de loin la meilleure réalisation des Scherzi Musicali. L’appel des vanités en fin de partition, l’exhortation à l’humilité n’en ont que de plus âpres attraits : “Sache, ô mortel, qu’à la fin, il ne reste plus / Que pénitence, terreur, sépulcre et vermine“… concluent mes deux Pêcheurs, rejoints par les deux Marie en un quatuor saisissant. L’effroi soustend la langueur ; le lugubre, la sensualité rayonnante. Tout cela est très bien compris des solistes réunis autour de Nicolas Achten… 09.04.2016
Scherzi Musicali - Les Muffati : deux ensembles virtuoses de musique ancienne
Après un très beau CD consacré au mythe d'Orphée, l'ensemble Scherzi Musicali propose cettefois un disque thématique autour de la figure de Marie-Madeleine, la pécheresse repentie. Au menu, une courte lamentation de Mazzochi créée à Rome en 1638, mais aussi deux oeuvres de plus larges proportions. Un intermède théâtral, d'abord, donné à Mantoue en 1617 avec des musiques signées Monteverdi, Effrem, Guivizzani et Salomone Rossi; un oratorio, ensuite (ou plus précisément un "sepolcro", destiné à être exécuté la semaine sainte), signé d'Antonio Bertali et créé à Vienne en 1663.

Musique superbe, et magnifique interprétation autour d'un Nicolas Achten omniprésent qui est un des sept solistes du chant, dirige le tout et signe en outre dans le livret du CD un très instructif texte de présentation des oeuvres.

La Libre culture
scan 06.04.2016
Bittere Tränen am leeren Grab Jesu
Am Fuße des Kreuzes weint sie bittere Tränen: Maria Magdalena ist reuige Sünderin und treue Jüngerin Jesu - und eine der faszinierendsten Frauenfiguren der Bibel. Ihr ist die neue CD gewidmet, die der Belgier Nicolas Achten und sein Ensemble "Scherzi Musicali" gerade beim Label Ricercar vorgelegt haben.

Antonio Bertali, Sonata – O Madre sconsolata, aus: La Maddalena

Musik von Antonio Bertali steht im Mittelpunkt der neuen CD, die Nicolas Achten und sein Ensemble "Scherzi Musicali" der Maria Magdalena widmen. In ihrer Rolle haben Sie gerade Deborah Cachet gehört.
Bertali wurde 1649 Kapellmeister am Kaiserhof in Wien. Mitte des 17. Jahrhunderts standen die Italiener dort hoch im Kurs. Sie brachten nicht nur die Oper mit an die Donau, sondern auch das Oratorium. Daraus entwickelte sich bald eine besondere Wiener Spielart, das sogenannte Sepolcro. Diese Grabes-Musiken wurden in der Karwoche aufgeführt und betrachteten in einigermaßen theatralischen Inszenierungen die Kreuzigung und Grablegung Christi. Die Sänger agierten kostümiert vor einem Bühnenbild, das vor allem das Grab zeigte. Schauplatz der Sepolcro-Aufführungen war aber nicht etwa ein Theater, es waren die Privatkapellen von Kaiserin und Kaiser. Schon vor einigen Jahren ist der belgische Sänger, Instrumentalist und Ensembleleiter Nicolas Achten bei seinen Recherchen in der Wiener Nationalbibliothek auf das einzige überlieferte Sepolcro von Antonio Bertali gestoßen. "La Maddalena" wurde in der Karwoche 1663 in Wien uraufgeführt.

Antonio Bertali: Lagrimae amare, La terra s'inondi, aus: La Maddalena

Im ersten Teil von Bertalis Sepolcro "La Maddalena" treten zunächst zwei allegorische Figuren auf, um die beiden wesentlichen Eigenschaften vorzustellen, die Magdalena für die christliche Auslegung interessant machen, nämlich "Pentimento" – "die Reue" – und "Amor verso Dio" – die "Liebe zu Gott". Gerade wurden sie gesungen von dem Tenor Reinoud Van Mechelen und von dem Bass Sönke Tams Freier.
Erst im zweiten und dritten Teil tritt dann Magdalena auf. Und dazu gesellen sich Maria und zwei nicht näher benannte Sünder. Sie alle beklagen in tiefster Trauer den Tod Jesu und hoffen zugleich voller Zuversicht auf dessen Auferstehung.
Das Libretto zu Bertalis Sepolcro stammt von Antonio Draghi und bietet reichlich Gelegenheit zur Darstellung menschlicher Emotionen. Bertali greift das in seiner spannungsvollen Musik auf. Und in seiner Interpretation von Bertalis "Maddalena" stellt Nicolas Achten zusammen mit seinem Ensemble "Scherzi Musicali", das in diesem Jahr übrigens sein zehnjähriges Bestehen feiert, einmal mehr unter Beweis, welche beeindruckende Unmittelbarkeit die Musik des 17. Jahrhunderts haben kann, wenn man sie nur beim Wort nimmt. Ihre Text ausdeutenden und expressiven Qualitäten kommen bei "Scherzi Musicali" jedenfalls bestens zur Geltung. Bertalis "Maddalena" hat da Einiges zu bieten. Das Werk wartet nicht nur mit intensiven Solo-Partien auf, sondern auch mit erstaunlich vielen Ensemblesätzen. Dazu kommt eine ungewöhnlich farbige Instrumentierung mit bis zu fünf Gamben, zwei stillen Zinken und Violine. Achten ergänzt nach guter Wiener Tradition noch zwei Posauen und präsentiert außerdem eine erfreulich üppige Continuo-Besetzung. All das verleiht seiner Interpretation eine besondere Klangsinnlichkeit, unter anderem im Schlusssatz:

Antonio Bertali, Se nutri di speranza, aus: La Maddalena

Nicolas Achtens Interpretation von Antonio Bertalis Sepolcro "La Maddalena" ist eine wirklich lohnenswerte Entdeckung, präsentiert von einem homogenen, stilsicheren Sängerensemble, das die vielen Ausdrucksebenen in Bertalis Musik mit hörbarer Freude auskostet. Sehr gelungen wirft diese Ersteinspielung ein neues Licht auf Bertali, der auf dem CD-Markt und im Konzertleben bisher fast nur mit seinen Instrumentalwerken präsent ist. Außerdem gibt sie uns eine Ahnung davon, mit welcher Theatralik die Karwoche Mitte des 17. Jahrhunderts am Wiener Kaiserhof begangen wurde.
Da Bertalis Werk nicht CD-füllend ist, hat Achten einige reizvolle Werke ergänzt. Und er lädt damit nach Mantua ein. Dort stand Maria Magdalena schon 1617 im Mittelpunkt einer szenischen Aufführung, die damals nicht im kirchlichen Rahmen, sondern in einem weltlichen Zusammenhang stattfand. Und zu diesem Theaterstück gab es musikalische Einlagen, die von verschiedenen Komponisten stammen. Es sind madrigaleske Werke, die in einem eigenen Druck veröffentlicht wurden. Zu dem Komponistenkollektiv gehörte auch der ehemalige Hofkapellmeister von Mantua: Claudio Monteverdi. Er war damals zwar schon einige Jahre Kapellmeister in Venedig, aber für die Magdalena-Aufführung taucht Monteverdi in Mantua noch einmal an prominenter Stelle auf: Von ihm stammt der umfangreiche Prolog, in dem kein anderer als Cupido auftritt, der Gott der Liebe. Claudio Monteverdi: Prologo: Su le penne de' venti (Ausschnitt)
Dass der Belgier Nicolas Achten ein musikalischer Allrounder ist, hat er in den letzten Jahren immer wieder unter Beweis gestellt. Auch diesmal ist er nicht nur an Harfe, Laute und Cembalo zu hören, sondern – wie eben – außerdem als Sänger. Achtens neue CD zeigt zum einen sehr schön, welche Entwicklung die expressive Vokalmusik der Italiener in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts nimmt. Zum anderen beleuchtet sie facettenreich die Person der Maria Magdalena, als reuevolle und treue Anhängerin Jesu. Gelegentlich werden dabei aber auch die weiblichen Reize der Magdalena in den Blick genommen, die in dieser biblischen Figur ja oft mitschwingen. Ein spritziges Beispiel dafür liefert Salomone Rossi mit seinem Madrigal "Spazziam pront'ò vecchiarelle". Es ist ein musikalisches Kleinod, von denen diese durch und durch gelungen Produktion einige zu bieten hat.

Helga Heyder-Spth 25.03.2016
De geboorte van de opera
Eind zestiende eeuw legde een groep intellectuelen in de Italiaanse stad Florence de kiem voor een nieuw genre, dat het Griekse drama uit de oudheid in ere wilde herstellen. Toneel en muziek vloeiden daarbij ineen. De bespiegelingen en experimenten leidden uiteindelijk tot een nieuwe theatervorm: de opera. In de beginjaren kwamen de belangrijkste verhaallijnen uit de Griekse mythologie. En wie was een dankbaarder hoofdpersoon dan zanger Orpheus, die zo mooi kon zingen dat zelfs de stenen gingen huilen. Ook het drama dat hem omhulde leende zich uitstekend voor opera: hij verliest zijn geliefde Euridice aan de dood en daalt af in de onderwereld om haar terug te halen. Met zijn stem vermurwt hij de Goden. Hij mag haar meenemen, maar als hij onderweg naar boven omkijkt, verliest hij haar opnieuw. Omdat de vroege opera’s toch een ‘happy end’ moesten kennen – althans dat wilden de vorsten die zo’n werk bestelden – leidde die laatste wending nog wel eens tot een gekunstelde afloop. De Belg Nicolas Achten maakte met zijn ensemble Scherzi Musicali onder de titel Il Pianto d’Orfeo een prachtige staalkaart van de vroege opera’s over de Orpheus mythe. Voor wie wil weten waar de wieg van de opera stond, hoe mooi die als klonk in zijn kinderjaren, is dit een must. 24.10.2015
Scherzi Musicali - Les Muffati : deux ensembles virtuoses de musique ancienne
Ce fut une première. Le discret (et si chaleureux) Centre de Wallonie Bruxelles, antenne parisienne de la Belgique francophone, lové à l’ombre du Centre Georges Pompidou, alias Musée Beaubourg, dans l’étroite rue Quincampoix, organisait pour la première fois un petit festival musical, pour faire connaître en trois soirées les profils de la vie musicale belge (voir WT 4651 du 29 mai 2015).

Du 9 au 11 juin, trois soirées, trois thèmes. En apéritif les musiques d’aujourd’hui avec les oeuvres de quatre compositeurs belges (+ Debussy, en salut à la France !) par les chefs et interprètes du « Centre Henri Pousseur » de Liège et l’Ensemble « Sturm und Klang » En plat central : un panorama de classiques (Beethoven, Strauss, Britten, Mendelssohn, Webern, Dvorak) par les « Walnier et Gurning Duo » et le « Quatuor Alfama ».

En apothéose
En dessert enfin et en apothéose pourrait-on dire, deux échantillons virtuoses de la pratique des musiques anciennes dont les redécouvertes il y a une quarantaine d’années doivent beaucoup au noyau de musiciens belges réunis autour de Gustav Leonhardt et des frères Kuijken, bientôt suivis par une petite pléiade d’interprètes tels Philippe Herreweghe ou René Jacobs qui en ont poursuivi la renommée internationale. Voici donc deux de leurs descendants, deux ensembles férus des musiques médiévales, de la Renaissance et de l’ère baroque. Baroque ! Le mot mis à la mode a englouti à tort les désignations de ses prédécesseurs. Ici ils ont repris leurs droits.
Jouer sur instruments anciens (d’époque ou façonnés à l’ancienne par des facteurs luthiers d’aujourd’hui), un répertoire correspondant à leurs sonorités, telle est la bible des deux ensembles présentés en clôture de ce premier festival « BE » : les Scherzi Musicali et Les Muffati.

Notes, soupirs, beauté des Scherzi Musicali
Les premiers fondés par le baryton Nicolas Achten se sont déjà forgé une réputation largement hors frontières de leur petit pays. Au programme de la soirée, un « retour aux sources » avec le mythe d’Orphée revu et remis en musique non seulement par Monteverdi auquel on attribue un peu à la légère « l’invention » de l’opéra mais bon nombre de ses contemporains. Achten leur a extrait des morceaux choisis qui mis bout à bout reconstituent la saga du divin chanteur. Tout s’enchaîne : ses premières marques amours, la mort de sa bien-aimée Eurydice, la descente aux enfers, puis sa propre mort. Monteverdi (1567-1643, bien sûr est présent (avec entre autres son bouleversant Tu se’ morta) mais Luigi Rossi (1597-1653), Girolamo Kapsberger (1580-1651), Giulio Caccini (1551-1618), Jacopo Peri (1561-1633), Antonio Sartorio (1630-1680) apportent tour à tour leurs notes, leurs soupirs, leur beauté.

Etrange lirone
Nicolas Achten est Orphée, il chante debout en s’accompagnant d’un théorbe-chitarrone ou d’une guitare baroque. La voix est douce, un velours sur lequel glissent les mots finement articulés. Son Eurydice a le timbre clair de la soprano Deborah Cachet, fine, blonde, medium serein, aigus aériens. Les sept instrumentistes ont les parts belles. Lambert Colson manie en maître les cornets à bouquin, en courbe et en longueur, Simon Linné alterne, comme Nicolas Achten mais sans chanter, le théorbe et la guitare, François-Joubert Caillet fait bourdonner en douce sa viole de gambe tandis qu’Eriko Samba manie en parfaite justesse les accompagnements de ce rare et étrange instrument qu’est le lirone avec sa caisse arrondie et ses multiples cordes.

Bref, Orphée renaît et meurt en 50 minutes de bonheur.

Caroline Alexander 19.06.2015
Be classique, le rendez-vous de la musique classique belge francophone à Paris
Reportage réalisé les 9, 10 et 11 juillet 2015. Plus d’infos sur

Caroline Alexander 19.06.2015
Mosaïque d'Orphées: Dix compositeurs pour reconstituer l'éclosion de l'opéra
Les origines, l’apparition et l’évolution de l’opéra en Italie à la fin du XVIème siècle et au début du XVIIème, avec en 1607 la première à Mantoue de l’Orfeo de Monteverdi, précédée à Florence par les Euridice de Peri et de Caccini , marquent dans l’art des sons une révolution comme il y en eut peu. La musique devient traductrice des paroles, expression exacerbée des sentiments, en particulier du sentiment amoureux, et le chant soliste est considéré comme plus apte que la polyphonie à se marier aux vers. Rien d’étonnant à ce que dans ce contexte les compositeurs se soient attachés au mythe d’Orphée. Le présent CD nous le rappelle, intitulé « Il Pianto d’Orfeo (La plainte d’Orphée) ou La naissance de l’opéra ». Dix compositeurs, dont Monteverdi, Peri et Caccini, sont mis à contribution, la plupart plusieurs fois, en un programme centré, entre un prologue et un épilogue, sur l’amour d’Orphée et Eurydice, la mort d’Eurydice, les lamentations d’Orphée et l’amour excessif, cause de la perte de l’objet aimé. Les vingt-six morceaux, dont quelques-uns purement instrumentaux, se succèdent sans interruption, en des transitions subtiles donnant quelque peu l’illusion du théâtre, alors qu’on ne s’y trouve pas. Nicolas Achten se taille la part du lion, Deborah York est plus rare, et on admire aussi les interventions fréquentes du cornet. L’ensemble Scherzi Musicali forme d’un bout à l’autre un instrumentarium hautement coloré, et cette anthologie permet de belles découvertes, comme « La suave melodia » d’Andrea Falconieri ou « Muove Orfeo » de Stefano Landi.

Marc Vignal 10.05.2015
his intriguing CD takes the Orpheus legend as a springboard to explore the world of early opera. To a surprising extent the legend dominated the early years of opera, providing in its story a powerful message about the power of music, but also a hero who conveniently performs monophonically to his own instrumental accompaniment. What Nicholas Achten has done here is stitched together a fantasy opera in which numbers from a range of these early settings are placed in sequence to retell the story. At first I determined to listen to the sequence ‘blind’ to see whether the music by Monteverdi stood out from his contemporaries as many commentators suggest that it ought to. Of course this proved impossible to judge as I already knew the Monteverdi well, but to my mind much of the ‘supporting’ music by Rossi, Merula, Caccini, Cavalieri, Piccinini, Falconieri, Landi, Sartorio and of course Peri seemed highly effective and, in the hands of Scherzi Musicali, powerfully expressive.

The role of Orfeo is taken by the Nicholas Achten, whose light baritone voice seems constantly on the verge of ornamentation and is perfectly suited to the music – his account of the Monteverdi’s superlative aria Possente spirto is one of the finest I have heard. His Euridice, who in keeping with the earliest settings plays a much smaller role in the drama, is Deborah York whose soprano voice is also convincingly expressive. The accompanying consort of strings plus two cornetts and a range of continuo keyboards including harpsichord, organ and virginals occasionally joined by theorbo, guitar, harp and bass cittern provides highly charged textures to support the singers as well as performing purely instrumental items with considerable delicacy and passion. This CD is a true pleasure to listen to, and provides the very useful service of bringing several early operatic composers out of the textbooks and into the limelight, if perhaps in the context of a co-operative effort which few of them would have countenanced in life.

D. James Ross 22.02.2015
Il Pianto d'Orfeo: The Birth of Opera
Nicolas Achten has thoughtfully woven together extracts from various 17th-century music dramas on the myth of Orpheus, from the Florentine dawn of Peri and Caccini to the Venetian style of Sartorio 70 years later, via Monteverdi’s Mantuan masterpiece (1607) and Rossi’s opera for the French court (1648). The seamless narrative is organised into six subsections that follow the plot of the myth, connected together by instrumental pieces such as warmly played sinfonias by Rossi and music by Cavalieri. The sequence devoted to ‘The Loves of Orpheus and Eurydice’ presents a beguiling contrast of Orfeo and Euridice trading expressions of their profound love for each other: Monteverdi’s ‘Rosa del ciel’ (sung serenely by Achten) and Rossi’s seductive passacaglia ‘Mio ben, teco ’l tormento’ (sung exquisitely by Deborah York); it leads directly into a lightly sprung account of Monteverdi’s ‘Vi ricorda, o boschi ombrosi’.

The section entitled ‘Weep at my Lament’ is dominated by Caccini and Peri’s respective settings of Rinuccini’s verses ‘Funeste piagge’, although they are ultimately overshadowed by Achten’s pathos-laden rhetorical shaping of Monteverdi’s famous ‘Possente spirto’. Achten is a Renaissance musical polymath, directing the excellent band Scherzi Musicali from the theorbo, harp, harpsichord and bass cittern – as well as singing in the majority of items, and writing a thoroughly articulate and illuminating essay. However, this captivating experience is enriched by Deborah York’s five contributions, most notably Sartorio’s plangent lament for Euridice (‘Se desti pietà’).

David Vickers
Gramophone January 2015 01.01.2015
Il Pianto d’Orfeo or The birth of opera
De pogingen om rond 1600 het drama van de klassieke oudheid dichter te benaderen, waarbij de gedachte was dat zang een belangrijke component vormde, leidde tot de geboorte van een nieuw muzikaal genre: de opera.

Op deze inventief geprogrammeerde cd onderzoekt Nicolas Achten met zijn op replica’s van 17e-eeuwse instrumenten spelende ensemble Scherzi Musicali deze geboorte van de opera. Hij plaatst delen uit drie van de vroegste opera’s van Jacopo Peri, Giulio Caccini en (natuurlijk!) Claudio Monteverdi, alle over de mythische !guur Orpheus, naast elkaar, aangevuld met verwante 17e-eeuwse muziek, onder andere uit twee latere Orpheus-opera’s van Luigi Rossi en Antonio Sartorio.

Achten leidt het ensemble, maar neemt ook het leeuwendeel van de vocale stukken voor zijn rekening als Orpheus met een heldere, lichte bariton, ideaal voor deze muziek. In sopraan Deborah York, die de delen voor Euridice voor haar rekening neemt, vindt hij een ideale, lyrisch en elegant zingende partner. Prachtig hoe de afzonderlijke muziekstukken een organisch geheel lijken te vormen, maar hoe bij nadere beluistering ook de verschillende manieren hoorbaar worden waarop de individuele componisten omgaan met de relatie tussen woord en muziek. Een ideale combinatie: een interessant concept, gekoppeld aan pure schoonheid.

Benjamin Rous 01.12.2014
Il Pianto d’Orfeo or The Birth of Opera
De Brusselse zanger-dirigent Nicolas Achten (°1985) heeft zich met zijn ensemble Scherzi Musicali in geen tijd een eigen niche bij elkaar gespeeld in oude-muziekland. Dat deed hij met een sterk recept – op z’n Arpeggiata’s, maar met iets meer raffinement en minder gladde marketing en cross-over – en een paar steen goede cd’s (ik koester vooral Dulcis Amor Iesu, gewijd aan Giovanni Felice Sances). (…) De recentste cd van Scherzi Musicali, Il Pianto d’Orfeo, is dan ook niets minder dan een ‘signature disc’. Dramaturgisch gezien is het alvast één van de mooiste collecties Seicento-aria’s die ik ooit hoorde: in vijf thematische luiken spit Achten de Orpheus-mythe uit, met als rode draad de centrale aria’s uit Monteverdi’s Orfeo, aangevuld met materiaal van voorgangers Caccini en Peri en opvolgers Sartorio en Rossi. Ook de uitvoering is in diverse opzichten verrukkelijk, vooral in de instrumentale stukken.

Stefan Grondelaers
Staalkaart CD 01.11.2014
Scherzi Musicali-Konzert: Faszinierende Klänge, zum Weinen schön
Krefeld. Die Instrumentensammlung auf der Bühne bot schon den Blick in ein kleines Museum historischer Musikinstrumente. Viele Musikliebhaber ahnten das Erlebnis, und so war das Konzert von Scherz Musicali auf Burg Linn bereits Tage vorher ausverkauft. Dank Bayer Kultur konnten sechs Mitglieder des weit größeren Ensembles unter der Leitung von Nicolas Achten in den Rittersaal eingeladen werden. Zum Kammerorchester gehörten Nicolas Achten (Bariton, Harfe, Erzlaute), Déborah Cachet (Sopran), Dávid Szigetvári (Tenor), Justin Glaie (Viola da gamba, Lirone), Haru Kitamik (Cembalo, Orgel) und Solmund Hystabakk (Theorbe, Barockgitarre). Das Programm „Recitar cantando oder: Ziemlich beste Feinde. Musik aus Florenz und Rom um 1600“ lockte schon mit seinem Titel. Die Konkurrenz dreier Komponisten, die sich auf ihrem gemeinsamen Arbeitsplatz am Hofe des Großherzogs Ferdinando de‘ Medici in Florenz mit Intrigen das Leben schwer machten und trotz aller Rivalitäten noch Musikgeschichte schrieben, zog sich als klingender „roter Faden“ durch das Konzert. Diese drei Kontrahenten der frühen italienischen Barockmusik sind Giulio Caccini, Emilio de‘ Cavalieri und Jacopo Peri. Ihr Arbeitgeber Großherzog Ferdinando verlangte von ihnen die musikalische Gestaltung wichtiger Ereignisse, wie zum Beispiel seiner Hochzeit mit Christine von Lothringen. Zu diesem Anlass im Jahr 1589 entstand in erzwungener Teamarbeit die Komödie „La Pellegrina“. Sänger begleitet sich auf einem Instrument selbst Musikalische Avantgarde in jenen Tagen war die Wiederentdeckung der antiken Vortragsweise, bei der sich ein Sänger selber auf einem Instrument begleitet. Achten, der auch als der „belgische Orpheus“ bezeichnet wird, faszinierte sogleich mit dieser Vielseitigkeit, aber auch die beiden „reinen“ Gesangssolisten verzauberten und entführten das Publikum in die Klangwelt Italiens um 1600. Ergreifende Momente im Rittersaal, faszinierende Klänge, zum Weinen schön – die häufige Verwendung von „lacrima“, in der an Tränen reichen Geschichte von Orpheus und Eurydike, konnte dazu schon anregen – profan ausgedrückt: Das war die Serenade des Jahres auf Burg Linn.

Gabriele M. Knoll
How Pleasant 'tis to Love!
Nicolas Achten et Scherzi Musicali présentent ici un programme de songs d'Henry Purcell pour deux voix d'homme, baryton et ténor (Reinoud Van Mechelen) accompagnés par un instrumentarium choisi. Ainsi à la place des habituels virginal et luth, trouvons-nous une harpe triple, un théorbe anglais et une guitare baroque. Cet ensemble à cordes procure un écrin velouté aux voix des chanteurs. Quelques pièces instrumentales viennent compléter ce récital, offrant aux flûtes à bec une visibilité bienvenue. Un Purcell inouï mais dans le meilleur sens du terme. AG Musiciens belges
How Pleasant 'tis to Love!
Sólo algunas pocas grabaciones dedicadas a Henry Purcell han conseguido realmente capturar en toda su riqueza la diversidad de matices instrumentales propias de finales del s. XVII. En este registro de Alpha piezas célebres de Purcell cobran un colorido totalmente inesperado y novedoso, toda vez que sirven para realzar la teatralidad de los aires vocales.

La recepción moderna de la música de Henry Purcell ha encumbrado en particular las obras de gran formato: Dido & Aeneas, por encima de todas, pero también las grandes semi-óperas, un puñado de odas y unas pocas composiciones sacras. Sin embargo, Purcell tiene otra faceta más desconocida, pero de idéntica calidad, constituida por las obras de pequeño formato, en particular las canciones. En ellas el compositor da rienda suelta a su vena más expresiva, delicada y melancólica. Con una economía de medios increíble, logra penetrar en el alma –del texto y del oyente– con una intensidad que muy pocos han logrado antes y después de él. Naturalmente, excluimos de este elenco los procaces catches y demás canciones tabernarias, que pertenecen a otro universo, tan brillante y purcelliano como el que ahora nos interesa, pero, en todo caso, distinto. La fama póstuma de Purcell debe mucho a su viuda, Frances, quien dio a la imprenta los dos volúmenes titulados Orpheus Britannicus (1698 y 1702), una colección de canciones con bajo continuo y, en ocasiones, con partes instrumentales, que comprende no sólo canciones autónomas, sino también extraídas de sus obras dramáticas. Esta publicación constituye el principal alimento musical de la deliciosa grabación que hoy presento. Así, junto a piezas procedentes de The Fairy Queen –el maravilloso Plaint–, The Indian Queen u odas bien famosas, se encuentran canciones tan bellas y conocidas como O Solitude!, Musick for a While o An Evening Hymn, muchas de las cuales, como es bien sabido, están basadas en un bajo ostinato, lo que las hace más atractivas si cabe. Uno de los propósitos que anima a los integrantes del ensemble belga Scherzi Musicali es dotar a esta música de un acompañamiento instrumental lo más cercano posible al mundo organológico de la Inglaterra de Purcell, si bien con las limitaciones propias del ámbito doméstico. Así, junto a dos flautas dulces para las líneas melódicas, se emplean como instrumentos del bajo continuo el arpa, virginal, viola da gamba, tiorba inglesa –menos voluminosa, en ambos sentidos, que la italiana– y guitarra. Este instrumentario proporciona una sonoridad y textura bellas y suntuosas, sin perder, empero, el carácter íntimo de la interpretación. La calidad de los intérpretes está fuera de toda discusión, a nivel técnico y estilístico (se zambullen sin complejos y con pleno convencimiento y justificación en el universo francés, así en los adornos como en la desigualdad de las notas). Sin embargo, con ser importante, esto no es lo que convierte al disco en algo único y excepcional. Es el nivel artístico, la total asimilación de e identificación con estas maravillosas canciones lo que, unido a un ambiente único, de intimidad, de unción, lleno de amor, delicadeza, melancolía y ternura, convierte la escucha de la grabación en una inolvidable experiencia tanto artística como espiritual. Jamás, por ejemplo, se ha escuchado con tan irresistible belleza An Evening Hymn, con que concluye el disco. Se trata de una adquisición obligada para todo melómano con algo de gusto y sensibilidad.

Javier Sarra Pueyo 27.09.2013
Scherzi Musicali: La lyre d'Orphée
Après plusieurs enregistrements consacrés au répertoire baroque italien, c'est avec un programme anglais que nous reviennent les Scherzi Musicali et leur talentueux jeune chef, Nicolas Achten.
Eux qui nous ont permis de redécouvrir tout un pan du répertoire baroque italien, tel l'Euridice de Giulio Caccini chez Ricercar ou la Catena d'Adone de Domenico Mazzocchi chez Alpha, prennent le risque de nous proposer aujourd'hui un programme ayant fait l'objet de très nombreux enregistrements, les songs d'Henry Purcell.

Les airs chantés sont donc pour l'essentiel tirés des deux volumes de l'Orpheus Britannicus. Ces albums posthumes furent publiées peu de temps après la mort du compositeur par sa veuve. Extraits de sa musique de théâtre (Fairy Queen, King Arthur, Indian Queen, Oedipus, Bonduca, The Tempest,...), elle se prête ici à une version intimiste, où les voix murmurent accompagnés d'instruments. La musique devient ainsi une conversation sensible, diaphane, actrice à part entière, où "la flûte amoureuse et la douce guitare" sont un coeur qui bat et une âme qui s'épanche.
Pour se démarquer de versions dont certaines font références auprès de tous les amateurs d'opéra et partager avec leur public "notre amour de la musique", Nicolas Achten, joue sur deux aspects. Les voix tout d'abord. Il renonce aux contre ténors qui depuis Alfred Deller en ont fait leur coeur de répertoire, mais également aux voix féminines que l'on peut avoir l'habitude d'entendre, en particulier, dans "Let me weep".
C'est en compagnie du Ténor Reinoud Van Mechelen, que le jeune chef/théorbiste belge, lui - même baryton, interprète ces airs du plus célèbre compositeur anglais, Henry Purcell. Parce qu'il est musicien tout autant que chanteur, il peut ainsi également se démarquer des versions précédentes des songs, par un choix soigné d'un instrumentarium d'une grande diversité. S'appuyant tout aussi bien sur certains textes chantés qui célèbrent la musique, tel "Strike the viol, touch the Lute" ou sur "In vain the am'rous Flute", que sur les notes figurant sur le recueil de l'Orpheus Britannicus et sur les écrits du musicologue Tom Mace, Nicolas Achten, nous propose ici une version très personnelle des songs. Entrelacants les couleurs vocales et instrumentales, pour mieux saisir les reflets et les ombres, il nous invite à oublier le réel, pour mieux se laisser séduire par l'onirisme de l'univers de Purcell.

Le résultat de cet enregistrement possède un charme indéniable. Ici tout semble couler de source et l'on se laisse envoûter par la beauté sonore d'un univers tout à la fois tendre et féerique, nimbé d'une douce mélancolie, mais où certains pourront toutefois regretter cette absence de voix aiguës. Si le timbre sombre de Nicolas Achten peut surprendre, la souplesse vocale et une diction soignée, nous permettent de découvrir dans la douce pénombre, cet art unique de transformer le chagrin en un instant de sérénité et d'apaisement. "O Solitude", qui se poursuit d'ailleurs par une Allemande au Virginal, est ainsi une grande réussite. Instant de grâce infini, où les larmes qui s'écoulent s'échappent par des notes cristallines. Quant au jeune ténor/haute-contre Reinoud Van Mechelen (que nous venons d'entendre dans les Indes Galantes au Festival de la Chabotterie), il nous enchante tant par son timbre solaire, que par sa diction soignée. Il nous donne à ressentir des sentiments à fleur de peau. Son interprétation tout en nuances élégantes fait de chaque air une pièce de théâtre, où l'amour et la vie se jouent pour le plaisir.
Les instruments parfaitement choisis, nous révèlent cette beauté unique de ces instants d'éternité aux parfums subtiles. Les couleurs des flûtes, théorbe, guitare baroque, harpe triple et virginal participent à ce sentiment de tendres échanges, dont l'amertume n'est certes pas absente, mais où en une pirouette l'acteur/chanteur/musicien retourne la douleur des passions, en un bonheur idyllique, où les "tristes sentiments" n'existent que pour mieux séduire l'objet de ses tourments.

Un CD que je ne peux que vous recommander, tant son charme est un plaisir. Le livret écrit par Nicolas Achten vous permettra de mieux percevoir sa démarche artistique. Quant à la prise de son naturelle et équilibrée, elle donne à chacun sa place, dans une représentation intimiste du théâtre des soupirs.

Monique Parmentier
How Pleasant 'tis to Love! de Purcell
Chaque semaine, nous mettons l'accent sur un type de musique méconnu qui sera fêté durant la semaine dans un des festivals belges. L'occasion idéale de vous inciter à fréquenter des sentiers nouveaux de la musique.
Pour les Anglais, "Song" c'est une chanson. Chez Purcell, on a souvent tendance à restreindre son exécution à une voix de haute-contre accompagnée par un luth ou un clavecin. Un comble quand la pratique anglaise de la musique sous Charles II fait montre au contraire d'une grande variété!
A côté des flûtes à bec de divers types, on retrouve en effet un théorbe anglais avec la belle rondeur de ses basses, les violes (et notamment la "lyra-viole" qui permet de créer son propre dialogue polyphonique), la guitare dont l'utilisation s'émancipe de la seule battue rythmique ou la harpe triple qui deviendra même l'emblème du pays de Galles.
C'est dire si la musique chantée de Purcell, et en particulier ses "Songs", composés pour le théâtre, pouvaient bénéficier d'une large palette d'accompagnements.
C'est ce plaisir du moment qu'a voulu retrouver Nicolas Achten avec ses "Scherzi Musicali". Dans le même esprit comme l'explique Nicolas Achten: "Bien qu'au cours des dernières décennies, l'écriture subtile et raffinée de Purcell ait connu plus de succès auprès des voix aiguës jusqu'à devenir le bastion des contre-ténors, nous avons opté pour un dialogue peu habituel entre baryton et ténor." Avec pour résultat qu'au timbre chaud et fort de Nicolas Achten répond l'aigu suave et velouté de la voix de ténor de Reinoud Van Mechelen.
Le résultat est d'une rare séduction alliant la tendresse et la dimension intemporelle de O Solitude ou du fameux Music for a while à des pages moins connues dont certaines étaient destinées à des personnages de femmes.

Serge Martin (Le Soir)
Hedendaagse Purcellkampioenen als Andreas Scholl en Carolyn Sampson produceren graag een laserstraalgeluid. Alsof ze het notenpapier willen schroeien, zo geconcentreerd komen de klanken uit hun keel.

De jonge Belg Nicolas Achten pakt het anders aan. Deze moderne Orpheus, die tokkelen en zingen combineert, benadert 17de-eeuwse hits als Musick for a While en O Solitude eerder als een singer-songwriter. Losjes, improviserend, niet gepolitoerd.

Achten denkt eerder vanuit de tekst dan vanuit de keel. Purcell krijgt een naturel dat bij gearriveerde artiesten allang is weggepoetst. In de kussens hangen, slok erbij, loungen - die sfeer. Zo bezien is Achtens Purcell volmaakt bij de tijd.

Guido van Oorschot
How Pleasant 'tis to Love! Multitalent
Bereits mit Anfang 20 gründete Nicolas Achten sein Ensemble Scherzi Musicali mit dem er sogleich bei den renommierten Labels Ricercar und später bei Alpha vielbeachtete und herausragend rezensierte Aufnahmen vorlegte. Als zweite Produktion für ALPHA stellt er diesen Monat Lieder von Henry Purcell vor. Auch hier beweist der junge Belgier erneut sein einzigartiges Multitalent als Ensembleleiter, Sänger, Cembalist und Harfenist. Anmerkungen:S
Scherzi Musicali - How pleasant 'tis to Love!
Een opmerkelijke plaat. Want hiermee neemt Nicolas Achten bij wijze van spreken afscheid van zijn jeugd. Al is hij nog slechts zesentwintig jaar. Maar blijkbaar kan een mens niet eeuwig het wonderkind blijven. Met deze Purcell-plaat treedt hij in het strijdperk met de groten.

Dit repertoire werd al vaak opgenomen. Het zijn songs van Purcell, voor solo- of duozangers. Niet als contratenor, zoals meestal (Alfred Deller, René Jacobs) maar als tenor (een voortreffelijke Reinoud van Mechelen) en als bariton (Nicolas Achten zelf). Met op het repertoire regelrechte hits als ‘Sound the trumpet’, ‘Musick for a while’, ‘Sweeter than roses’ en ga zo maar voort. Vroeger groef Achten in het onontgonnen repertoire. Hij grossierde in premières. Nu graaft hij dus in het bekende repertoire.

Deze cd heeft toch twee argumenten voor aandacht. Het eerste is toch nog een musicologisch argument of liever een organologisch wegens de justesse waarmee de instrumenten gekozen zijn. De instrumenten kunnen zo toen geklonken hebben in de tijd van Purcell in de Londense burgerwoningen.

Het andere argument, meer hoorbaar is het onversneden musiceerplezier en de inleving in de soms sombere wereld van de melancholie die toen heerste.

De cd is opgevat als een recital. Nummers werden samen gezocht, de luisterar krijgt een gevarieerd muziekbeeld aangeboden, met uiteraard afwisseling van gezongen en gespeeld. Op die manier kunnen we ons even terug in de tijd wanen. Musicologisch verantwoord. Maar ondanks dat, wel plezierig om mee te maken.

Lucas Huybrechts
Purcell: How pleasant 'tis to Love!
Classical musicians who break into the market as "promising young newcomers" really don't have very many options. Either they ripple along until their late thirties as "upcoming talent", after which they are replaced by new and younger musicians, or they confirm their skills and become references in the field. With his fourth CD, the Brusses-based baritone and theory, lute, and harpsichord player, and conductor and teacher at the Royal Conservatory; Nicolas Achten (1985), seems to have cemented his enormous talent.
Before Achten established Scherzi Musicali, he toured around the world with famous, venerable music ensembles such as l'Arpeggiata, Les Talens Lyriques, and the Akademie für Alte Musik Berlin — a formidable learning experience. Three years ago, the assembled Belgian musical press proclaimed him Young Musician of the Year. And as the icing on the cake, legendary soprano Emma Kirkby described Achten as "the greatest talent she had ever met."
This new Purcell CD is a rare gem, which glitters thanks to its vibrant contrasts, bursting spontaneity, and delicate continuo. Achten starts from the vocal aspect of baroque music, though he situates Purcell's music in the broader context of 17th-century musical movements with, for example, thoughtful instrumental selections. With Achten's natural sense of structure, rhetoric, and drama, this selection of Purcell's vocal work — including a number of smash hits, but also lesser-known works — sounds completely new, with a lot of color and texture. A bright future awaits.

(RD) - Agenda

Agenda 08.05.2013
La Catena d'Adone, Favola boschereccia
Claudio Monteverdi's L'Orfeo is generally considered the first real opera in music history. It was the first in what would become a long and rich tradition which is still alive. It was not long before operas were being performed in various towns and courts across Italy. Rome wasn't one of them, though. Here the first opera was performed as late as 1626. It was composed by Domenico Mazzocchi, and entitled La Catena d'Adone (The chain of Adonis). The story is about the enchantress Falsirena who has fallen in love with Adonis. When he resists her approaches she binds him with an invisible magic chain. She then finds out that he is in love with Venus. She decides to trick him by taking on the appearance of Venus. She fails when Venus herself turns up and sets Adonis free. Venus orders her son Cupid (Amore) to bind Falsirena with the chain she had used for Adonis.

It was largely due to the negative attitude of the ecclesiastical authorities that the opera genre was only slowly embraced. Sometimes the honour of being the first opera is given to La Rappresentazione di Anima, et di Corpo by Emilio de' Cavalieri which was performed in Rome in 1600. This piece was a morality play: man is tempted to look for happiness in earthly things, but characters around him try to make him realise that true happiness can only be found in eternal life. Interestingly, La Catena d'Adone links up with this moral tenor of De' Cavalieri's 'opera'. It is an allegory: the moral message is not included in the opera itself - as in La Rappresentazione - but is explained in an addition to the score. Falsirena is a symbol for the human soul whose reason can easily be overcome by sense. Adonis symbolises man who, far from God, makes many mistakes. Only when God intervenes does the human soul return to the path of celestial pleasures. The moral tenor can be explained from the fact that it was commissioned by Giovanni Giorgio Aldobrandini, the brother of Cardinal Ippolito Aldrobrandini, whose service Mazzocchi had entered, probably in 1621. There are reasons to believe, though, that the Cardinal himself was the man who was really responsible for the commission.

At the time Mazzocchi was a highly respected composer. He was born in Civita Castellana where he studied at the seminary. He took lower orders in 1606 and was ordained priest in 1619. In 1614 he had settled in Rome where he obtained the right of citizenship. At the same time his brother Virgilio worked in Rome as a composer of sacred and secular vocal music. In several ways their careers were intertwined.

La Catena d'Adone is in a prologue and five acts. Every act ends with a chorus of nymphs and shepherds. There are no instrumental movements; in this performance the prologue and acts 2 to 5 begin with a Sinfonia by Giovanni Girolamo Kapsberger, one of the most celebrated theorbo players of that time in Rome. The Sinfonias are taken from his only collection of instrumental music for other instruments than his own, the Libro I di sinfonie a 4 of 1615. The only instrumental passages in the opera itself are some ritornelli. A variety of basso continuo instruments has been brought together and these are allocated to the various protagonists according to their character. Apart from common instruments like the theorbo, the archlute, the harp, harpsichord and organ a brass-strung harpsichord is used as well as a spinettina and tiorbino, the latter being higher-pitched variants of the better-known spinet and theorbo respectively. The lirone was also often used at the time, which is especially suited for laments and passages of sadness.

The opera almost exclusively consists of recitatives, and reflects the ideal of recitar cantando, speechlike singing. There are some passages of a more lyrical character, though, pointing in the direction of what was to become the aria. It is not only the declamatory character of the music which allows the protagonists to express their feelings, Mazzocchi also makes use of daring harmony, uncommon intervals and chromaticism to make the various affetti come across.

Among the dramatic highlights is the confrontation between Falsirena and Adonis in Act 3. In Act 4 it is the moment when the enchantress vividly expresses her rage when she finds out that Venus is the lover of Adonis. Act 5 begins with a moment of great expression, when Adonis sings a lament about his fate: under the spell of Falsirena and far away from his lover Venus. These moments come off brilliantly in the interpretations of the two main singers. Luciana Mancini gives an outstanding rendition of the role of Falsirena. Every aspect of the text is brought out, and she completely masters the art of recitar cantando. Reinoud Van Mechelen is excellent in his portrayal of Adonis, and the performance of the lament at the beginning of Act 5 is very moving. The other singers are no less impressive, especially Marie de Roy in the important role of Idonia and Olivier Berten as Oraspe. Nicolas Achten sings Arsete well, but in the small role of Pluto I would have preferred a real bass instead of Achten's light baritone. The playing of the instrumentalists is of the highest order, and they eloquently underline the emotional and dramatic keypoints in the opera.

The booklets of this label always look nice. This one is a little sloppy: Arsete is printed as Areste in the track-list and on the back of the case. There are several printing errors, and the English translation of Achten's (excellent) liner-notes should have been edited more carefully. The booklet includes French and English translations of the libretto, but unfortunately these are not fully synchronized. As a result often the Italian text is at the top of one page and the English translation at the bottom. That makes it hard to follow the original and the translation simultaneously, which is especially important to an understanding of the connection between text and music. This layout is not very user-friendly.

That said, this is a very important production. It is important from a historical perspective as it brings to us the first opera ever performed in Rome. Musically it is impressive because of the high quality of Mazzocchi's music which testifies to his stature as one of the most important composers of his time. Last but not least the standard of the performances is very high, without any real weak moments. If you like 17th-century operas, don't miss this one. It will be a jewel in your collection.

Johan van Veen 12.07.2012
Une fois de plus, Alpha présente une oeuvre inédite et de haute volée : la « favola » Catena d'Adone (1626) de Domenico Mazzochi ; né près de Rome en 1592 et mort dans la même ville le 21 janvier 1665. Elève de Nanino, il compose en dilettante (!) pour des familles romaines et non des moindres : les Aldobrandini, les Farnèse ou les Borghesi. Sa fable pastorale La Catena d'Adone n'en fut pas moins créée à Venise en 1626 sur un livret d'Ottavio Tronsarelli d'après un épisode de l'Adone de Gianbatista Marino : On le voit à ces données, Mazzochi est, tout à la fois, un musicien, un littéraire, un érudit. Et cela se ressent, s'entend parfaitement dans sa partita de la Catena d'Adone. En s'éloignant de la rhétorique en honneur à Florence, de la fameuse « Camerata Bardi », il donne à sa partition, une vie, une force qui nous émeut encore aujourd'hui. Ses récitatifs ne distillent qu'émotion et curiosité car entremêlés de morceaux symphoniques, d'airs, de ces « mezz'arie » qui ouvraient grandement les portes de l'opéra naissant. D'où cette « emprise » du texte avec ses oxymores à la mode, et de la musique dans ce jalon exemplaire de l'histoire opératique.

Résurrection exceptionnelle donc, car les disques de Mazzochi n'encombrent point nos rayons. Exceptionnelle d'ailleurs à plusieurs titres. Pour pallier les « ouvertures » des différents actes, Nicolas Achten a eu l'heureuse idée de puiser dans les brèves Sinfonie de Kapsberger quasi contemporaines puisque né ( en Allemagne) en 1575 mais mort à Rome vers 1650 et qui, virtuose du théorbe et du chitarrone connut très certainement de près l'auteur de la présente favola. Dans son commentaire, Nicolas Achten a parfaitement raison de déclarer l’oeuvre « saisissante , tant par la qualité de la musique que par la richesse du livret ». Car la double, voire triple personnalité, définie plus haut, de Mazzochi se reflète en effet d'un bout à l'autre de la partition. Certes les gens pressés d'aujourd'hui, peuvent trouver le discours un peu lent ; c'est qu'il s'adresse en fait aux « Happy few » chers à Stendhal, à ceux qui savent savourer les beautés - quelles qu'elles soient et de quelque époque qu' elles relèvent. Beauté d'abord par la qualité générale de la production : ses sonorités rares, du cornet à bouquin, de la viole de gambe ou du lirone, de la guitare baroque, du théorbe ou du tiorbino (sorte de chitarrone), ses métamorphose permanentes de formes. Ensuite par l'engagement, la sensibilité et le sens de la rhétorique des interprètes dont les couleurs vocales juvéniles, bien assorties, font supporter ici ou là des détimbrages intempestifs ou l' abus de sons droits et … les limites du chef qui tient les trois rôles d'Areste, de Plutone et Pastore. Mention toute spéciale pour l'Adonis sensible et lumineux incarné par le ténor Reinoud Van Mechelen. La typographie aurait gagné à faire coïncider plus exactement les textes chantés en italien et leur traduction française.

Voici donc une grande réalisation. Qui fait honneur à la musique, à ceux qui l'ont portée à bout de bras et à un éditeur aussi avisé que courageux.

Bndicte Palaux Simonnet 25.05.2012
La Catena d'Adone - IRR Outstanding
Judging from the many fascinating reviews I read in IRR, lovers of nineteenth-century operas are very well served by recorded and live productions. Yes, conductors can make questionable decisions or not get fully to grips with the score; stage directors often think they are more important than the composer; and singers sometimes fall short of the dramatic or vocal challenges of their roles. Compared with the situation with seventeenth-century opera productions, however, these are but trifling annoyances. In the world of early Baroque music drama, it is scarcely an exaggeration to say most things are wrong most of the time. Many productions cannot even get the basics right: Monteverdi's orfeo is sung by a baritone rather than a tenor, deliberately lean scores are thickened with anachronistic orchestration, singers are cast who do not have even the rudiments of historical vocal techniques, directors decide to insert jazz or ethnic music influences; and all the while pretentious dramaturges stalk this territory with even less restraint than in the Romantic repertory.

Monteverdi's three surviving operas have now each been recorded many times, yet there is not a single recording that is both historically accurate and musically satisfying throughout. In fact, the only early opera recording by any composer of which I am aware that does not have some serious flaw is Caccini's Euridice on the Ricercar label. It was produced by the young Belgian ensemble Scherzi Musicali led by Nicolas Achten, which with this new recording has doubled the number of really satisfying productions of early Baroque operas. (I am told there is an outstanding recording of Peri's Euridice by the Warsaw Chamber Opera on the Pro Musica Camerata label – PMC028/029).

La catena d'Adone was produced in Rome in 1626 and was almost certainly the first true opera seen there. The composer was Domenico Mazzocchi, brother of another composer, Virgilio, who was a very important figure in Roman musical life. Domenico was a priest, a lawyer, a man of letters and an expert in Etruscan archeology. In these various roles he worked in the highest circles of the Roman ecclesiastical and intellectual aristocracy. His opera is entirely in the tradition of the late sixteenth-century Camerata, whose study of ancient Greek drama led to the creation of a style of monody accompanied by a basso continuo, which is most familiar today from Monteverdi's Orfeo. Rome adopted the new art form slightly later than cities such as Mantua and Florence and, perhaps unsurprisingly, it being the centre of Christianity, the pagan and rather erotic story of Adonis, Venus and the enchantress Falsirena is followed in the printed score by a moralizing postscript; The opera, which was Mazzocchi's only work in the genre, was very successful and obviously very well performed. The part of Falsirena was sung by an experienced castrato who had formerly worked with Caccini's composer daughter, Francesca. Adonis was sung by a 22-years-old high tenor called Lorenzo Sances, who was the brother of the now quite well-known composer Giovanni Felice Sances, whose music Scherzi Musicali has also explored on disc.

Mazzocchi's music is strongly in the Florentine style of recitar cantando (sung speech). While there are no true arias in the later sense, the recitative, which is light, harmonically inventive and rhetorically rich, is sometimes interrupted by small mezz'arie, instrumental ritornellos and choruses. There is also a fine example of a device much loved in the early Baroque: an echo scene. The affects of the text and the often strong emotions of the characters are beautifully realized in Mazzocchi's score. All that has been added by Achten are some small instrumental sinfonias by Kapsberger to introduce each of the five acts. Scherzi Musicali uses a wide variety of different continuo instruments to accompany the various characters in the drama the better to reflect their personalities. Thus a harp depicts the femininity and magic of Falsirena; a bass-strung harpsichord supports the courageous Adonis, while Cupid sings with high-pitched spinettina and tiorbina (small spinet and theorbo) and so on. In total, 18 different instruments are played by the eight musicians. The very talented Achten alone plays archlute, triple harp, harpsichord and spinetta, as well as singing three different parts in the opera. Unlike many productions of early Baroque operas, the preponderance of instruments is in the continuo band, not in an anachronistically large band of melody instruments. Here the melody instruments are only a pair of violins and a cornet alternating with a recorder.

Most important of all are the equality and consistency of the voice. Recordings of Monteverdi operas and those of his contemporaries nearly always inexplicably cast singers who are expert in the recitar cantando style alongside others who belt out the music as if in Bayreuth or whose attempts at early Baroque ornaments are swamped amidst their vibrato. Every one of Scherzi Musicali's singers has a pure, expressive and agile voice and complete mastery of Mazzocchi's sometimes highly florid style. The result is a musical drama that is more gripping and moving than the frankly silly story (albeit st to high-quality verse) would lead one to expect. In the title role of Adonis, the high tenor Belgian singer Reinoud Van Mechelen, whom I recently singled out for praise in a recording of Fiocco motets (February 2012), confirms his status as a leading Early Baroque tenor of the new generation – in the tradition of Guy de Mey and Jan Van Elsacker.

As always with Alpha's productions, the recorded sound is first-rate and the documentation is comprehensive. Mary Pardoe's English translation of the libretto is both elegant and idiomatic. Now that Scherzi Musicali has made the best two recordings of early Baroque operas, I propose for it following three-word project plan: Orfeo, Ulisse, Poppea.

Andrew O'Connor
International Record Review 15.05.2012
Aimez-vous Mazzocchi
Il y a bien sûr du ménestrel et de l’homme orchestre chez Nicolas Achten ; encore faut-il le voir à l’oeuvre pour prendre vraiment la mesure de ses dons. Le baryton, qui joue aussi de la harpe mais cède en l’occurrence la place à l’excellente Sarah Ridy, s’accompagne au luth dans un lamento de Stefano Landi avant de toucher le virginal pour une toccata de Rossi, puis de joindre sa voix à celles des chantres de l’ensemble Scherzi Musicali pour exalter l’altière beauté de Domenico Mazzocchi. Actualité oblige, le compositeur romain se trouve au coeur d’une tournée qui emmène ces amoureux du Seicento sur les routes de Flandre et des Pays-Bas, avec un détour par Bruxelles, samedi dernier, et, n’en doutons pas, une apothéose dans le Loiret le 20 mai prochain (Amilly).

Après avoir gravé l’Euridice de Caccini, inédite en CD, des motets de Sances et d’autres de Fiocco, Scherzi Musicali a signé chez Alpha qui vient de publier en première mondiale l’enregistrement de La Catena d’Adone. René Jacobs avait programmé cet ouvrage, considéré comme le premier opéra romain, au festival d’Innsbruck en 1999. Une mise en scène est-elle pour autant indispensable, comme l’évoquait récemment Maximilien Hondermarck, afin de stimuler l’oeil et, à travers lui, l’esprit ? Dans les fragments proposés, comme d’ailleurs dans les extraits des Musiche sacre e morali (1640), Nicolas Achten et Reinoud Van Mechelen, splendide ténor haute-contre, démontrent que le verbe n’a nul besoin d’image ni de geste pour s’incarner quand les artistes en sont pénétrés. En revanche, ces derniers ont peut-être besoin des circonstances du live, de sa prise de risques, de la présence du public pour être touchés par cette grâce fugitive qui tend à disparaître devant les micros...

Sans être aussi extravagant ni radical que Gesualdo ou Michelangelo Rossi, Mazzocchi illustre, à sa manière, l’audace qui saisit dans les premières décennies du dix-septième siècle les aventuriers du « je » poétique et dramatique, affranchis de l’abstraction polyphonique. Il va sans dire qu’il mériterait largement de quitter l’ombre imposante de Carissimi. Domenico Mazzocchi (à ne pas confondre avec son cadet, Virgilio, co-auteur de l’opéra bouffe L’Egisto remonté par Jérôme Corréas la saison dernière) développe un langage harmonique très personnel, affectionne les chromatismes et explore la microtonalité pour mieux épouser la diversité des affects que le soprano charnu, mais aussi éclatant de Marie de Roy, plutôt inhabituel dans ce répertoire, peine quelquefois à restituer ( « Lagrime amare »). Dans ces pages exigeantes, Jill Feldman et Maria-Cristina Kiehr demeurent inégalées.

Les partitions du Romain présentent également des indications de tempo et de nuances dynamiques, une pratique inhabituelle à l’époque et qui nous montre que le compositeur se faisait une idée très précise de la manière dont sa musique doit être interprétée. Nicolas Achten également, qui excelle en particulier dans le pathétique (« Padre del Ciel ») et se révéle plus sensible, plus habité que ses partenaires. La richesse des accents, le choix des ornements trahissent un raffinement de tous les instants, parfois presque maniériste que peu de chanteurs possèdent à un tel degré. C’est une personnalité avec laquelle il va falloir compter et qui n’a pas fini de nous surprendre !

BS 11.05.2012
Frühe römische Oper
Das Ensemble Scherzi Musicali führt mit Domenico Mazzocchis 'La Catena d'Adone' eine frühe römische Oper auf und weiß mit hinreißender Musikalität zu begeistern.

Die Oper 'La Catena d‘Adone' (1626) ist eine musikhistorische Rarität. Als eins der ersten Werke seiner Gattung, die in Rom komponiert und aufgeführt wurden, stellte die Oper damals eine absolute Sensation dar. Das Musikleben der Stadt wurde nämlich bis dahin von der Kirchenmusik dominiert, weshalb nur wenige weltliche Werke zur Aufführung kamen. Umso erstaunter dürfte das damalige Publikum im Palazzo Conti gewesen sein, als es eine opulente Verwicklungsgeschichte um Venus und Adonis zu sehen bekam, an deren Schluss die liebesverrückte Zaubrerin Falsirena zur Bändigung ihrer Leidenschaften an einen Felsen gefesselt wird.

Komponist der amourösen Liebeswirren war der Sekretär von Kardinal Aldobrandini, Domenico Mazzocchi (1592–1665). Er war ein höchst gebildeter Mann, der neben seiner Hauptaufgabe als Jurist ausgeprägte musikalische Interessen hatte und auch als Historiker reüssierte. So beschäftigte er sich auch als Archäologe und setzte sich für die Ausgrabung etruskischer Dörfer in seiner Heimatstadt Civita Catellana ein. Die Grundlagen der Musiktheorie bekam Mazzocchi wohl während seiner Priesterausbildung vermittelt, doch ist ansonsten nichts über seine musikalische Ausbildung bekannt. Mazzocchis Bruder Virgilio war als maestro di capella am Petersdom einer der einflussreichsten Kirchenmusiker Roms und leitete die Capella Giulia in der Sixtinischen Kapelle.

Den Anstoß zur Komposition der Oper 'La Catena d‘Adone' erhielt Domenico Mazzocchi wohl von seinem Dienstherren Kardinal Aldobrandini, der ein Mäzen des neapolitanischen Dichters Giambattista Marino war und deshalb dessen Werk vertont sehen wollte. Nach einigen Umarbeitungen durch Ottavio Tronsarelli erhielt der Text seine spätere Fassung. Zu diesem Zeitpunkt lagen die ersten Opernversuche von Jacopo Peri und Giulio Caccini aus Florenz schon zwanzig Jahre zurück, weshalb Mazzocchi eine schon erfolgreich erprobte Formensprache für seine Komposition verwenden konnte. In seiner Vertonung stützt er sich deshalb über weite Strecken auf die Konventionen des rezitativischen Gesangs, der durch die Florentiner Opern berühmt geworden war. Die langen, für heutige Ohren ermüdend gleichförmigen Rezitative sind gleichzeitig Markenzeichen dieser frühen Opern wie auch ihr Fluch, der vielfach ihre Aufführung verhindert.

Verdiente Wiederentdeckung

Mazzocchis Oper erlebt nun durch die jungen Musiker des Ensembles Scherzi Musicali ihre verdiente Wiederentdeckung. Geleitet wird die Gruppe von Nicolas Achten, der nicht nur das Basso continuo mit Erzlaute, Harfe und Spinett gestaltet, sondern der auch als Sänger in drei kleineren Partien auftritt. Ansonsten besteht das Orchester aus sieben Instrumentalisten, die hauptsächlich im Basso continuo agieren. Solmund Nystabakk und Simon Linné spielen auf Theorben und anderen Zupfinstrumenten, der Gambist Eriko Semba begleitet in den Arien mit Gambe und Lirone und Korneel Bernolet ergänzt die Bassgruppe mit Orgel und Clavecin. Als Melodieinstrumente erklingen Cornett und Blockflöte (beides gespielt von Lambert Colson) sowie zwei Geigen (Justin Glorieux, Varoujan Doneyan) , die meist in den instrumentalen Zwischenspielen zum Einsatz kommen. Entsprechend dieser Besetzung ist der Ensembleklang äußerst fein und zart ausdifferenziert.

Die vielen unterschiedlichen Zupfinstrumente sorgen im Wechsel für delikat hingetupfte Begleitungen, neben der die jungen Stimmen mit großer Ausdrucksstärke aufblühen können. Alles klingt schwerelos schön. Wie Nicolas Achten im Booklet erläutert, hat er jeder Figur der Geschichte ein Basso continuo-Instrument zugeordnet, um die Partien musikalisch besser zu charakterisieren. Auf diese Weise gestaltet Achten mit wenigen Mitteln sehr effektvolle Klangdarstellungen, die den Hörer durch die wirre Geschichte um Liebe und Verrat leiten. Desweiteren entschied sich Achten dafür, Instrumentalstücke von Kapsberger als Ouvertüre und Zwischenaktmusiken in die Oper einzufügen, um den Ablauf etwas aufzulockern. Auch wenn Kapsbergers ‚Sinfonie‘ ursprünglich nicht für Mazzocchis Oper entstand, bilden die Werke der beiden Komponisten eine sinnvolle Einheit und ergänzen sich stilistisch.

Das Sängerensemble wird von der Mezzo-Sopranistin Luciana Mancini angeführt, die den Part der Zaubrerin Falsirena mit Leidenschaft und Hingabe gestaltet. Ihr leicht herbes Timbre gibt ihrer Rolle einen androgynen Charakter, da sich ihr Gesang mit dem des Adonis-Darstellers Reinoud Van Mechelen ähnelt. Desweiteren fällt Marie de Roy als Idonia auf, die mit ihrem engagierten Gesangsstil die langen Rezitative ihrer Rolle lebendig und glaubwürdig singt. Den Musikern von Scherzi Musicali sowie ihrem Leiter Nicolas Achten gebührt aufgrund ihrer temperamentvollen und farbigen Neuinterpretation von Mazzocchis Werk größter Respekt, stellen doch die vielen Rezitative eine echte musikalische Herausforderung dar, die sie mit Leichtigkeit und Eleganz zu lösen wissen. Sie geben der musikalischen Form Sinn und zeigen, wie vielschichtig und abwechslungsreich die damaligen Instrumentationsmöglichkeiten waren.

Interpretation: *****
Klangqualität: ****
Repertoirewert: *****
Booklet: *****

Christiane Bayer 25.04.2012
La Catena d'Adone
Domenico Mazzocchi (1592-1665) geldt als dé geheimtip van de Italiaanse muziek uit de zeventiende eeuw. Deze Romeinse componist, die voornamelijk kerkmuziek en madrigalen schreef, wordt door sommigen zelfs op één lijn geplaatst met Claudio Monteverdi. Mazzocchi schreef slechts één opera, la Catena d’Adone, die in het carnavalsseizoen van 1626 in Rome in Première ging. Het operaverbod was in Rome toen nog niet van kracht en dat is, kunnen we nu constateren, maar goed ook! De jonge Belg Nicolas Achten heeft met de allereerste opname van dit werk een prestatie van groot formaat afgeleverd. Achten, die zowel zingt, luit en klavecimbel speelt als dirigeert, zal in mei een tournee maken langs diverse Nederlandse concertlocaties met een heel Mazzocchiprogramma en datis iets om naar uit te kijken. La Catena d’Adone, over de liefde tussen Venus en Adonis, is een zinderend spektakel dat van Achten en de zijnen, allen zeer jong!, een optimale uitvoering krijgt. De zangers zijn stuk voor stuk ijzersterk en weten de grote emoties waarover dit stuk gaat volledig geloofwaardig over te brengen, zonder te vervallen in vocale effecten of romantisch vibrato. De instrumentalisten, met naast uitgebreid continuo ook viool, cornetto en fluit, musicieren op het scherp van de snede. Dit is een uitgave die op alle fronten tot de absolute top behoort.

Marcel Bijlo
KlassiekeZaken 03.04.2012
Mazzochi: la Catena d'Adone
Domenico Mazzocchi (1592-1665) kennen we voornamelijk van zijn kerkmuziek en madrigalen. Hij componeerde in de stijl van de late Monteverdi maar zijn muziek is bduidend introverter van aard. Mazzochi zat dan ook in Rome en niet in Venetië zoals Monteverdi. Dat we ondanks het Romeinse operaverbod tóch nog één opera van Mazzocchi hebben heeft wellicht te maken met het feit dat la Catena D'Adone een duidelijke moraal bevat en zodoende misschien ook nog wel tot de oratoria gerekend zou kunnen worden. De jonge held Adonis wordt ontvoerd door de tovenares Falsirena die verliefd op hem is geworden en hem ketend met een onzichtbare ketting. Venus komt hem redden en Falsirena wordt met haar eigen ketting aan een rots vastgebonden. Moraal: wellust wordt gestraft. Dat kon er voor de Romeinse kardinalen nog mee door en Mazzocchi was bovendien zelf priester. Dat operaverbod was dus niet zo absoluut als we nu vaak denken, dat zou in de achttiende eeuw heel wat knellender worden. La Catena d'Adone ging in 1626 in première, negentien jaar dus nadat Monteverdi in Mantua zijn l'Orfeo eten doop had gehouden. Maar een vergelijking met Monteverdi's meesterwerk, dat we al decennia zo goed kennen, en de nog nauwelijks bekende opera van Mazzocchi is niet helemaal eerlijk. Mazzocchi ging veel meer dan Monteverdi uit van het ideaal van de opera als gezongen toneelstuk, een ideaal dat Guilio Caccini en Iacchopo Peri in hun opera's tot in het extreme doorvoerden: alleen recitatief, begeleid door een uitgebreid continuo. Bij Mazzocchi vinden we al wat meer afwissling tussen recitar cantando en meer aria-achtige delen en ensembles maar het recitatief-aandeel is nog veruit dominant. Een complete opname van zo'n werk is dus een waagstuk, want hoe houd je het met al die recitatieven voor een modern publiek boeiend. William Christie hield het dan ook bij een cd met fragmenten uit la Catena d'Adone, maar die opname gunde ons alvast wel een inkijk in Mazzochi's bijzondere werk. En nu is er dan de eerste complete opname.

De nog jonge Belg Nicolas Achten bewees met zijn opname van Euridice van Giulio Caccini al grote affiniteit te hebben met de vroegste opera's die anderen, juist doordat ze op het oor zo weinig spektakel bevatten, liever links laten liggen. Het geheim van die uitvoering, en ook van deze nieuwe Mazzocchi, zit hem in het casten van de goede zangers en het inventive gebruik van het continuo. In beide opzichten slaagt Achten, die zelf als zanger en continuospeler uiteraard ook te horen is, glansrijk. Met operazangers die wat extra gecoached worden in barokversieringen kom je er dan niet, je hebt echt mensen nodig die intensief gewerkt hebben aan de specifieke eisen die deze muziek stelt. Die eisen liggen dan dus niet op het vlak van de vocale virtuositeit maar veel meer op dat van de tekstexpressie. De zangers op deze opname presteren zonder uitzondring uitstekend, zonder uitschieters naar boven of beneden. De vocale en instrumentale neuzen staan allen dezelfde kant op en alleen dán kan zo'n opera, die ook het nodige aan concentratie van de luisteraar vergt, geloofwaardig worden uitgevoerd. Nicolas Achten is daar volledig in geslaagd en gezien zijn nog zeer jeugdige leeftijd kunnen we nog veel moois van hem verwachten.

Marcel Bijlo
Tijdschrift Oude Muziek 01.04.2012
Aus dem toten Winkel
So alt ist der Frühbarock nicht! Zwei CDs eines belgischen Nachwuchs-Allrounders

Das Problem historisch informierten Musizierens war nie die »Authentizität«. Die war eine Unterstellung, eine Chimäre. Nie hat jemand, der einigermaßen bei Trost war, behauptet, er oder sie präsentiere den authentischen Bach, Beethoven, Bruckner. Zumal die Partituren – eine Spezialität der Historischen – nach Jahrhunderten aus dem Meer des Vergessens gefischt waren. Und dann stellt sich vielleicht heraus, die Musik war nicht so ganz zu unrecht vergessen.

Das alles wird Nicolas Achten weder mit Domenico Mazzocchi passieren noch mit Giovanni Felice Sances. Er hat diesen Komponisten des Frühbarock seine zwei letzten CDs gewidmet. Ihre Namen wird man Klassikfreunden buchstabieren müssen. Sie lebten im musikhistorisch toten Winkel zwischen Claudio Monteverdi (1567–1643) und Johann Sebastian Bach (1685–1750), waren zu ihrer Zeit nichtsdestoweniger europaweit bekannt und erfolgreich.

Lange profitierte die historische Aufführungspraxis vom Einverständnis der Eingeweihten: Man verharrte ehrfürchtig vorm Frühen, Noch-nicht-Gehörten. Entsprechend trocken und akademisch dürfte oft das Vergnügen gewesen sein. Nicolas Achten ist 26. Er sieht nicht aus wie der neueste Star der Alte-Musik-Szene, eher wie die Sturmspitze eines belgischen Champions League-Vertreters. Nicht Ehrfurcht motiviert ihn und sein Ensemble Scherzi Musicali. Eher die Freude daran, wie variabel man den Klang so einer frühen Continuogruppe ausgestalten und kolorieren kann.

Beide genannten CDs vermitteln Eindrücke von der Kinderstube des viel später so genannten »Generalbaßzeitalters«. Um die Baßlinie herum, gespielt von tiefen Streichinstrumenten wie dem Basse de Violon (heute Kontrabaß) oder der Gamba di Lirone (heute Cello), plazierte man eine Gruppe von handgezupften Harmonieinstrumenten. Scherzi Musicali verwenden verschiedene Gamben- und Lautenarten, eine Theorbe sowie Tasteninstrumente wie Orgel, Cembalo und Clavezin. Vokalstimmen ersetzend, treten gelegentlich Geige und ventillose Trompete hinzu. Achten selbst singt einen wunderschönen Bariton im bis zu vierstimmig solistischen Vokalsatz des Ensembles. Er spielt auf Spezialistenniveau Theorbe, Cembalo, Clavezin und Renaissanceharfe und ist als musikalischer Leiter auch noch der Dirigent des Ganzen. Einen derart kompletten Allrounder hat es in der Klassik bisher selten gegeben.

Wunderbar, verfolgen zu können, wie hier die Vokalmusik in einem Prozeß wachsender Säkularisierung mehr und mehr ersetzt wird durch eine Vielzahl gleichzeitig und gegeneinander versetzt spielender Instrumente. So etwa im wiegenden Takt der Ciaccona, einem von Sances in seine Motetten eingestreuten Volkstanz. Aus dem in vielen Schattierungen oszillierenden Mittelstimmengeflecht der gezupften Saiteninstrumente tritt – so irgendwie ging es vermutlich los mit dem solistischen Musizieren und schließlich mit dem Solokonzert – die Geige oder eine der Lauten melodisch hervor.

Eine Generation nach Monteverdis »Orfeo« und doch scheinbar viel näher an unseren Hörgewohnheiten, ist Mazzocchis Favola boschereccia (Hirtenspiel) »La Caterna d’Adone«, ein Fest für die Ohren. Seine elegant kontrapunktische Vokalpolyphonie erinnert an einigen Stellen an viel spätere Opernensembles. All das wird von Scherzi Musicali so sparsam wie intensiv und farbig musiziert.

Wie in den Bildern des frühen Barock erzählt sich hier, entlang an biblischen und mythologischen Stoffen, das Gefühlsleben und die kulturelle Kraft des jungen Stadtbürgertums im Italien des beginnenden 17. Jahrhunderts. Was man da hört, wirkt so stark, daß man darüber den historischen Abstand vergißt und die Fremdheit. So alt, denkt es in einem Kopf des dritten Jahrtausends, wie es beim ersten Hören geklungen hat, musikalisch vielleicht weniger gut präsentiert, ist das alles ja gar nicht, es klingt kostbar, und Kostbarkeit ist zeitlos!

Stefan Siegert
jungeWelt 30.03.2012
Mazzocchi - La Catena d'Adone
Nanu? Hat Monteverdi eine neue Oper geschrieben? So könnte man stellenweise denken, wenn man unvorbereitet in „La catena d'Adone“ hineinhört. Dabei stammt das 1626 entstandene Werk „nur“ von Domenico Mazzocchi. Weil er als Altertumsforscher und Sekretär eines römischen Kardinals arbeitete, wurde Mazzocchi erst vor kurzem als eine der interessantesten musikalischen Persönlichkeiten Roms Anfang des 17. Jahrhunderts wiederentdeckt. „La catena d'Adone“, eine der ganz frühen römischen Opern, erzählt in fünf Akten von der Liebe der Zauberin Falsirena zu dem schönen Adonis. Das Libretto enthält viele Situationen, die später zu Standards der Gattung wurden: Zaubereien, Schlafszenen, Geisterbeschwörungen und Götter aus der Wolkenmaschine. Viel davon ist allerdings noch ins erzählende Rezitativ gepackt. Dass einem die Zeit dennoch nicht lang wird, dafür sorgen die mutig-pikanten harmonischen Ausweichungen, variantenreichen Ariosoformen, spritzigen Nymphentänze und schließlich der prächtige Doppelchor.

Eine Entdeckung ist aber auch der musikalische Leiter Nicolas Achten: Er gehört zu den wenigen Musikern, die sich singend selbst auf der Laute zu begleiten wissen – und diese alte Einheit von Solo und Begleitung kann er hörbar auf den Ensemblegeist übertragen. Die Instrumente sind dabei gerade im Basso continuo faszinierend farbig und genauso typgerecht besetzt wie die ansprechend gestaltenden Solisten: Da gibt es antikisierende näselnde Lironen, verführerische Gamben, Cembali mit männlichen Metall- und lieblichen Darmsaiten und natürlich das Mini-Spinett, zu dessen prickelnden Klängen der junge Amor mutwillig durch die Lüfte flattert. Ein informatives Booklet, das – allerdings nur auf Englisch und Französisch ? auch einen kunsthistorischen Essay zum zeitgenössischen Titelcover enthält, rundet diese gelungene Entdeckung ab.

Carsten Niemann
Rondo 17.03.2012
Diapason Découverte, Petits Motets de Fiocco
Nicolas Achten et son collectif belge partagent une vertu qui ne s'enseigne pas, ne se cultive pas et se perd vite : la fraîcheur. Ajoutons-y la curiosité, qui les conduit aussi bien dans le théâtre romain du début du XVIIè siècle (la délicate Catena d'Adone de Mazzocchi, cf. p. 98) que dans les motets de leur compatriote Joseph-Hector Fiocco. Fils de Pietro Antonio - l'auteur du Retour du printemps enregistré par Hugo Reyne -, il les compose pour la collégiale Saints-Michel-et-Gudule à Bruxelles où il est nommé en 1737, quatre ans avant de disparaître dans la fleur de l'âge. Les cinq motets, écrits pour une à quatre vois, cordes et continuo, s'écoutent comme on visite une église baroque sans prétention : séduit par son faste accueillant, guidé par les lieux communs, puis touché par les détails, les tournures, les couleurs qui expriment, au-delà, une vision de l'artiste. Par exemple dans un Salve regina où Fiocco réserve le dolorisme au verset sur notre « vallée de larmes », tandis que Lully, Campra, Charpentier, Pergolèse, Handel... l'épanchent dans l'oeuvre entière. Une Vierge en majesté, baignée d'ors glorieux. Le ténor aigu se sort bien des guirlandes festives du Jubilate Deo « ab alto solo », et la soprano de celles du Beatus vir - motets d'une ferveur toute latine. On n'ira pas chercher dans ces voix ou ces violons des timbres exceptionnels mais un élan partagé, une subtile franchise des caractères qui nous ont fait écouter l'album sans un instant d'ennui. Ce n'est pas si souvent, qu'on se le dise.

Gatan Naulleau 07.03.2012
Mazzocchi, « La Catena d'Adone »
Première discographique pour cet unique opéra de Domenico Mazzocchi (Rome, 1626) qui importe la manière florentine d’un Monteverdi tout en se dirigeant vers la liberté de ton de l’opéra vénitien. La Chaîne d’Adonis entrecroise amours et jalousies : libertinage sous couvert d’une morale chrétienne… Les Scherzi Musicali de Nicolas Achten, raffinés dans leurs choix instrumentaux, dans la variété des continuos, à la tête d’une bonne distribution dans l’ensemble, rendent justice à cette page peu connue.

Michele Friche
Le Soir 29.02.2012
La Catena d'Adone
Ketten können als Fesseln fungieren - das bestätigt die Oper "La Catena d'Adone" von Domenico Mazzocchi. Hier wird geschildert, wie sehr der Jüngling Adonis die Göttin Venus liebt, dafür von deren Mann bestraft und in Ketten gelegt wird. Am Schluss sieht man jedoch nicht ihn, sondern die ihrerseits liebeshungrige Zauberin Falsirena mit der Kette an einen Felsen geschlagen. Venus persönlich leitet das in die Wege, als dea ex machina

Die Musik von Mazzocchi ähnelt derjenigen Monteverdis, der große Unbekannte hätte ein Sohn des gerühmten "Divino Claudio" sein können. Geographisch gesehen, war Mazzocchi nicht in Venedig tätig, sondern in Rom. Ungewöhnlicherweise war er als Musiker mit ausgeprägt theologischem und juristischem Fachwissen ausgestattet, als er in die Dienste eines Hofstaats trat: dem der Adelsfamilie Aldobrandini, die ihm eine jahrzehntelange mäzenatische Förderung zukommen ließ. Das luxuriöse Ambiente nutzte Mazzocchi zur Reflexion bzw. Weiterentwicklung des Genres Oper, ein wichtiger Beitrag gelang ihm mit "La Catena d'Adone".

Am 12. Februar 1626 ist diese "Favola boscareccia" (= wörtlich "Waldmärchen") aus der Taufe gehoben worden, also knapp zwanzig Jahre nach Monteverdis "Orfeo". Der Uraufführungsort war der Palazzo Conti in Rom, wo das rund zweistündige Werk freilich ohne die Instrumentalstücke von Kapsberger herauskam, die jetzt bei der Weltersteinspielung vom Oktober 2010 aus dem Echternach fast immer am Aktanfang stehen - was auf eine vertretbare Entscheidung des Dirigenten zurückgeht.

Liebe zum Detail

Nicolas Achten offenbart Liebe zum Detail: Egal, ob es den Sängern um das "recitar cantando" geht, wie es für die Monodie und die spezielle Art der musikalischen Textdeklamation dieser Zeit typisch ist; egal, ob die Instrumentalisten satztechnische, vor allem harmonische Kühnheiten des Komponisten präsentieren: Immer sind die jungen Leute aus Brüssel mit Gespür für die Besonderheiten ihres Gegenstands dabei. Auch die Formenvielfalt Mazzocchis wird deutlich, denn zwischen Rezitativen und Arien stehen hier sogenannte "Rezitativarien" oder "Halbarien", mit kleingliedriger Melodik. Nirgends kommt Langeweile auf, auch dynamische Einzelheiten werden sehr bewusst umgesetzt von den Interpreten, sechzehn an der Zahl. Und die Pointe ist die, dass Nicolas Achten nicht nur dirigiert und zugleich den Basso Continuo übernimmt: Sogar seinen kultivierten Bariton lässt er erschallen, in nicht weniger als drei Gesangsrollen. Der Mann aus Brüssel scheint absolut der Richtige für die Frühphase der Oper: So jung, wie die Gattung dereinst war, ist Nicolas Achten selbst - noch nicht einmal dreißig Jahre…

Volkmar Fischer
BR Klassik 28.02.2012
Petits Motets de Joseph-Hector Fiocco

Baroque music from the Catholic parts of The Netherlands (now mostly comprising Belgium) is still little known today. The small but high-quality label Musique en Wallonie is helping to redress this situation. Having already released two discs of music by Pietro Antonio Fiocco, it now issues a volume of sacred works by his slightly better-known son Joseph-Hector Fiocco (1703-41). Fiocco senior was a Venetian composer who ultimately made his career in Brussels, where Joseph-Hector was born : one of 14 children by two wives, Fiocco junior was a professor of Greek and Latin, as well as a harpsichordist and organist of some note, and his most Pièces de clavecin, published in 1724, are his most famous works. Ewald Demeyere has made an excellent complete recording on Accent.

However, the bulk of Fiocco's compositions consisted of sacred music composed for cathedrals and churches in Antwerp and Brussels. His works in this field were also well known and admired in Paris. Fiocco's excellent Lamentations for Holy Week are also moderately well known today. Ann Merten's selection on Eufoda is slightly to be preferred to Greta de Reyghere's and Jan Van der Crabben's on Et'Cetera. The Naxos recording of his Missa solmenis features some excellent singers but regrettably, uses a modern- instrument orchestra.

Into this not very crowded field now comes a recording of such outstanding quality that is should win Fiocco many new admirers. The driving force behind the project is the young Belgian musician Nicolas Achten. He is what is sometimes called a Renaissance Man, but perhaps should be called a Baroque Man. Director of the ensemble Scherzi Musicali, achten is baritone possessed of an extremely lovely voice, an expert researcher into old music and a harpsichordist who also plays the lute, harp and theorbo. He is also one of few moedern (non-pop or folk) performers who practises the old art of self-accompanied singing. Scherzi Musicali has mostly specialized in seventeenth-century music, notably its wonderful recordings of Caccini's L'Euridice and Sance's motets on Ricercar. A forthcoming release on Alpha is of Mazzochi's La Catena d'Adone.

With Fiocco's Petits Motets, Scherzi Musicali moves firmly into late-Baroque territory and to music which, as Achten point out in his notes, is stylistically hard to pin down. The term 'petits motets' implies music in the French manner, but the voice types are given Italian descriptions. Then again, their tessiutra corresponds more to French patterns, for example, the alto part's range is more suited to an haute-contre tahtn a contralto or countertenor. The volca tessitura plus the diapason and tuning of Southern Netherlandsorghans have led Achten to adopt a low pitch (A=388) and a mean-tone tuning with pure thirds. The motets are scored for small forces: between one to four voices plus a tiny string ensemble and continuo.

Event Fiocco's continuo directions reflect the mixed French and Italian influences: in some motets the Italian cello is preferred, in others the French basse de violon. These are supplemented with organ, harpsichord and triple harp. On the whole, the works sound more Italian than anything else – the opening of Libera me Domine, for example, is very Vivaldian – but there are, as Achten points out, also occasional reminiscences of Couperin, Charpentier and Lully. The vocal writing is elegant, melodically strong and, in the solo sections, often very florid. The young fresh-voiced singers of Scherzi Musicali are more than equal to these challenges. With historically informed singing in so parlous a state these days, it is refreshing and reassuring to hear such expert and stylistically aware sopranos as Céline Vieslet and Marie de Roy, who each has a solo motet, as well as the baritone Olivier Berten and, of course, Achten himself. Perhaps the stand-out singer, not only in his solo motet Jubilate Deo but also throughout the programme, is the haute-contre (or high tenor) Reinoud Van Mechelen, whose timbre and agility resemble those of the young Guy de Mey. He is a major talent of whom I am sure we will be hearing much more in the future. The ensemble's instrumentalists are also marvelously alert and skilful in Fiocco's quite intricate but always buoyant writing.

Musique en Wallonie has fiven the project an amply documented and illustrated hardback CD book as well as a crisp and airy recording in the Eglise de Sart-lez-Spa (a village in Wallonia). This is an enterprising and outstanding release.

Andrew O'Connor
International Record Review 23.02.2012
Domenico Mazzocchi: "La Catena d'Adone"
Domenico Mazzocchi (1592-1665) zählt zu den vielen fast vollständig unbekannten Musikern, welche die Stadt Rom zu Beginn des 17. Jahrhunderts zu einem unvergleichbaren Musikzentrum machten. Aufgewachsen in Civita Castellana (nördlich von Rom) schlug er zunächst eine geistliche Laufbahn ein und ließ sich 1619 in Rom zum Priester weihen; gleichzeitig erwarb er den Doktorgrad beider Rechte.

Offenbar hatte Domenico parallel zu seiner Theologie- und Juraausbildung aber auch intensiven Musikunterricht genossen, denn 1621 trat er als Musiker in den Dienst der wohlhabenden Adelsfamilie Aldobrandini ein. Mazzocchi erwarb sich sehr schnell das Vertrauen des Kardinals Hippolito sowie der Prinzessin Olimpia Aldobrandini und blieb der Familie mehr als 40 Jahre lang treu. Im Gegenzug genoss er eine großzügige Entlohnung und ein Appartement im Familienpalast. Auch zum amtierenden Papst Urban VIII. aus dem Geschlecht der Barberini besaß Mazzocchi hervorragende Kontakte.

Mit La Catena d'Adone wandte sich Mazzocchi 1626 als einer der ersten römischen Komponisten der noch jungen Gattung Oper zu. Er vertonte eine Dichtung nach dem 12. und 13. Gesang des populären Versepos L'Adone von Giovanni Battista Marino. Die umfangreichen Rezitative der Partitur gestaltet Mazzocchi mit Sinn für musikalische Rhetorik und lockert sie durch viele ariose Passagen, instrumentale Ritornelli sowie bis zu achtstimmige Chöre auf.

Eine beeindruckende Leistung
Nicolas Achten und sein Ensemble Scherzi musicali legen eine rundum überzeugende und klangschöne Neuaufnahme dieser frühen römischen Oper vor. Das grundsätzliche Problem der langen Rezitative bewältigen sie durch hervorragende Gesangsdeklamation und einen enorm abwechslungsreichen Basso continuo: Dazu zählen Theorbe, Gambe, Lirone, Gitarre, Harfe, Cembali und Orgel. Etliche dieser Instrumente spielt Nicolas Achten selbst, außerdem singt er noch drei kleinere Partien – eine beeindruckende Leistung, die nicht nur im Bereich der Alten Musik ihresgleichen sucht. Unter den weiteren Gesangssolisten ragen die Protagonisten Luciana Mancini und Reinoud van Mechelen hervor, die mit ihren unaufdringlichen, an der Barockmusik geschulten Stimmen beeindrucken.

In dieser Darbietungsqualität und in der extrem genau durchgearbeiteten Fassung von Nicolas Achten kann sich Mazzocchis Oper durchaus mit den wesentlich berühmteren Bühnenwerken der Zeit, etwa von Claudio Monteverdi, messen.

Bernhard Schrammek
Kulturradio 14.02.2012
Petits Motets, Fiocco
Joseph-Hector Fiocco n'exerça que 4 ans sa charge de maître de chant à la collégiale saints Michel-et-Gudule (il mourut en 1741), le temps d'être joué aux Concerts Spirituels à Paris. Ecrits pour une, deux ou quatre voix, ses Petits Motets étaient destinés au culte. Nicholas Achten et ses Scherzi Musicali, en formation variée jouent à fond la carte de la variété des genres et des styles d'un compositeur imaginatif, ancré dans les mondes français et italien.

S. M.
maD - Le Soir 14.02.2012
La catena d'Adone : l'enthousiasme des commencements
Il est rare aujourd'hui, que l'on ose encore faire preuve d'enthousiasme et prendre des risques. Même les jeunes générations semblent attendre frileusement des temps meilleurs. Ce n'est absolument pas le cas de Nicolas Achten, aux multiples talents : baryton, luthiste, harpiste, claveciniste... qui avec son ensemble Scherzi Musicali, ose aller défricher des univers aujourd'hui ensevelis sous la poussière des bibliothèques et proposer ainsi des enregistrements d'oeuvres disparues du répertoire depuis le XVIIe siècle.

Il nous revient donc avec un opéra romain, datant de 1626, la Catena d'Adone.

Près de 20 ans après l'Orfeo de Monteverdi, dans la ville papale plus que rétive à toute forme théâtrale, Domenico Mazzocchi, un prêtre au service du Cardinal Ippolito Aldobrandini, s'associe pour le livret à Ottavio Tronsarelli pour répondre à une commande du frère de son mécène : Giovanni Giorgio Aldobrandini.

Du compositeur on sait, tout comme pour son frère Virgilio, qu'il vécut une vie confortable travaillant pour les plus grandes familles romaines. Ordonné prêtre à 27 ans, il compose pour de nombreuses occasions liées à des festivités organisées par la famille Aldobrandini, mais également pour d'autres personnalités, des oeuvres tant profanes que sacrées. La Catena d'Adone est certainement son chef d'oeuvre.

Donnée pour la première fois à Rome le 12 février 1626, elle connut un très grand succès, tout comme le poème du Cavalier Marin dont s'est inspiré le librettiste. Lorsqu'on sait que ce dernier vit son oeuvre mise à l'index par l'église, on ne peut que s'étonner, aujourd'hui du moins, de ce choix. Mais le poète fut un protégé du Cardinal, fin homme de lettres comme la plupart des personnages de haut rang de cette époque. Et si la Catena d'Adone délivre une morale, cette fable pastorale n'en conte pas moins les amours tumultueuses d'Adonis, Apollon, Vénus et Falsirena (une magicienne amoureuse d'Adonis) avec une liberté de ton et une sensualité enivrante de la musique qui en fait tout l'intérêt. A la fois frivole et érotique l'histoire s'appuie sur une partition de toute beauté. Le recitar cantando y permet une expressivité audacieuse des affeti. La musique vient appuyer les tensions dramatiques du texte, donnant vie et caractère aux personnages. Nicolas Achten dans le magnifique livret qui accompagne cet enregistrement analyse avec beaucoup de finesse la partition, comme d'ailleurs, le contexte de la création de l'oeuvre et l'on ne peut que vous en recommander la lecture. Il a complété la partition pour laquelle manquent les parties instrumentales qui ouvrent les différents actes par des sinfonie de Kasperger.

Cette fable, en un prologue et cinq actes nous raconte les amours d'Adonis et Vénus, contrecarrées par l'époux de cette dernière Mars ; ainsi que par la jalousie d'Apollon lui-même amoureux de la déesse de l'Amour et surtout Falsirenna la magicienne qui s'éprend d'Adonis. Elle le fait prisonnier et tente de se faire passer pour Vénus. Mais Adonis n'est pas longtemps dupe et Vénus vient le libérer, enchaînant la magicienne à un rocher.

Si la Catena d'Adone avait fait l'objet d'une première résurrection à la scène par René Jacobs au Festival d'Innsbrück en 1999, elle n'avait encore jamais connu d'enregistrement intégral. C'est donc désormais chose faite grâce à l'audace de jeunes musiciens certes parfois montrant quelques failles mais qui pour l'essentiel nous en offrent une très belle version.

Pour leur quatrième enregistrement, - dont des pièces sacrées de Giovani Felice Sances à se damner et une Euridice de Caccini à marquer d'une pierre blanche, tous deux chez Ricercar,- les Scherzi Musicali nous reviennent avec la même fraicheur et le même bonheur de la redécouverte dans leur interprétation. Fidèle à l'esprit de troupe, qui au XVIIe siècle déjà présidait aux représentations d'opéra, Nicolas Achten qui nous avait offert en concert cette Catena d'Adone dans le cadre du Festival de Pontoise en octobre 2010 (voir ma chronique de ce concert sur Anaclase), nous revient avec la même distribution au disque.

De cette distribution très homogène, aux voix certes encore un peu vertes mais avec de belles personnalités, ressort tout particulièrement l'Adonis de Reinoud Van Mechelen. Son timbre solaire irradie et sa déclamation sensible souligne la poésie du texte, exprimant avec beaucoup de subtilité, tous les tourments que connait son personnage. Le timbre cuivré de Luciana Mancini convient bien à Falsirena. Elle est toutefois plus à l'aise dans la plainte que dans les passages dramatiques.

Le somptueux continuo vient enrichir le caractère de chaque personnage et révèle des ors et des pourpres, plus que des clairs obcurs, digne de cette Rome qui aimait l'apparat et le luxe. La direction de Nicolas Achten respire la joie de vivre et de partager, de découvrir et d'expérimenter.

Je ne peux que vous recommander ce très beau Cd, car si les voix sont encore un peu jeunes, un peu trop pour en exprimer le dolorisme, ils nous permettent de vivre cette recréation de la Catena d'Adone, avec l'état d'esprit qui dû régner sur sa création. Emotion, sensibilité et enthousiasme sont les maîtres mots qui président ici.

Monique Parmentier
Les enchantements baroques 11.02.2012
Domenico Mazzocchi, La Catena d’Adone Nicholas Achten

René Jacobs avait eu le nez fin qui, voici plus de dix ans, avait programmé en son festival d’Innsbruck (mais sans le diriger lui-même) ce magnifique opéra créé à Rome en 1626 : inspiré d’un poème de Marini, contemporain du Tasse, cette "Chaîne d’Adonis" conte l’amour passionné d’Adonis pour Venus, contrarié par la magicienne Falsirena. Dans le prolongement de quelques représentations données à l’automne 2010, voici une très belle première discographique signée du jeune chef, luthiste (et chanteur ici) Nicholas Achten. Tous ceux qui aiment Monteverdi ou Cavalli adoreront l’oeuvre, et cet enregistrement coloré, servi notamment par la très belle voix de Reinoud Van Mechelen dans le rôle titre.

Nicolas Blanmont 25.01.2012
Scherzi Musicali, le goût inédit
Dirigé avec passion par Nicolas Achten, Scherzi Musicali s'attèle à repenser l'approche de la musique ancienne avec un réel souci de pertinence musicologique. Avec la sortie des Petits Motets de Joseph-Hector Fiocco et de La Catena d'Adone de Domenico Mazzocchi, l'ensemble poursuit son exploration d'oeuvre intédites et confirme sa place parmi les jeunes ensembles de musique ancienne les plus intéressants du moment.

Après deux premiers disques consacrés à Caccini et à Sances, Scherzi Musicali poursuit son travail de redécouverte avec la sortie d'un disque de Motets de Fiocco. Comment est née cette idée ?
Avec Scherzi Musicali, je réalise mes rêves de gosse les uns après les autres ! C'est mon premier professeur de chant qui m'avait demandé de travailler une des lamentations de Fiocco. En faisant des recherches à la bibliothèque de Conservatoire, je suis tombé sur cette collection de motets et je me suis tout de suite rendu compte qu'il s'agissait de très belle oeuvre. Mais qu'est-ce qu'on fait de tout cela à 11 ans ? On les met dans un coin de sa tête et on attend le bon moment pour les ressortir...

Qui était Joseph-Hector Fiocco ?
C'est un compositeur bruxellois issu d'une grande famille de musiciens d'origine vénitienne. Son père, Pietro Antonio Fiocco fut le premier directeur du Théâtre de la Monnaie lors de son ouverture en 1700, d'où la salle qui porte son nom. Joseph-Hector était quant à lui maître de chapelle à la collégiale de Saints-Michel-et-Gudule. C'est là qu'on a retrouvé toutes ses partitions en assez bon état. Il s'agit de motets à une, deux et quatre voix. L'instrumentation y est très claire. J'ai pris ici la liberté d'y ajouter une harpe. Même si on n'est pas certain qu'elle était utilisée à l'époque, historiquement et esthétiquement, c'est très plausible !

Sa musique surprend tant elle conjugue les styles français et italien...
On y retrouve l'esthétique française de sa formation mêlée à une certaine italianité héritée du passé vénitien de sa famille. Au final, ce n'est ni de la musique française, ni de la musique italienne. Ce n'est pas non plus un mélange hybride des deux. C'est du Fiocco tout simplement ! Et ça sonne comme quelque chose de familier alors que ces motets n'ont à ma connaissance jamais été joués ! Sa seule pièce véritablement connue, particulièrement des violonistes, est l'Allegro car elle est reprise dans la méthode Suzuki !

Mis à part son répertoire religieux, Fiocco est aussi connu pour ses pièces de clavecin...
Oui, il a publié un livre de pièces de clavecin en 1707 dans lequel on ressent l'influence française, notamment celle de Couperin qui à l'époque venait de publier son premier livre. Là aussi, on retrouve à la fin de la première suite une sorte de sonate en quatre mouvements dans la plus pure tradition italienne.

Fin janvier, sortira La Catena d'Adone de Domenico Mazzocchi, première collaboration avec le label Alpha...
Oui, c'est en faisant des recherches sur l'Eurydice de Caccini, que j'ai découvert que Mazzocchi avait écrit ce que l'on considère comme le premier opéra romain. Il y a tout dans cet opéra : l'anxiété d'Adonis, la souffrance de la magicienne qui tente de le charmer par tous les moyens et de très belles scènes avec des bergers et des nymphes qui apportent une fraîcheur à l'ensemble. L'oeuvre aurait été composée entre 1623 et 1626. La légende raconte qu'elle aurait été écrite pour deux sopranos aux moeurs légères. Et c'est à cause de la femme du librettiste qui ne voulait par les voir répéter chez elle que les deux rôles auraient finalement été confiés à des castrats !

Après quatre premières mondiales, Scherzi Musicali pourrait aussi s'attaquer au grand répertoire ?
Nous travaillons actuellement sur des songs de Purcell. Mais toujours en gardant la même démarche d'objectivité et de distanciation par rapport à toutes les interprétations existantes. Comme tout le monde, nous pourrions faire du Purcell avec un clavecin français du 18è et un théorbe italien du 17è siècle. Mais ce n'est pas ce que nous avons envie de faire. C'est ainsi que Simon Linné, notre luthiste, s'est fait construire un théorbe anglais que seulement quelques personnes possèdent sur la planète. Une nouvelle fois, quand on a les instruments adaptés, automatiquement cela donne du sens, à l'oeuvre et à l'esprit du compositeur. Et c'est ce qui fait qu'une démarche de musique ancienne a encore un sens aujourd'hui !

Benjamin Brooke
Accroches (Image, jpg) 20.12.2011
Les petits motets de Joseph-Hector Fiocco

"J’étois l’autre soir au Concert Spirituel où le sieur Akten (sic) fit jouer plusieurs motets de Monsieur Fiocco, Maître de chapelle en la Cathédrale de Bruxelles. La musique en étoit fort belle, et joliment jouée, avec grâce et noblesse, comme il sied." (Le Mercure François, apocryphe)

En dépit de ses ascendances vénitiennes, Fiocco naquit à Bruxelles en 1703 et connut une carrière fructueuse. Membre de la chapelle ducale de Bruxelles (dirigée par son demi-frère) dès 1726, vite promu sous-maître de cette institution en 1729 ou 30, nommé maître de chapelle de la cathédrale d'Anvers en 1731 puis maître de chapelle de la cathédrale Saints-Michel-et-Gudule de 1737 à sa mort. Malheureusement, excepté ses oeuvres de clavecin, l’on ne connaît du compositeur qu’un corpus religieux, dont la renommée dépassait le plat pays jusqu’au Concert Spirituel.

On retrouve sous la plume féconde Fiocco l’union heureuse des styles français et italiens, la fusion entre l'élégance mélodique un peu précieuse et les traits violonistiques florissants à la manière d’un Couperin, en plus moderne et galant (d’ailleurs l’influence de ce dernier est manifeste dans ses oeuvres pour clavecin). Beaucoup de nos lecteurs ne connaissent le bruxellois que pour ses trois messes concertantes (dont la belle Missa Solemnis enregistrée autrefois par Louis Devos chez Erato), ou ses Leçons de ténèbres pour soprano, il était donc temps que Nicolas Achten exhume un pan tout à fait admirable de sa production, à savoir celui des petits motets.

Le jeune chef a fait le choix judicieux de sélectionner des oeuvres d’effectifs variés, avec "l’un des nombreux motets pour soprano [Beatus Vir], l’unique pour alto [Jubilate Deo], le seul pour soprano et basse [Benedictam Dominum], ainsi que deux motets à quatre voix [Salve Regina & Libera me Domine]". La lecture se révèle naturelle, d’une richesse et d’une fluidité confondantes, faisant honneur à une écriture volubile et changeante, d’un style que nous qualifierions de "français italianisant", ce qu’accentue encore l’interprétation équilibrée et lumineuse de Scherzi Musicali et les timbres employés.

Céline Vieslet fait montre d'un soprano clair et innocent, très à l'aise dans les mélismes très ornés du premier mouvement du Beatus Vir, en dépit d'aigus étroits. Le "Gloria et divitiae in domo jus" aurait pu être plus théâtral et jubilatoire, mais cette effusion tendre et sensible, délicate et ciselée n'est pas à dédaigner. On regrette que sa consoeur Marie de Roy n'apparaisse brièvement que dans le "Libera me Domine", qui représente l'une des pièces culminantes du programme. Le timbre profond et riche, le phrasé tout en nuance, le soin apporté à la déclamation font de cette prière intense un moment dramatique et poignant. S'il fallait se convaincre que ces petits motets penchent plus vers la France que vers la péninsule, le choix de Reinoud van Mechelen se révèle révélateur, puisque le ténor aigu possède une parfaite tessiture de haute-contre à la française, une émission noble et très égale entre les registres, un sens du mot particulièrement perceptible dans le "Populus ejus et oves pascie ejus" ample, d'une amertume sereine et résignée, que le "Laudate nomen ejus" victorieux suivant ne parvient pas à effacer en dépit de sa démonstrativité brillante. Nicholas Achten, non content de diriger et de pincer du théorbe ou de l'archiluth, laisse libre court à son timbre grainé, profond et chaleureux, vibrant d'humaine fragilité, comme dans le récitatif accompagné "Venite filii audite me". Enfin, on passera brièvement sur Olivier Berten, qui hélas ne disposait guère de passages solistes propre à exposer ses atouts mais dont l'émission ferme et stable est à louer ("Dies illa"). Il faut ajouter à ce tableau une très belle cohésion des timbres, et un contrepoint d'une exemplaire clarté dans les passages choraux, tels le "Requiem aeternam" ou le "Kyrie Eleison" du Libera me Domine, d'où se détache le dessus de Céline Vieslet.

Nicholas Achten a profité du mystère entourant la pratique musicale du plat pays au début du XVIIIe siècle afin de jouer sur les combinaisons de timbres instrumentaux, composant et recomposant les textures et les couleurs. On louera les deux violons entrelacés de Justin Glorieux et Caroline Menuges, ductiles et lyriques, au ornements impeccables, de même que la poésie rêveuse insufflée par les nombreuses cordes pincées (clavecin, théorbe, archiluth, harpe), et le liant de l'ensemble qui fait rapidement oublier la modestie des effectifs employés. Les nombreux changements d'atmosphères et de tempi, le miroitement des instruments, la fervente intimité de la lecture et l'inventivité de Fiocco font de ce nouvel opus de Musique en Wallonie, après un Torri tout aussi réussi, une nouvelle et remarquable addition à une collection dont on a hâte de découvrir le prochain sentier.

Sbastien Holzbauer 13.12.2011
Les petits motets de Joseph-Hector Fiocco

Cela ne fait pas très longtemps que l’on s’intéresse à la musique du Bruxellois Joseph-Hector Fiocco, qui n’était encore connu il y a une dizaine d’années que pour ses pièces pour clavecin – excellente intégrale réalisée par Ton Koopman à la fin des années 1970… – ainsi que pour sa Missa Solemnis, déjà enregistrée à plusieurs reprises. Depuis, l’industrie discographique s’est penchée sur la musique du père, Pietro Antonio Fiocco (1654-1714), sur celle du demi-frère Jean-Joseph (1686-1746) ainsi que sur les autres compositions sacrées de Joseph-Hector, dont l’inspiration religieuse est peut-être plus personnelle que son oeuvre profane pour clavecin, manifestement très fortement influencée par l’écriture du grand Couperin.

De façon quelque peu paradoxale, ces petits motets à la française, composés pour la cathédrale Saints-Michel-et-Gudule de Bruxelles, sont en effet fortement marqués par le style italien, sans doute communiqué par le père Marco Antonio, Vénitien d’origine. On en appréciera d’autant plus leur ravissante vitalité, à l’opposé des pièces plus austères que l’on associe parfois aux contrées protestantes du nord de l’Europe. Écrits pour une, deux ou quatre voix, ces petits motets enchantent l’âme et séduisent l’esprit, enlevés comme ils sont par une équipe de musiciens à l’enthousiasme presque juvénile. Parmi les chanteurs, on retiendra tout particulièrement la soprano Marie de Roy et surtout le baryton Nicolas Achten, grand maître d’oeuvre de cette jolie réussite artistique. Jouant tour à tour du clavecin, du théorbe et de l’archiluth, sachant utiliser sa voix tout comme il sait manier la baguette, cet homme-orchestre insuffle à son ensemble sa passion pour une musique en laquelle de toute évidence il croit, et dont il sait souligner sinon le génie ou l’originalité, du moins l’excellente facture et la savante architecture. La très jolie pochette, ainsi que la qualité du texte de présentation, donnent décidément envie d’en connaître davantage sur la pratique musicale en Wallonie au cours de la première moitié du dix-huitième siècle.

Pierre Degott 07.11.2011
La Wallonie baroque

C’est avec un label peu connu en France et qui pourtant le mériterait que le jeune et talentueux Nicolas Achten nous revient en cette rentrée avec un disque enregistré en… 2009 ! Dont il serait vraiment dommage de nous priver.

L’objectif de Musique en Wallonie est de faire redécouvrir l’ensemble du patrimoine musical francophone belge. Pour cela un véritable effort est fait tant au niveau de la recherche sur le répertoire proposé que de la présentation et de la prise de son si l’on se fie à celles dont a bénéficié ce CD.
Musique en Wallonie avait à l’époque confié cet enregistrement des Petits Motets de Joseph-Hector Fiocco, à un tout jeune ensemble, Scherzi Musicali, qui n’a cessé depuis de nous surprendre et de nous éblouir.
De son vivant, la notoriété de Joseph-Hector Fiocco (1703-1741) dépassa Anvers et Bruxelles où il occupa des postes de maître de chapelle, de compositeur et organiste, puisque certains motets furent programmés au Concert Spirituel à Paris. Son corpus de musique sacrée nous est parvenu sous forme manuscrite. Face à la rareté d’information sur l’interprétation de ses oeuvres, Nicolas Achten nous en livre une vision sublimée, saisissante et éblouissante Au confluent des influences françaises et italiennes – dont était originaire par son père Joseph- Hector Fiocco – la musique de ce compositeur nous apparaît ici dans toute sa sensuelle magnificence. Son discours nous séduit par les nuances et les couleurs que nous en propose Scherzi Musicali. Les cinq motets retenus nous offre une palette aux tons pastels, mais d’où parfois encore semble surgir des clairs-obscurs.Mais ce sont particulièrement leurs traits vivaldiens qui nous bouleversent le plus comme dans le Beatus Vir où la soprano Céline Vieslet et les musiciens nous livrent une interprétation incandescente, au feu doloriste et passionnel, tout comme le Libera me Domino où la soprano Marie de Roy vient enrichir de son timbre lumineux cette pièce à la volupté frémissante et dramatique. Il faut également relever la splendeur et la souplesse vocale de Nicolas Achten. Le talent de ce jeune musicien/chanteur était déjà en 2009 bien vivant et vibrant. Enfin le timbre solaire dans le Jubilate Deo du ténor Reinoud van Mechelen est un enchantement qui vient harmonieusement compléter cette distribution.
A quatre, deux ou une voix avec un instrumentarium particulièrement soigné, à la luxuriante profusion, les interprètes nous restituent les climats et les affects de ces oeuvres avec une attention toute particulière à la fragile sensibilité de ce compositeur méconnu.
Une fois de plus Nicolas Achten et les Scherzi Musicali font preuve d’une talentueuse virtuosité. Leur jeunesse et leur enthousiasme sont des atouts précieux. Vous serez sans aucun doute ébloui par ce soin apporté au dialogue entre voix et instruments, la souplesse et le raffinement vocal de l’ensemble des chanteurs et la beauté des timbres et des phrasés, ainsi que de volupté fastueuse de l’ensemble instrumental. Il n’est jamais trop tard pour éditer et donc pour s’offrir une telle merveille.

Monique Parmentier 27.10.2011
Musiques en Wallonie met le turbo

Quarante ans, 151 productions et un rayonnement international :le label est prospère. Six nouveaux albums pour fêter son anniversaire.

(...) Le "neuf" tout d’abord. On notera un album consacré aux motets à une, deux et quatre voix de Joseph-Hector Fiocco (1703-1741, fils de Pietro Antonio), maître de chant à la cathédrale des Saints Michel et Gudule de Bruxelles, dont la musique - inédite ! - est ici confiée aux Scherzi Musicali et à son fondateur Nicolas Achten, cumulant la direction, le chant et quelques instruments.

(...) Tous ces albums bénéficient de la très belle présentation adoptée par le label depuis trois ans, contenant d’intéressantes notices musicologiques, des illustrations significatives et les textes des oeuvres chantées, traduites en trois langues. Une lacune : l’absence des biographies des interprètes, dont seuls les noms sont mentionnés.

Martine D. Mergeay 17.10.2011
Motets de JH Fiocco

Chez les Fiocco, la musique est une affaire familiale. Joseph-Hector Fiocco, bruxellois né en 1703, et trop tôt fauché en 1741, illustre le sommet artistique d'une généalogie de compositeurs émérite : le père Pietro Antonio, mort en 1714, est une figure majeure de la musique baroque bruxelloise, actif à La Monnaie, à la Chapelle Royale; son fils aîné (Jean-Joseph), demi-frère de notre Fiocco, assure à la mort du père, la suite de l'apprentissage de Joseph-Hector. Celui-ci ne tarde pas à révéler un talent exceptionnel: marqué par l'ascendance italienne (le père est vénitien), mais aussi assimilateur très original du flamboyant équilibre français.

Compositeur à Anvers (maître de chapelle de la Cathédrale dès 1731), puis à Bruxelles (maître de chant à la Collegiale Saints-Michel et Gudule à partir de 1737), Joseph-Hector laisse aux côtés de ses oeuvres théâtrales ou chambristes, nombre de pièces sacrées. Nicolas Achten en dévoile un choix remarquablement cohérent, diversifié quand à la forme: à quatre ou à deux voix, mais aussi à voix seule. Si l'instrumentarium regroupe uniquement les cordes, Scherzi Musicali sait caractériser chaque motet en variant les climats, s'appuyant particulièrement sur la grande richesse formelle d'un Fiocco d'une rare éloquence métissée, entre l'Italie et la France. Basse de violon ou violoncelle, orgue obligé et deux violons composent le continuo auquel Scherzi Musicali, en ensemble soucieux des couleurs et de la variété poétique, ajoute les cordes pincées (théorbe, archiluth, harpe, clavecin): le jeune directeur musical chante tout en jouant les instruments car il faut le voir sur scène, vivre la musique, en partager la passion avec ses partenaires, vers le public. Au final, c'est une peinture palpitante du mot et des accents fervents qui ne manquent pas de subjuguer.

L'engagement des jeunes interprètes, pour trouver les justes accents, séduit immédiatement: à la cohésion d'ensemble répond les voix typées, plus individuelles des solistes très séduisants. La voix mâle et rayonnante, si justement timbrée, idéalement projetée du directeur artistique de Scherzi Musicali, Nicolas Achten (Et Jesum Benedictum du Salve Regina) se distingue : quel superbe Orfeo montéverdien il ferait (en projet?); elle est même d'une fragilité troublante propre à exprimer au plus juste la précarité du genre humain: c'est l'apport spécifique de son chant intérieur dans l'admirable In Domino laudabitur du Benedicam Dominum (à la fois serein et tendre). Louons aussi l'impeccable élocution de la soprano Marie de Roy, autre interprète bouleversante en particulier du Libera me Domine, véritable motet italien vivaldien d'esprit, d'un dramatisme intense et lumineux. Enregistré en octobre 2009, le programme dévoilait alors une formation récente pleine de promesses, irrésistible par sa jeunesse franche, son désir de liberté et d'inventivité, qui plus est, au service d'un musicien des Pays Bas méridionaux, absolument attachant: ses motets ont été joués jusqu'à Paris, suscitant un immense succès au Concert Spirituel au tournant des années 1750 (quand l'engouement pour les Italiens était alors à son comble). Superbe révélation.

Le prochain cd de Scherzi Musicali est annoncé début 2012: La Catena d'Adone de Domenico Mazzochi.

Benjamin Ballifh 16.10.2011
Nicolas Achten, un talent de troubadour

Nicolas Achten n'est pas un musicien comme les autres. D'emblée, il suit un double cursus scolaire : le chant d'une part (il a une voix de baryton), le clavecin, le luth et la harpe ensuite. De là lui vient naturellement l'envie de chanter la musique ancienne en s'accompagnant lui-même, un peu à la manière d'un troubadour ou, plus près de nous, d'un chanteur de folk song. Passant à une vitesse supérieure, il fonde l'ensemble Scherzi Musicali au départ des instruments de la basse continue.

La part belle à l'improvisation

Le chant en musique ancienne fait traditionnellement l'objet d'un accompagnement qui fait la part belle à l'improvisation : c'est la basse continue qui produit cet accompagnement, un peu comme le fait la section rythmique d'un orchestre de jazz.

L'ensemble Scherzi Musicali, Nicolas Achten le dirige régulièrement à partir d'un de ses instruments, mais il n'hésite pas aussi à chanter en dirigeant son ensemble. « Je le fais avec des musiciens que je connais bien et qui comprennent que le rapport à la basse continue demeure le moteur de la musique que nous faisons. En fait, on fusionne beaucoup nos idées, de sorte que l'on pourrait presque dire que tout le monde dirige un peu », explique-t-il.

Ce talent original se fait vite remarquer : lauréat du Concours de chant baroque de Chimay en 2006, artiste classique des Octaves de la Musique 2009, Prix du Jeune Musicien de l'année 2010 décerné par l'Union de la presse musicale belge.

Cet été, Nicolas dédie un programme à Joseph-Hector Fiocco, le fils du premier directeur de la Monnaie, issu d'une famille de musiciens vénitiens installés à Bruxelles. Au programme, trois petits motets (Beatus vir, Jubilate Deo et Benedicam Dominum) : des pièces religieuses pour voix solistes et petit ensemble instrumental, écrites dans le style versaillais. Un autre Belge, Henry Du Mont, en sera un des grands spécialistes sous Louis XIV. Avec Fiocco, nous sommes par contre en plein 18e siècle.

« En fait, il combine les deux genres, précise Nicolas Achten. On retrouve le style français qui fait partie de sa formation, mais il le pimente avec l'héritage du passé vénitien de sa famille. Du coup, on a l'impression d'entendre à la fois du Charpentier et du Vivaldi. Le comble demeure qu'un naturel évident se dégage de ce mélange des genres. Au point que mes musiciens ont parfois cru reconnaître une musique qu'ils connaissaient déjà. Or il n'en est rien : ces musiques proviennent du premier fonds de Sainte-Gudule déposé au début du XXe siècle à la Bibliothèque du Conservatoire. Mis à part un petit détour par Anvers, notre Fiocco fut en effet successivement vice-maître et maître de chapelle à Sainte-Gudule. »

La curiosité d'Achten est toujours en éveil. S'il aborde prochainement à Tournai le fameux Stabat Mater, de Pergolèse, c'est pour le rapprocher du Salve Regina, de Scarlatti, et retrouver les sources musicologiques en fait d'effectif. « En fait, je crois que c'est une erreur que d'avoir une partie d'alto dans l'orchestre », dit-il. Achten se produira aussi en solitaire dans des airs de cour français pour la section gantoise du Festival des Flandres et, à la Bibliothèque royale dans des cantates à deux voix de Steffani, un compositeur italien qui mena l'essentiel de sa carrière en Allemagne.

Le jeune musicien est tout aussi actif au disque. Outre l'enregistrement des petits motets de Fiocco dont la sortie est imminente, les Scherzi Musicali ont aussi gravé le premier opéra romain, une Catena d'Adone, de Domenico Mazzochi qui a ouvert le théâtre des Barberini et qui est annoncé en 2012 chez Alpha.

Serge Martin
Le Soir 09.08.2011
Dido & Aeneas, Purcell
<b>Musical director Nicolas Achten has enough shades with a chorus of four voices</b>

The Rotterdam Operadagen Festival began with an exceptionally successful Dido and Aeneas. On the Theater Square, a giant apple refers to the forbidden fruit - and with a small jump - paradise lost, the theme of the festival. Within the confines of the theater the motto is shaped of Henry Purcell's opera about heroes who conquer the world but ultimately prove to be only men, in all their vulnerability. <br/> <br/> In the room of the royal widow, Dido sits under a single light. Anonymous men and women walk mechanically back and forth across the stage, putting chairs down and picking them up again as an infinite repetition of a liveliness which has lost all meaning in light of Dido's sorrow. A dead tree stump is the only decoration in the sober image. Subtly, it is featured alongside Dido, as a finished companion. The queen has her mantle exchanged for a robe. At a kitchen table, she sits quietly suffering. <br/><br/> The American designer and director Timothy Nelson brings the show close to the public. From the audience you can see the musicians of the Flemish ensemble Scherzi Musicali, the gamba, recorder and theorbo, playing. You can almost touch Rosanne van Sandwijk (Dido) and Olivier Berten (Aeneas). Nelson's merit is that he does not let the drama choke on one dimensional grief. Anno 2011 Dido swigs her antidepressants like Russians their vodka. After use, she throws the bottle over her shoulder. As Aeneas, her adored hero, enters in a dull gray suit, the contrast between Dido's text and his appearance works to be somewhat laughable. <br/> <br/> The 17th-century Purcell, as a psychologist avant la lettre, meticulously recorded the various voices in the head of a woman who, after losing her loved one, sinks into her grief, which also has a dark side. Musical director Nicolas Achten has enough shades with a chorus of four voices and a small ensemble to provide warm weathered colors. <br/><br/> Rosanne van Sandwijk sets Dido's suffering subtly, with small gestures and nuances in a voice that seeks out her role nicely. Her dark side is a bit under emphasized, but the end is crushingly beautiful. Dido lets her robe slip from her shoulders and vulnerably sings her lamentation barefoot in a white shirt. Slowly she steps off the stage and walks into the hall. Down the aisle she disappears and dissolves into nothingness.

Beta Luttmer
Volkskrant 21.05.2011
Dido & Aeneas, Purcell
<b>Kwestbare Dido opent Operadagen R’dam</b>

Met een fraaie Dido and Aeneas heeft Operadagen Rotterdam vrijdagavond zijn zesde editie geopend. Klein en authentiek bezet, verrassend geregisseerd en vooral ontroerend kwetsbaar vertolkt …De voorstelling van regisseur Timothy Nelson en dirigent Nicolas Achten staat meteen. Je voelt dat er, ondanks de complexe thema’s die in en onder het verhaal en de muziek zitten, bij de makers een grote gedecideerdheid is over hoe ze hun versie willen vormgeven. Muzikaal leider Achten heeft jarenlang zorgvuldig de partituur en de bezetting bestudeerd. Hij heeft hele uitgesproken keuzes gemaakt voor verklanking en bezetting van het werk. Het jonge orkest, Scherzi Musicali, is met acht musici heel klein bezet. Het koor heeft één zanger voor elke stem. Met die kleine, authentieke invulling van het muzikale deel gebeurt er in de orkestbak al het nodige – transparant en authentiek. Je hoort alles. Zo kiest het orkest in de ouverture voor een zeer snel tempo, terwijl de meeste aria’s gedragen worden gebracht, geïnstrumenteerd met barokgitaar en slechts twee violen.

Francois van den Anker 21.05.2011
Dido & Aeneas, Purcell

‘Eigenlijk is de rol van Aeneas in deze opera heel ondankbaar,’ zei de oudere dame naast ons.
Blijkbaar had ze het gesprek tussen mijn beste vriend en mij gehoord.
‘Hoezo dat,’ vroeg hij daarop.
‘Ik heb de opera vroeger ook wel eens gezongen,’ lachte ze, ‘de acteur die Aeneas speelt komt maar een paar keer op. Uiteindelijk draait het om Dido.’

Dat was te zien. Het leek mij wel van belang, want hij is tenslotte de man door wie de koningin van Carthago in verwarring raakt. Door wie de stad ten onder gaat, want Carthago werd geen nieuw Troje.

‘Ach,’ begon ik, ‘als je dan per se meer spannende avonturen van Aeneas wilt, lees je gewoon boek V tot en met XII van de Aeneïs.’

Grappend en grollend lopen we de trap af, richting de Hal van de Rotterdamse Schouwburg. Het is er druk, maar vooral bij de tafel met drankjes ter ere van de openingsvoorstelling. Met een appel op een stokje sluiten we aan voor een rode wijn en een biertje. Vervolgens schuifelen we de volle Hal in, zoekend naar een plek om ons drankje te nuttigen.

De volgende ochtend analyseer ik de kameropera met koffie. Een kort drama over de toevallige liefde tussen twee ‘vreemdelingen’ die gedoemd is te mislukken. Geheel volgens de voorspelling van de tovenares. Het was een mooie voorstelling, met een dubbelrol van Dido en de tovenares voor hoofdrolspeelster Rosanne van Sandwijk. Toch was zij niet de echte ster van het stuk. Zelfs tijdens het nagesprek had iedereen het eigenlijk over iemand anders.

Ik haal de synopsis uit mijn tas en lees dat de muzikale leider Nicolas Achten maar liefst drie instrumenten voor zijn rekening nam. Hij kende als enige van het orkest de zeventiende-eeuwse muziek uit zijn hoofd en dirigeerde zonder bladmuziek. Dat was, als ik eerlijk ben, net zo indrukwekkend - zo niet indrukwekkender - dan het stuk dat toewerkt naar de fabelachtige zelfmoord van Dido. Uiteindelijk loopt ze naar het licht toe. Ik open mijn raam en probeer de ochtendzon te zien, maar nu al ben ik verblind.

Renato Proper 21.05.2011
Dulcis Amor Iesu - Giovanni Felice Sances

סנצ'ז: "דולצ'יס אמור יזו", מוטטים לקול אחד, לשניים, לשלושה ולארבעה קולות – סקרצי מוזיקלי; ניקולס אכטן (ריצ'רקר RIC 292). לג'ובאני פליצ'ה סנצ'ז היתה קריירה מפוארת כזמר ומלחין. בעשור האחרון של חייו, עד 1679, היה המנהל המוזיקלי בחצר הקיסר האוסטרי. בראשית המאה ה־18 עדיין השמיעו את יצירותיו, אבל בהדרגה הן נזנחו. לא בגלל איכות המוזיקה, אם להעריך על פי הדיסק המצוין הזה. לצד ביצוע של בריטון ל"סטבט מאטר" – היצירה היחידה שכן מושמעת הרבה – יש כאן מקבץ מרשים של מוטטים עם צירופי קולות מרהיבים וליווי כלי צבעוני. הקלטה מצוינת.

« Dulcis amor Iesu », motets pour une, deux, trois et quarte voix. Ensemble Scherzi Musicali, direction Nicolas Achten (Ricercar RIC 292) Giovanni Felice Sances eu une magnifique carrière de chanteur et de compositeur. Dans la dernière décennie de sa vie, jusqu'en 1679, il fut le directeur musical de la cours impériale d'Autriche. Ses oeuvres ont été jouées jusqu'au XVIIIè siècle puis progressivement abandonnées, mais pas à cause de la qualité de sa musique si l'on en juge par cet excellent CD. Pièce maîtresse, le Stabat Mater pour baryton est entouré de petits motets où la combinaison des voix et l'accompagnement instrumental sont d'une couleur vibrante.

Amir Mandel 13.01.2011
"La Catena d'Adone", opéra de Domenico Mazzocchi
<b>Festival Baroque de Pontoise<br> Théâtre Roger Barat, Herblay<br> 16 octobre 2010</b><br><br> Après deux disques qui ont fait sensation, Nicolas Achten et son ensemble Scherzi Musicali étaient invités pour la toute première fois en Île-de-France, à l'occasion de l'avant-dernier week-end du Festival Baroque de Pontoise. Une fois de plus cette invitation montre combien le festival continue, grâce à la personnalité de son directeur Patrick Lhotellier, d'être l'un des plus audacieux, alors qu'il fête ses vingt-cinq ans d'existence. Toujours prêt à se renouveler, il permet de découvrir de jeunes ensembles peu connus du public qui osent défendre des oeuvres non inscrites au répertoire.<br> Ainsi Nicolas Achten, qui n'a que vingt-cinq ans : dès la naissance de son ensemble, il fait preuve d'une véritable personnalité artistique. Cet interprète talentueux présente au public français une oeuvre quasi méconnue de tous. <br><br> La Catena d'Adone, premier opéra romain de Domenico Mazzocchi (1592-1665) est une invitation au songe. Avec sensibilité il exprime les troubles, peines et joies des amours partagés ou non. À L'infini désir d'un autre monde, thème du festival, cette oeuvre répond par sa délicatesse et la sen-sualité de ses mélodies très courtes exprimant les affects en clair/obscur ambrés. Créé en 1626, donc à l'aube de l'histoire du genre, cette oeuvre conte une intrigue plutôt simple. Adonis aime Vénus mais doit fuir la colère de Mars, son époux légitime. Il trouve refuge en une forêt où la magicienne Falsirena tombe éperdument amoureuse de lui et tente tout ce qui est en son pouvoir pour le garder, maléfices et supercheries compris. Elle n'hésite pas à prendre l'apparence de Vénus, mais Adonis lui reste insensible et retrouve la vraie déesse de l'Amour à la toute fin de l'opéra. <br><br> N'ayant jamais fait l'objet d'un enregistrement complet, La Catena d'Adone n'a, depuis le XVIIe siècle, connu que deux représentations par le Concerto Palatino, en 1999. Porteur enthousiaste de projets hors du commun et d'au-tant plus précieux, on ne peut que regretter que Nicolas Achten ne bénéficie que d'une courte tournée (Gand, Bruxelles, Herblay) pour dévoiler toute la magie qui en émane. Bénéficiant d'une mise en espace raffinée de Peggy Thomas et des éclairages subtils et recherché de Guillaume Fromentin, l'oeuvre présentée par le jeune chef nous emporte en un monde fantasmagorique à la douce luminosité. <br><br> Nicolas Achten possède tous les dons : chercheur, chanteur et musicien, il joue de plusieurs instruments (théorbe, harpe, clavecin) avec talent ; sa direction favorise une réelle complicité entre les interprètes. Échanges de regards et sourires permettent de se libérer des carcans. Il s'est entouré d'une troupe homogène de jeunes chanteurs possédant chacun une belle identité vocale. Tous connaissent leur rôle par coeur. Aucune partition entre les mains ne vient rompre la magie du théâtre. <br><br> Deux d'entre eux ont particulièrement retenu toute notre attention. Dans le rôle d'Adonis, le ténor - mais ici plutôt haute-contre - Reinoud Van Mechelen campe un jeune dieu sentimental à la séduction italianisante et solaire. Dans le rôle de la magicienne, Luciana Mancini fait preuve d'abattage et son timbre cuivré, proche du bas dessus, fait vivre toute la palette des émotions de Falsirena. Notons également le très joli soprano acidulé de Catherine Lybaert dans le rôle de l'Amour. <br><br> Côté orchestre, chaque personnage trouve sa voix instrumentale. Pour Falsirena, la harpe de Nicolas Achten possède des charmes ensorcelants. En duo, en trio ou en ensemble, les instrumentistes créent un continuo particulièrement riche qui envoûte. Soulignons la présence claire et cristalline de l'épinette, de trois théorbes et d'une guitare qui, en plus de la harpe, permettent de jouer sur les couleurs et les nuances d'une oeuvre où tout participe à l'onirisme musical. Un enregistrement de ce chef-d'oeuvre est prévu par ces talentueux interprètes (Alpha).

Monique Parmentier
Anaclase 18.10.2010
Julien Libeer ‘jonge musicus van het jaar'
De 23-jarige West-Vlaamse pianist Julien Libeer is door een vakjury van recensenten gekozen tot jonge musicus van het jaar. De Vereniging van de Belgische Muziekpers selecteerde voor het Franstalige landsgedeelte ook <strong>Nicolas Achten</strong>, luitspeler en dirigent. De jonge musici krijgen een concert in Bozar aangeboden. (...)

De Standaard
De Standaard 09.10.2010
A varázslónő és Vénusz harca Adoniszért
<b> A Scherzi Musicali nevű belga régi zenei együttes nagy sikerű koncerten mutatta be múlt héten Belgiumban, Gent városában Domenico Mazzocchi 17. századi, itáliai barokk operaszerző egyetlen fennmaradt daljátékát, az Adonisz láncát.<br> Az előadáson Szigetvári Dávid, a fiatal magyar tenorista is énekelt. </b><br><br> A bájos flandriai városban egy gótikus kórházépületet építettek át koncertteremmé: a De Bijloke Muziekcentrum furcsán ötvözi a hangulatos, késő középkori stílust a letisztult, minimalista modernséggel. Elegáns és kevésbé jól öltözött, nagyrészt helybeliekből álló közönség gyülekezett az aulá­ban, az itthon megszokott pezsgőzés helyett azonban – természetesen – söröztek az emberek. A Scherzi Musi­cali fiatal zenészekből áll, vezetőjük az őrület határát súroló zsenialitással bíró Nicolas Achten: csupán 25 éves, de hárfán, lironén, csembalón játszott, valamint énekelt is. Csodás, hogy ennyifelé képes figyelni, és még a zenekart is kézben tartja. Maga az opera a kor bevett témáinak egyikét, a görög mitológiát dolgozza fel: az 1626-ban Rómában bemutatott La Catena d’Adone Vénusz kedvese, Adonisz egyik történetét meséli el, amelyben a Mars isten elől menekülő szépfiú egy varázslónő környékére téved: Falsirena jól belé is szeret, és egy láthatatlan lánccal köti őt magához, majd Vénusznak adja ki magát, de végül az igazi istennő eljön, és kiszabadítja szerelmét. A darab különleges értéke, hogy itt jelent meg határozottan a recitativo és az ária közötti különbség, a zenetörténészek szerint ez a daljáték fontos állomás az opera műfajának fejlődésében. A későbbi barokk operák gyors bravúráriái ebben a műben hiányoznak, de nem is baj: a lírai, gondolkodó dalokat szintén fiatal, rendkívül tehetséges énekesek adták most elő Gentben, közülük kiemelkedik Merel E. Kriegsman, aki Vénusz szerepében egészen csodásat mutatott. Hajlékony, kristálytiszta hangjának magasságai, karcsú alakja és szépsége nagy jövőt jósolnak neki. A címszerepet Reinoud Van Mechelen alakította: különleges, még nem kontratenor hangja – amelyet a barokk zenében haut-contre-nak neveznek – magasabb a megszokott tenornál, igen érdekesen és szépen hangzik . Az Apollót és az egyik pásztort játszó Szigetvári Dávid (vele készült interjúnkat lásd: Beszippantott a barokk, Magyar Hírlap, 2010. szeptember 6.) kitűnően énekelve és élő játékkal hozta a történteken lamentáló istenséget, valamint a pásztorlányok-pásztorfiúk karának évődő tagját. S tulajdonképpen nem is hiányoztak a díszletek: a félig szcenírozott előadáson jó háttér volt a zenekar, elég volt pusztán a színészi játékkal érzékeltetni az egyébként sem túl bonyolult történetet

Zsiray-Rummer Zoltán 04.10.2010
Sances enfin de retour : magnifique !
<b>Nicolas Achten, béni des muses, est un artiste complet qui sait non seulement découvrir des partitions splendides mais aussi s’entourer de musiciens partageant sa fine musicalité pour offrir un double plaisir : la découverte de nouvelles oeuvres et la splendeur de l’interprétation. Son précédent dique avait eu le même double effet et son Euridice de Caccini reste dans les mémoires comme un joyau. Ici le compositeur choisi n’est pas totalement inconnu et toutes les pièces enregistrées ne sont pas des premières mondiales. Mais comme ce concert est beau ! </b><br><br> Giovanni Felice Sances, romain de naissance, a gagné les faveurs de la cour de Vienne où il a été très estimé, nommé d’abord Vice-Kappelmeister puis Kappelmeister. Aussi à l’aise dans les compositions profanes que sacrées son oeuvre est immense. Le choix de Nicolas Achten se porte sur des motets qui sont aussi séduisants que des pièces profanes et doivent beaucoup aux opéras composés par Sances. Les airs solistes, les duos, trios, quatuors s’enchaînent avec un art de la diversité et de l’alternance allant du charme à l’émotion la plus grande. br><br> Ce qui frappe dès le premier duo baryton-ténor Iubilent in coelis, mais sera encore plus audacieux dans Salvum me fac, c’est la suavité que le mariage des timbres permet sur le support si souple des instruments. Le ton est donné d’emblée : tout n’est que beauté, délicatesse et subtilité dans cet enregistrement. Les interprètent partagent tous, instrumentistes et chanteurs, la même passion pour la recherche d’une douce harmonie. Voix naturelles qui semblent faciles avec une pointe d’acidité bienvenue chez les dames et beaucoup de rondeur chez les messieurs. Le sommet de l’émotion est offert dans un Stabat Mater Dolorosa pour voix seule (Nicolas Achten y arracherait des pleurs aux bêtes sauvages tel Orphée). La virtuosité vocale la plus débridée comme à l’opéra est aussi exigée par instants. Le Salve Regina à quatre voix est si bien construit qu’il semble ouvrir vers une vocalité infinie faite de grandeur et de noblesse. br><br> Les instruments soutiennent le chant, à la fois continuo et éléments de ritournelles. La harpe apportant une touche de poésie particulière. Mais le maître mot pour caractériser cette musique est la souplesse. C’est presque une musique de danse avec des rythmes de ciaconna et de barcarolles. br><br> Cet enregistrement est à marquer d’une pierre blanche comme l’un des plus beaux depuis longtemps dans le répertoire de cette époque en raison de la découverte de nouvelles oeuvres sacrées dans une interprétation superlative. La prise de son est de toute première qualité et le texte accompagnant la riche présentation est de grand intérêt.

Jean Lefranck 24.08.2010
Une musique à se damner
Les motets de Giovanni Felice Sances, ressemblent à tout sauf à l’idée qu’un esprit contemporain pourrait se faire de la musique d’église. L’austérité, la gravité, ne sont pas de mise dans ses compositions. Car il y met en oeuvre le principe essentiel de la Contre – Réforme : séduire le pêcheur corrompu en lui faisant entendre une musique céleste voluptueuse, lui apportant la félicité éternelle. <br><br> Pour leur second enregistrement, Nicolas Achten et les Scherzi Musicali, nous proposent de redécouvrir un compositeur dont la postérité n’a retenu bien injustement que le Stabat Mater qui nous est également proposé dans ce programme. Et disons le tout de suite ce CD comme le précédent, l’Euridice de Caccini (Ricercar), est une belle réussite. <br><br> Issu d’une famille de chanteur, Giovanni Felice Sances nait à Rome au début du XVIIe siècle. Dans une période en quête d’harmonie, sa musique reflète un goût pour une beauté à la luxuriance apaisante et caressante. Une musique à se damner, si elle n’avait l’alibi de la sainteté. Il n’est que d’entendre le Iubilent in Caelis qui ouvre ce CD pour s’en convaincre. Un motet jubilatoire, où les voix et le continuo, nous font découvrir dès les premiers instants le bonheur et la jeunesse de ces oeuvres qui semblent nous inviter à danser. Si Sances fit presque toute sa carrière d’abord comme chanteur (ténor) puis compositeur à la cour de Vienne, il trouve la source de son inspiration dans tout ce substrat de l’opéra naissant en Italie. <br><br> Ce que l’on ressent fortement dans Dulcis amor Iesu, où sous une apparente simplicité, l’éloquence du verbe laisse sourdre les affeti. Merveilleusement rendu par les couleurs avec lesquelles Nicolas Achten, orne ce motet, il en devient une véritable aria, à l’intense expressivité théâtrale. Et dans Vulnerasti cor meum, c’est la mélodie qui nous saisit. Elle n’est pas sans nous rappeler Pur ti miro, pur ti godo... de Monteverdi ! Arrivant juste après le Stabat Mater dolorosa, il libère une émotion quasi intime tant l’expression de la douleur est celle de ces larmes baroques que les doigts des harpistes et du théorbiste semblent recueillir. Elles osent s’abandonner en s’écoulant à l’extase de la blessure. Rose mystique qui libère ses parfums, la musique de Sances dévoile un érotisme liturgique, où l’amour charnel et spirituel se rejoignent. <br><br> En choisissant d’enregistrer la pièce la plus connue et la plus enregistrée de Sances, le Stabat Mater Dolorasa, Nicolas Achten toutefois n’a pas hésité à en proposer une version pour baryton (alors qu’elle est normalement prévue pour ténor), nous entraînant dans une version abyssale dramatique d’un chagrin que rien ne semble pouvoir soulager. Le dolorisme sculptural du timbre et du continuo, efface les larmes pour mieux maintenir sur un fil ténu une espérance improbable. <br><br> Tout ici ou presque est splendide. Les oeuvres, le continuo et les voix masculines. On peut tout au plus émettre quelques réserves sur les sopranos. Encore un peu jeune, leur timbre est légèrement piquant. <br><br> Mais quelle belle réussite, lorsque les voix et les musiciens rendent ainsi avec une telle sensibilité la poésie d’une musique aussi envoutante. La direction de Nicolas Achten souple et claire, s’attache à nous faire entendre, la douce et tendre luminosité de ces oeuvres. Ses compagnons musiciens, embellissent le continuo de lignes et de traits d’une infinie émotivité. Entre les instruments de l’ombre (orgue, lirone) et de la lumière (théorbe ou harpes), de la joie et de la gloire (cornets) ou des larmes (violon) tout ici est d’un équilibre à la rare délicatesse.

Monique Parmentier
Muse Baroque 11.03.2010
Jonge musici van het jaar
Al kers op de taart speelden twee nieuwe 'Jonge musici van het jaar' een kort concertje. Het gaat telkens om een Vlaams en Franstalig musicus, geselecteerd door een jury van recensenten, die later op jet seizoen een concert krijgen aangeborden bij Bozar en een jaar lang actief gepromoot worden in het andere landsgedeelte. Aan Franstalige kwam dit naar de zanger, luitspeler en dirigent <strong>Nicolas Achten</strong> uit de bus (een interview met hem verscheen al in <i>DM 21/10/08</i>), aan de Vlaamse kant de pianist Julien Libeer.

Stephan Moens
Giovanni Felice Sances - Dulcis Amor Iesu – Ricercar
Le Romain Giovanni Felice Sances (1600-1679) fut Kapellmeister de la Chapelle Impériale de Vienne de 1669 à sa mort. Outre des chansons, des messes et des oratorios, il a composé de nombreux motets à une, deux, trois et quatre voix. Ce CD en présente huit: sept du premier livre et un Stabat Mater issu du second. Une musique ample et naturelle où s’affirme un sens mélodique remarquable. Sous la direction de Nicolas Achten, le Scherzi Musicali interprète ces pages méconnues avec un souci d’exactitude et une fidélité à l’écriture du Viennois d’adoption qui nous valent quelques moments de pure émotion.

Double Clic
Double clic 01.03.2010
Sances : Duclis Amor Iesu
Giovanni Felice Sances (ca.1600-1679) wirkte seit 1637 unter den Kaisern Ferdinand II., Ferdinand III. und Leopold I. als Tenor und Komponist in der kaiserlichen Kapelle in Wien. 1649 wird er deren Vizekapellmeister und ab 1669, als Nachfolger Bertalis, schließlich deren Kapellmeister. Zu hören ist hier eine abwechslungsreiche Auswahl mit Motetten zu ein bis vier Stimmen aus dem umfangreichen Oeuvre des Komponisten. Mit der Ersteinspielung von Caccinis Euridice hat das Ensemble bereits eine beeindruckende und vielversprechende Visitenkarte hinterlassen. Die hier vorliegende zweite Produktion bestätigt rundum die großen Erwartungen, die man in die jungen Musiker gesetzt hat.

Amazon 01.03.2010
Dulcis Amor Iesu. Motetten van Giovanni Felice Sances. Scherzi Musicali o.l.v. Nicolas Achten. Ricercar
Nicolas Achten moet met zijn 25 jaar de jongste dirigent zijn in oude-muziekland, maar dat is niet te horen aan zijn tweede cd, die aan Monteverdi's Venetiaanse tijdgenoot Giovanni Felice Sances gewijd is. <br><br> Achten put hoorbaar uit het receptenboek van zijn lerares Christina Pluhar - u hoort de grote, zonnige contrasten en de veelkleurige continuo - maar zijn aanpak is geraffineerder en minder gezocht dan die van haar. Dat heeft te maken met de ongekunstelde retorische efficiëntie van deze jonge maestro. <br><br> Het titelmotet Dulcis amor Iesu laat je bijvoorbeeld sprakeloos achter. Voorts is er ook nog het geconcentreerde en opwindende spel van de snaarinstrumenten, en vooral de harp van Sarah Ridy. Een aanrader! SGR

De Standaard, SGR
G.F. Sances : "Dulcis Amor Iesu" (5 diapasons)
Giovanni Felice Sances est loin d'occuper la place qu'il mérite dans nos concerts. Né Romain, il gagna Vienne en 1637, après un détour par Venise où il participa à l'aventure des premiers théâtres lyriques payants. Dès lors, il n'a plus quitté la cour des Habsbourg, où il semble avoir bénédicié d'une situation privilégiée à la fois comme chanteur virtuose, et pour avoir produit une oeuvre passionnante pour l'église (messes, motets, oratorios ou sepolcri), la chambre et la scène (opéras dans le sillage de Cavalli). <br><br> L'ensemble Scherzi Musicali a concentré son programme sur le premier livre de motets (pubilé en 1638, l'année du Livre VIII de madrigaux de Monteverdi), mais n'a pas pu résister à la tentation de l'hypnotique Stabat Mater déjà enregistré par Kiehr, Jaroussky et récemment Carlos Mena. Un foisonnement d' affetti charme notre ouïe et nos sens, entre extase et jubilation, mouvement et contemplation. Citons entre autres plaisirs dévots, la sensualité du Vulnerasti cor meum, si proche du duo final du Couronnement de Poppée, ou l'épanchement frémissant de O Iesu mi dulcissime, abordé dans l'esprit de la fameuse Romanesca du Livre VII du Crémonais. <br><br> Nicolas Achten fait valoir comme baryton une riche palette de nuances (le Stabat Mater précité). Disciple de Christina Pluhar, cet artiste a un évident projet expressif, nourri de l'esthétique baroque dont il semble connaître tous les détours (don du texte et de la nobile sprezzatura, entre autres). Le bilan se fait plus mitigé chez ses camarades, avec un ténor moins assuré et deux sopranos qui alternent l'excellent (précisément le O Iesu mi dulcissime) et le fragile. Mais pour l'essentiel, Sances revit et rayonne ici, avec la caution d'un instrumentarium sensible et diversifié.

Roger Tellart Diapason, n° 578, Mars 2010
Original y deslumbrante
Maestro de la capilla imperial, Giovanni Felice Sances (c.1600-1679) se presenta aquí como un hábil manejador del concierto vocal típico del siglo XVII. Son piezas para 1, 2, 3 y 4 voces con acompañamientos diversos que Nicolas Achten y su joven conjunto Scherzi Musicali interpretan de forma por completo deslumbrante. La frescura de los cantantes, la riqueza de los timbres del continuo y el detallismo de unas recreaciones impecablemente ajustadas a estilo y a la retórica de la época producen un efecto de prodigioso encantamiento.

Diario de Sevilla 27.02.2010
Nicolas Achten chante Sances: état de grâce
Jeune directeur du tout aussi jeune ensemble Scherzi Musicali, le Bruxellois Nicolas Achten n'est pas seulement un excellent baryton et un instrumentiste doué. Il appartient à cette génération montante de "nouveaux baroqueux" capables de se détacher de leurs illustres prédécesseurs par une vision personnelle et séduisante du XVIIe siècle déjà maintes fois exploré. Après un premier (et brillant!) CD consacré à l'Euridice de Giulio Caccini, voici donc "Dulcis Amor Iesu", qui ravive les motets de Giovanni Felice Sances. Compositeur prolifique et ténor apprécié, ce Romain né vers 1600 fit l'essentiel de sa carrière à VIenne, où il succéda comme Kapellmeister à Bertali. ses nombreux motets séduisirent d'autant plus que la cour des Habsbourg que celle-ci, très sensible à l'influence italienne, se voulait un bastion de la contre-réforme catholique. Les oeuvres reprises ici n'est sont pas toutes à leur première parution. Mais avouons un vrai coup de coeur pour cette version à la dynamique parfaitement sculptée. Original : le "Stabat mater" a droit à la voix de baryton de Nicolas Achten, et non pas, comme souvent, à une voix de femme. L'ensemble vocal coule d'une bien belle eau et l'articulation des textes est servie par une orchestration subtile et précise. Celle-ci n'en enlève rien à l'austérité du propos, mais lui cisèle bien davantage qu'un décore sonore, une vraie trame dramatique.

L'Echo, St.R.
Musique des sens
<span class="gris">Musique des sens</span><br /> <div align="justify"> <br /> Etant chanteur et tr&#232;s bon soliste, <strong>Nicolas Achten</strong> directeur musical des <em>Scherzi Musicali</em> nous offre une &#233;vocation incarn&#233;e de l'&#233;criture souvent extatique de Sances, compositeur majeur de la Cour imp&#233;riale Viennoise du XVII&#232;. Les Motets s&#233;lectionn&#233;s y gagnent un surcro&#238;t de finesse et de vivacit&#233;...<br /> <br /> Effusion des Saint jubilants au ciel (chant&#233; &#224; deux voix d'une m&#226;le sensualit&#233; t&#233;nor/baryton que n'aurait pas reni&#233; l'auguste Monteverdi lui-m&#234;me); extase mysticolanguissante du <em>Dulcis amor Iesu</em> &#233;nonc&#233; avec une belle autorit&#233; virile par Nicolas Achten... Tout ici est le fruit d'une &#233;criture subtile et articul&#233;e, dont les vertiges sensuels (m&#233;lismes innombrables) m&#234;lent ferveur active et p&#226;moison des sens. <br /> <br /> La jeune &#233;quipe de chanteurs et instrumentistes r&#233;unis autour du baryton et directeur musical <strong>Nicolas Achten</strong> s'entend &#224; merveille dans l'expression caressante et recueillie des <em>Motets</em> de Sances. Disciple de Christina Pluhar qui d'ailleurs lui a fait entendre et d&#233;couvrir Sances, Nicolas Achten s'impose disque apr&#232;s disque tel le nouveau pilier de l'interpr&#233;tation baroque actuelle. Ecoutez les spasmes tenus et la ductilit&#233; expressive (de surcro&#238;t intelligible) du <strong>Stabat Mater dolorosa</strong>: le chanteur "ose" une version pour baryton (mais avec l&#233;gitimit&#233; si l'on se r&#233;f&#232;re &#224; la pratique de l'&#233;poque et l'interchangibilit&#233; des tessitures vocales). Il s'y montre soliste de premier plan, sur les traces d'un Sances lui-m&#234;me chanteur (mais t&#233;nor). Sens du texte, articulation vari&#233;e, couleurs et projection, &#233;galit&#233; des registres dans le grave et l'aigu, gestion de la tension et de l'arche dramatique du texte... confirment le talent de l'interpr&#232;te, qui outre le chant, ma&#238;trise aussi le th&#233;orbe, le clavecin, la harpe triple...<br /> <br /> M&#234;me le baryton Olivier Berten rel&#232;ve le d&#233;fi de l'&#233;criture ornement&#233;e d'un Sances d&#233;licieusement inspir&#233; par la figure adorable de l'Enfant et de Marie (duo <em>salvum me fac o bone Iesu.</em>.). Moindre enthousiasme pour le t&#233;nor Reinoud Van Mechelen &#224; l'articulation moins s&#251;re et pour les deux sopranos, moins palpitantes que leurs partenaires chanteurs: timbre pinc&#233; voire aigre, mis &#224; nu dans <em>Domine ne memineris.... </em><br /> <br /> L'ensemble n&#233;anmoins s'ing&#233;nie &#224; varier et &#224; caract&#233;riser instrumentalement (tr&#232;s beau continuo) et vocalement chaque motet, trouvant une juste voie, entre expression et articulation.<br /> <br /> <br /> <br /> <span class="gris">Italianisme viennois</span><br /> <br /> <strong>Bel engagement pour la ferveur du romain Sances </strong>(ici ses motets du Premier recueil compl&#233;t&#233; par le Stabat du 2&#232; recueil) qui fit une glorieuse carri&#232;re &#224; Vienne et qui d&#232;s 1636, participe &#224; l'essor des nouveaux th&#233;&#226;tres d'op&#233;ras publics &#224; Venise, avec son ouvrage <em>L'Ermonia</em> dans lequel il chante le r&#244;le de Cadmo. C'est d'ailleurs sa voix de t&#233;nor qui lui permet d'int&#233;grer en 1637, la Chapelle Imp&#233;riale de Vienne au service des empereurs Ferdiannd II et III, puis de Leopold Ier, soit les souverains les plus m&#233;lomanes du XVII&#232; europ&#233;en. Adul&#233; pour son chat, Sances est m&#234;me le chanteur le mieux pay&#233; de la place. Nomm&#233; vice-Kapellmeister (1649), puis Kappelmeister (1669), Sances incarne avec somptuosit&#233; et mordant, la domination des Italiens &#224; la Cour viennoise. Puissance du sentiment, sensualit&#233; instrumentale: Sances avait tout pour s&#233;duire et hypnotiser ses auditeurs. Les jeunes interpr&#232;tes du pr&#233;sent recueil nous en apportent la preuve &#233;clatante.<br /> <br />

Benjamin Ballifh
ClassiqueNews 10.01.2010
Nicolas Achten, horloger du baroque
<i>Faire redécouvrir des oeuvres oubliées, c’est le défi que s’est lancé Nicolas. A seulement 24 ans, le jeune homme a enregistré le premier opéra de l’histoire de la musique « L’Eurydice » de Caccini. Que son petit air rêveur ne soit pas trompeur, Nicolas est un vrai phénomène dans le monde du classique.</i><br><br> <b>Pourquoi avoir choisi de t’exprimer au travers de la musique baroque ?</b><br> Parce que ce n’est pas du tout une musique figée. Certaines choses sont écrites mais c’est seulement le squelette, le musicien a beaucoup de liberté pour improviser, il y a donc plein de possibilités. Et puis, pour le côté découverte aussi : on travaille sur des exhumations, des compositeurs ou oeuvres inconnus mais très important dans l’Histoire de la musique. C’est très excitant ! Avec Scherzi Musicali, on essaie de retrouver la pratique de l’époque (ndlr : le XVIIème siècle).On n’est jamais vraiment sûrs mais il y a beaucoup de documentation, des traités, des témoignages qui donnent des infos sur comment on improvisait. C’est du travail d’horloger. Je crois que notre rôle, en tant qu’interprètes, est de faire revivre cette musique, très spontanée mais qui a dormi pendant trois siècles. <br><br> <b>Comment est né Scherzi Musicali ?</b><br> J’ai créé le groupe à 14 ans en rassemblant des amis pour pouvoir jouer de la musique ancienne. Il y a eu les premières expériences et puis j’ai rencontré des gens avec qui j’ai voulu construire quelque chose de durable. Ce sont les mêmes membres depuis 2006, je suis extrêmement fidèle aux gens. On fonctionne un peu comme une troupe de théâtre : on a développé une complicité qui permet d’aller plus loin dans cette musique. Régulièrement, sur un projet on « parachute » un nouveau musicien: ça permet d’avoir du recul. Mais quand on enregistre, on prend d’abord 4 jours pour répéter dans un bled près de Verviers. On loue un gîte et on vit ensemble, ça permet de développer l’aspect humain du groupe. On a un petit côté scout ! <br><br> <b>Des projets dans les mois à venir ? </b><br> On va sortir, normalement au mois de décembre, un disque de motets de Sances qui s’appellera Dulcis Amor Iesu (ndlr : Jésus mon doux amour). C’est une musique que j’aime beaucoup, très spontanée, très touchante. Après cela, plein de choses sont en préparation mais je préfère ne pas en parler tout de suite…

Amandine Colin
pdf 01.09.2009
La Victoire des Octaves de la Musique
(...) Le trophée Musique Classique est attribué à <br>Nicolas Achten</br> qui propose sur des instruments d’époque des chansons italiennes du 17ème siècle, étonnant et beau à la fois. (...)

Ghinzu, Saule et Maurane récompensés aux Octaves
LA SIXIÈME édition des Octaves de Musique, qui se tenait au Centre culturel de Soignies, a une nouvelle fois récompensé Ghinzu, Saule et Maurane. (...) Dans le secteur classique, le lauréat est Nicolas Achten. Né à Bruxelles en 1985, Nicolas Achten est un chanteur spécialisé dans la musique baroque. Il a également fondé l’ensemble Scherzi Musicali dans lequel il s’accompagne au théorbe, à la harpe ou au clavecin. En plus, par ailleurs, de diriger des opéras baroques. (...)

Thierry Coljon
Le Soir 18.06.2009
Prix Caecilia 2009
Notons enfin que, selon une récente tradition destinée à éclairer les professionnels de chaque communauté sur les valeurs montantes de l’autre, la cérémonie fut ouverte par un bref concert, confié d’une part au chanteur et luthiste <strong>Nicolas Achten</strong>, de l’autre au pianiste Julien Libeer. Francophone ou néerlandophone, deux artistes brillants et inspirés.

Martine D. Mergeay
La Libre Belgique 10.03.2009
“L’Euridice” di Caccini
Il 6 ottobre 1600 a Firenze andava in scena il “dramma per musica” Euridice di Jacopo Peri nella quale erano presenti alcune arie scritte da Caccini per la sua Euridice che, se venne preceduta scenicamente da quella del Peri, riuscì a rifarsi almeno nella pubblicazione a stampa, che avvenne nel 1601. In ogni caso le due partiture costituiscono le due partiture che ci sono giunte integralmente. Se Peri era considerato un compositore tecnicamente più agguerrito nel nuovo stile musicale, Caccini aveva dalla sua na vena melodica più spontanea e anche più piacevole all’ascolto. Questa prima registrazione mondiale, ci viene presentata dai componenti di un complesso giovane: i cantanti e gli strumentisti dell’ensemble ” Scherzi Musicali” diretto da Nicolas Achten che si presenta come direttore, alla tiorba e interprete anche del ruolo di Orfeo. Esecuzione pregevolissima. Ottima qualità tecnica del cd. Libretto con note interessanti, però nessuna traduzione in italiano.

Giorgio Bagnoli
GBOPERA 01.03.2009
Caccini: l'Euridice
(...) Beim belgischen Ensemble Scherzi Musicali walten hingegen derartige Interpretationswunderkräfte, dass man der Weltersteinspielung(!) von Caccinis Meisterwerk auf Anhieb den Referenzstatus attestieren möchte. Die sensibel ausgelegten Gesangslinien und die feinstkörnig angegangene Chromatik, die würdevoll inszenierte Volkstümlichkeit und nicht zuletzt die deklamatorische Erzählhaltung, mit der die Solisten die ganze subtile Skala von Glück, Trauer und Hoffnung kammermusikalisch unmittelbar machen – all das sind nur einige von vielen Pluspunkten. Dass dahinter aber eben keine lang gedienten Alte-Musik-Spezialisten stecken, sondern eine junge, sensationell mit der Rhetorik vertraute Truppe, ist schon mehr als nur eine Überraschung. Pars pro toto sei da nur Nicolas Achten herausgehoben, der nicht nur als Ensembleleiter fungiert. Der erst 23-Jährige schlüpft mit Theorbe und seinem tenoralen, Balsam verströmenden Bariton gleich noch in die Rolle des Orpheus. Vielversprechender kann man künstlerisch wohl seine Visitenkarte nicht gestalten.

Guido Fischer, Rondo
Rondo 13.02.2009
Caccini: l'Euridice
Florentine composers Jacopo Peri and Giulio Caccini were fierce rivals. History may never confirm with certainty which composer was the first to complete a setting of Ottavio Rinuccini's libretto for Euridice, but we do know that Peri's Euridice was the first performed in October 1600 at the wedding celebration of Henry IV of France and Marie de' Medici, and Caccini's Euridice was the first published, in December of the same year. Peri's opera has been occasionally performed and recorded, perhaps because of his historical significance as the composer of the first opera, Dafne, which appeared in 1598, but this is the first, long overdue recording of Caccini's. This remarkable performance by Scherzi Musicali, led by Nicholas Achten, reveals Caccini's opera as a work with the substance and depth to become standard for ensembles specializing in early Baroque repertoire. His vocal writing is fluid, with expressive recitatives and lovely, shapely ensembles. Like Monteverdi, Caccini shows a profound psychological understanding of the characters, expressed in writing that captures the subtly shifting emotions of the text. The vocal and instrumental performances are beyond reproach. Director Achten also plays theorbo and sings the role of Orfeo. All of the soloists have voices of exceptional purity and freshness. Based on photos in the booklet, most of them look like they are barely out of their teens, but there's nothing juvenile about their performances; they sing with flawless technique, a solid grasp of appropriate performance practice, and probing insight. With the equally accomplished instrumental ensemble, they interact with the sensitivity and intimacy of a string quartet, with the result sounding like chamber music. Ricercar's sound is clean and lively. Caccini's Euridice is a revelation, and this superb recording should be of interest to any fans of early opera and of the early Baroque in general.

Stephen Eddins
All Music 24.01.2009
Le Monde
L'Euridice de Caccini, s'il ne possède pas la plénitude dramatique du fameux Orfeo de Monteverdi qui le suivra sept ans plus tard (1607), est l'un des événements majeurs de l'histoire de la musique. En choisissant d'enregistrer leur premier disque avec cet opéra des débuts du recitar cantando (ce parlé-chanté qui unit parole et musique), les Scherzi Musicali ont joué gagnant, à l'image de leur jeune chef de 23 ans, le Bruxellois Nicolas Achten, fondateur de l'ensemble, qui chante aussi le rôle d'Orfeo tout en s'accompagnant au théorbe.

Marie-Aude Roux
Las bodas de Eurídice
(...) Hay en cualquier caso en Caccini, con respecto a Peri, una mayor cercanía al canto, un contenido más decididamente melódico, lo que hace esta obra absolutamente gozosa para los buenos aficionados, que por fin la tienen disponible discográficamente (la de Peri había sido grabada ya hace años en Arts) merced al trabajo excepcional de un jovencísimo conjunto encabezado por el tiorbista, barítono y director Nicolas Achten, que le da sentido con una mimada atención al más nimio detalle retórico de la partitura y con una frescura y una teatralidad por completo subyugantes.

Diario de Sevilla 17.01.2009
A Look Back at 2008
An excellent vocal ensemble I heard for the first time on CD, Scherzi Musicali in Caccini's opera 'L'Euridice" - their director sings and also plays theorbo, organ and triple harp!

Emma Krikby 04.01.2009
Cinque Stelle per l'Euridice*****
Un ensemble di giovani – si chiama Scherzi Musicali – che nella sua registrazione d’esordio decide di affrontare una scalata di sesto grado sulla parete assolutamente verticale di uno dei picchi meno battuti e più impervi del mondo del teatro d’opera deve quanto meno possedere una traboccante riserva di coraggio ed entusiasmo, un fornito bagaglio d’incoscienza, oltre alla tendenza a peccare in presunzione. Perché non è mica una cosa da poco L’Euridice di Caccini. Poi si ascolta il cd e tutto quadra: in maniera cristallina. Le colonne d’Ercole tra cui sorge il sole del melodramma all’esordio del ’600 e di un nuovo mondo in tutti i sensi, lo sappiamo, sono L’Euridice di Peri e quella di Caccini. La prima un certo seguito discografico l’ha avuto. Della seconda, invece, conosciamo una sola registrazione (realizzata live nel 1980, diretta da Rodrigo de Zayas e pubblicata da Arion in 2 lp ARN 238023) precedente quella firmata da Nicolas Achten nel doppio ruolo di direttore e interprete di Orfeo: anzi triplo, perché canta e intanto si accompagna allo strumento, così come probabilmente sulle scene fece prima di lui solo Caccini (tanto per spiegare che tipo è il buon Nicolas). Insomma, l’alba del melodramma attraverso il sicuro esordio di un ensemble promettente che in futuro non dovrebbe deludere. Fra alcune, poche, pecche, apprezziamo soprattutto l’immacolata ripresa del suono, la perizia tecnica e la tersa freschezza vocale che il gruppo mantiene costante senza intaccare l’intensità e la forza teatrale della proposta musicale.

Massimo Rolando Zegna
Amadeus 01.01.2009
L'Euridice ****
Deux versions de cet opéra, jamais éditées en disque compact et plutôt ratées, ont déjà été enregistrées dans les années 1980. Autant dire rien pour un des plus grands événements de l'histoire de la musique: un opéra qui précède de sept ans l'Orfeo de Monteverdi (1607), inspiré de la même fable mythologique et qui compte une trentaine de versions. Le livret et la musique de ce dernier ont certes une plus grande envergure dramatique et philosophique, mais l'oeuvre de Caccini mérite-t elle cette indifférence?<br><br> Scherzi Musicali ne le pense manifestement pas puisqu'il choisit de lui consacrer son premier disque. Un beau défi pour un tout jeune ensemble fondé et dirigé par Nicolas Achten, Bruxellois de vingt-quatre ans, chanteur capable de s'accompagner au théorbe, à la harpe ou au clavecin. <br><br> Naturellement, cet opéra encore expérimental obsédé par le tout nouveau recitar cantando, cette façon de parler en musique, parle plus qu'il ne chante à nos oreilles « modernes ». Mais il varie ses couleurs en incluant des choeurs polyphoniques ou d'inspiration populaire et sait admirablement suivre le rythme de la parole. Bien que non italiens, les chanteurs soignent particulièrement cette juxtaposition entre les lignes du livret et de la partition au point de les confondre. Nicolas Achten incarne un Orphée noble (« Non piango e non sospiro ») et émouvant (« Funeste piagge » évoque le « Possente spirto » de Monteverdi) et Céline Vieslet une Eurydice rayonnante. <br><br> Malgré un effectif limité à cinq, l'ensemble instrumental, exclusivement constitué de cordes pincées (harpe, basse de viole, luth, clavecin), construit un foisonnant décor et un solide soutien harmonique brillamment valorisés par la prise de son de Jérôme Lejeune.

Le Monde de la Musique
"Aandacht voor een nieuwe en opmerkelijke CD uit de wereld van de oude muziek. Een wereldpremiere op cd van de opera L'Euridice van Guilio Caccini, door het jonge ensemble Scherzi Musicali olv Nicolas Achten."

Irene Stolp
Euridice de Giulio Caccini est une oeuvre-clé dans le répertoire de l'opéra. Elle est en effet l'un des premiers exemples du genre qui, aux alentours de 1600, fleurit dans la péninsule italienne. Grâce à Scherzi Musicali, Euridice est jeune et fraîche comme au premier jour. <br><br> Premier enregistrement mondial du premier "opéra" ! Cela a de quoi surprendre tant cette Euridice a de charmes évidents. Si l'oeuvre remonte aux origines de l'opéra italien, avant que Monteverdi ne produise son propre Orfeo, sept années plus tard, l'Euridice de Caccini (créé dans les jardins florentins du Palais Pitti, le 6 octobre 1600 lors des célébrations fastueuses organisées pour le mariage d'Henri IV et de Marie de Medicis), impose un art vocal désormais fondateur où chant et musique explicitent le texte mythologique. Les interprètes réussissent à donner vie et expression au recitar cantando qui forme l'ossature de l'oeuvre. L'apport musical est riche de couleur tout en gardant une indispensable discrétion favorisant la compréhension du texte. <br><br> De cette réalisation, je ne pense que du bien: fougue, implication des chanteurs, options musicales, etc. tout contribue à offrir à nos oreilles la légende d'un Orphée qui serait un de nos contemporains. Bravo Nicolas Achten !

Anne Genette 01.12.2008
L'Euridice, Composta in Stile Rappresentativo (1600).
Dès le milieu du XVIe siècle (influence probable du Concile de Trente), il faut « fuir le vain plaisir de l'ouïe » et que « les paroles puissent être perçues de tous ». La très profane Euridice de Caccini, ouvrage emblématique de ce que l'on dira bientôt être la « seconda pratica », illustre parfaitement ces directives. Magnifiquement serti dans un livret d'une centaine de pages, le présent enregistrement rend justice à une oeuvre qui ne démérite aucunement auprès de l'Orfeo de Monteverdi.

L'éducation musicale
L'éducation musicale 01.12.2008
L'Euridice *****
(...) Le continuo est (...) de premier ordre, varié, coloré (...) d’une richesse polyphonique et d’une pertinance théâtrale admirables. (...) les chanteurs sont convaincants, tant dans le recitar cantando que dans les passages ornementaux (...) Réjouissons-nous donc&#8201;: l’Euridice est enfin dignement ressuscitée.

Diapason - Denis Morrier
Diapason 28.11.2008
Bozar Shop » CDs » Caccini - L'Euridice
In this recording the young Belgian musician, Nicolas Achten reveals the multiple facets of his talent, both conducting the work and singing the role of Orfeo, in his rich baritone voice. The combination is extremely successful allowing us to discover a work which has been practically unknown until now, contemporary with Monteverdi's Orfeo, highly refined and expertly constructed. A recording which should not be missed, as much for its interpretation as for the interest that the work itself arouses.

Bozar Shop
Bozar Shop 25.11.2008
La nascita dell'opera lirica
24 febbraio 1607. Per molti questa data corrisponde all’atto ufficiale della musica lirica, quando alla corte di Mantova Claudio Monteverdi presentò “L’Orfeo”, la sua “favola in musica” su libretto di Alessandro Striggio figlio. In realtà, per risalire alle origini di questo genere musicale, bisogna tornare indietro nel tempo di sette anni, quando a Firenze, il 6 ottobre 1600, in una sala di Palazzo Pitti, il compositore Jacopo Peri, in occasione delle nozze del re Enrico IV di Francia con Maria de’ Medici, presentò “L’Euridice” nel cosiddetto “Stile Rappresentativo”. <br><br> Ma se proprio dovessimo attenerci, non tanto alla data di rappresentazione, bensì a quella della stampa della partitura (che attesta in tutto e per tutto la composizione di un’opera), allora ci renderemmo conto che “L’Euridice” di Jacopo Peri, su libretto di Ottavio Rinuccini, che fu pubblicata solo il 6 febbraio 1601, viene preceduta da un’altra “L’Euridice” di un grande musicista laziale, Giulio Caccini (1571 - 1618), basata sullo stesso libretto, che fece stampare la sua “favola musicale” il 20 dicembre 1600, anche se poi fu rappresentata, per la prima volta, quasi due anni dopo, il 5 dicembre 1602, sempre a Palazzo Pitti. <br><br> E, tornando ai nostri giorni, se de “L’Orfeo” di Monteverdi non si contano le incisioni, soprattutto quelle condotte secondo le più aggiornate ricerche filologiche (tre su tutte, quella pioneristica di Jürgen Jürgens per l’“Archiv”, quella di Gabriel Garrido pubblicata dalla casa discografica “K617&#8243;, e quella di Sergio Vartolo edita da “Brilliant Classics”), e de “L’Euridice” di Jacopo Peri si devono ricordare dapprima la “storica” edizione diretta da Angelo Ephikrian, ripubblicata nel 1997 in cd da “Rivo Alto” e quella di Roberto De Caro, registrata da “Arts”, per ciò che riguarda la primissima opera lirica mai stampata, appunto quella di Caccini, fino ad oggi non era mai stata effettuata una registrazione discografica. <br><br> Ora, questa gravissima lacuna è stata finalmente colmata dalla casa discografica belga “Ricercar”, specializzata soprattutto in un catalogo che raccoglie gemme, spesso e volentieri ingiustamente dimenticate, della musica rinascimentale e barocca. Ma si avrà modo di parlare con più accuratezza di questa registrazione nella seconda parte. <br><br> Questa registrazione, effettuata a Beaufays, nella chiesa di San Giovanni l’Evangelista, tra il 3 e il 5 gennaio 2008, dal gruppo “Scherzi Musicali” diretto da un bravissimo e preparatissimo interprete, Nicolas Achten, ottimo baritono e virtuoso di tiorba, ha il merito di fare piazza pulita di determinati luoghi comuni. A cominciare dal giudizio espresso da Pietro de’ Bardi sul Caccini nella sua “Lettera sull’origine del melodramma” scritta a G. B. Doni nel 1634, descrivendo così la sua musica: «Peri aveva più scienza, e trovato modo, con ricercar poche corde e con altra esatta diligenza, d’imitare il parlar familiare, acquistò gran fama; Giulio ebbe più leggiadria nelle sue invenzioni». <br><br> In realtà, come si può ascoltare da questa prima registrazione de “L’Euridice”, le capacità compositive di Caccini non possono essere racchiuse nel semplice recinto della “leggiadria”, ma riescono a proiettare nell’ascoltatore molteplici emozioni, frutto anche di quelle particolarità artistiche di cui lo stesso compositore laziale è passato poi giustamente alla storia: a cominciare dalla prerogativa di esaltare la monodia nel canto, onde rendere l’apporto squisitamente musicale più calzante, più immediato, più aderente al messaggio stesso dell’opera. <br><br> Lo stesso Caccini, nelle pagine introduttive della raccolta di madrigali e di arie che porta il titolo de “Le Nuove Musiche”, edito a Firenze nel 1602, espone chiaramente il suo ritorno a un canto monodico, più comprensibile, maggiormente consono alle nuove necessità artistiche del primo Seicento, che nella cultura arcadica del tempo, si richiamavano alle posizioni estetiche di Platone. Non per nulla, Caccini, nell’introduzione alla sua raccolta, scrive: «… a quella maniera tanto lodata da Platone et altri filosofi, che affermarono la musica altro non essere che la favella e il ritmo et il suono per ultimo, e non per lo contrario, a volere che ella possa penetrare nell’altrui intelletto e fare quei mirabili effetti che ammirano gli scrittori, e che non potevano farsi per il contrappunto nelle moderne musiche». <br><br> Il canto prima di tutto, dunque, perno attorno al quale si muove tutto il resto, a cominciare dal ritmo e dalla musica. Un intendimento, questo, come si vedrà nella terza parte, che è stato pienamente rispettato da Nicolas Achten e dal gruppo degli “Scherzi Musicali” nella registrazione de “L’Euridice”.<br><br> In effetti, quella presentata dalla casa discografica “Ricercar” è una registrazione di pregio, di squisita fattura stilistica, con lo stesso Nicolas Achten che, oltre ad impersonare con una calibrata voce da baritono il ruolo di Orfeo, suona anche la tiorba (non per nulla Caccini è ricordato dai contemporanei sublime virtuoso della tiorba e del liuto a, allo stesso tempo, ottimo cantante dalla voce potente e melodiosa). <br><br> Ligi a una visione filologica, atta a ricostruire la possibile scena melodrammatica e musicale al tempo in cui fu rappresentata a Palazzo Pitti, Achten e il gruppo degli “Scherzi musicali” (tra i quali ricordare Céline Viesnet nel ruolo di Proserpina e l’ottimo controtenore Magid El-Bushra), hanno voluto mettere in risalto una concezione “intima” dell’opera, memori che a quel tempo le musiche in “Stile Rappresentativo” venivano eseguite in sale non particolarmente ampie. <br><br> Gli stessi strumenti utilizzati (arpa tripla, lirone, liuto, tiorba, chitarra, clavicembalo e organo portativo) sono stati considerati come negli intendimenti auspicati dallo stesso Caccini (di cui vediamo il busto in marmo), che si proponeva ancora di esaltare l’emozione provocata dal canto a discapito dell’accompagnamento musicale. <br><br> Ascoltare oggi un’opera come quella presa in esame non rappresenta solo un atto estetico di conoscenza e di approfondimento verso un campo musicale e artistico che merita di essere sceverato a dovere, ma rappresenta anche uno strumento ineludibile e formidabile per comprendere maggiormente a fondo un capolavoro quale “L’Orfeo” di Claudio Monteverdi. <br><br> Anche a un ascolto non particolarmente attento, difatti, si rendono subito manifesti quei topoi, quegli agganci, quelle prerogative che il grande compositore cremonese, con l’aiuto del libretto di Alessandro Striggio figlio, saprà esaltare, ampliare, rafforzare e sviluppare non solo attraverso l’utilizzo delle voci, ma anche e soprattutto mediante un’imponenza orchestrale che spalancherà le porte al nuovo genere dell’opera lirica.

Andera Bedetti 11.11.2008
G. Caccini, L'Euridice
Le circostanze che permisero a L’Orfeo di Claudio Monteverdi di imporsi quale primo compiuto capolavoro del nuovo genere dell’Opera in musica non vengono spesso ricordate e il recente anniversario per i quattrocento anni dalla prima rappresentazione avvenuta a Mantova nel 1607 non hanno, di fatto, rimesso in luce i meriti del primo vero prototipo del nuovo genere. <br>br> Stiamo parlando de L’Euridice, Composta in Stile rappresentativo nel 1600 da Jacopo Peri e Giulio Caccini. Composta in occasione delle nozze fra Enrico IV di Francia e Maria dè Medici e messa in scena il 6 ottobre dello stesso anno a Palazzo Pitti, questo lavoro segna il primo compiuto esperimento di opera musicale come possiamo oggi intenderla.La collaborazione fra i due musicisti contribuì a perfezionare un genere assolutamente nuovo per il periodo. Tuttavia il rapporto fra i due presto si guastò, se Caccini battè sul tempo il suo collega, pubblicando per primo L’Euridice e consegnandosi così alla storia della musica.Pare incredibile, ma fino ad oggi non esisteva un’edizione discografica di questo piccolo capolavoro. La lacuna è colmata in modo splendido dal giovane ensemble “Scherzi Musicali” che propone una integrale di questo lavoro per l’etichetta Ricercar.Un prima registrazione mondiale dunque, per conoscere meglio il vero lavoro precursore de L’Orfeo di Claudio Monteverdi.Le atmosfere che saranno proprie del capolavoro monterverdiano ci sono già tutte, a cominciare proprio dal soggetto, il mito d’Orfeo, che da allora potrà contare su molte mess’inscena, fino a Gluck, guarda caso un altro “riformista”. Tuttavia, bisogna dirlo, sono più le differenze che non le somiglianze a rendere attraente questo ascolto. <br>br> Il finale, ad esempio, non è quello de L’Orfeo di Monteverdi: essendo stata commissionata per festeggiare il lieto evento delle nozze, la versione di Caccini prevede un lieto fine, impensabile nella drammaturgia monteverdiana, dove invece la sfortunata Euridice è consegnata per sempre all’eternità a causa del mancato rispetto del patto di non voltarsi a vedere l’amata professato da Orfeo prima di entrare nel regno dei morti. <br>br> I recitativi, poi, dominano in maniera evidente tutta la struttura dell’opera, e ciò risulta chiaro se consideriamo il vero valore di questo lavoro, un prototipo per l’opera in musica. La musica era intesa, dai teorici del tempo, come serva della parola: il pubblico doveva intendere quello che si andava cantando, per capire lo svolgimento dell’azione drammatica. Le Arie hanno perciò una importanza tutta secondaria e pare incredibile pensare che solo sette anni più tardi Monterverdi ribalterà questi valori, presentando alcune fra le più riuscite arie strofiche del periodo, conferendo così al recitativo quella che sarà, da lì in avanti, la sua vera funzione e cioè quella di far progredire l’azione scenica che si interrompe nella forma chiusa rappresentata dall’Aria strofica.Anche la funzione del Coro è qui intesa nel vero senso della tragedia greca, quale commento alla scena e non è raro, perciò, che esso sia realizzato mediante l’intervento di un solo personaggio. <br>br> La strumentazione, per finire, è molto semplice e ridotta all’essenziale, come si conveniva per una piccola opera da camera che sfiora gli ottanta minuti di musica. Siamo lontani dalla grande tavolozza strumentale dispiegata da Monteverdi.Un’interpretazione straordinaria da parte di “Scherzi Musicali” diretti dal tiorbista Nicolas Achten, capace di fondere nuova vita a un lavoro composto più di quattrocento anni fa, la cui forza drammatica è però ancora viva, ad ogni ascolto.

Gabriele Fromenti
CD Classico 10.11.2008
"Redouble les flammes et les feux, pour ce jour mémorable"
CD événement, en luxueux digipack sous fourreau, et dont la gloire est troublée par la parution quasi simultanée du DVD choc du Cadmus & Hermione de Vincent Dumestre et Benjamin Lazar chez Alpha. <br><br> (...) Cette Euridice souffrit jusqu'à ce jour de l'ombre et du dédain des chercheurs et des musiciens comparée à celle de Peri. Pourtant, il y a un fossé entre les deux Euridice, reflet du tempérament opposé des deux compositeurs entre lesquels régnait une certaine rivalité. Alors que Peri, très théâtral, donne l'entière primauté au texte (et ses dissonances et notes répétées n'ont donné lieu qu'à des enregistrements peu convaincants de l'Euridice), Caccini se révèle plus mélodique, à l'harmonie plus simple, plus charmeur et plus accessible pour nos modernes sensibilités. (...) <br><br> Le jeune et talentueux Nicolas Achten a donc choisi une oeuvre méconnue et d'importance historique pour le premier enregistrement de son ensemble. A la fois chanteur et accompagnateur (comme son confrère Marco Horvat), le jeune artiste livre une interprétation douce et sensuelle, d'un lyrisme à fleur de peau. L'accent est mis sur la musicalité, avec des un chant très mesuré et déclamatoire. Les solistes, homogènes, font preuve d'un grand soin dans le phrasé et les nuances, sculptant des vignettes intimistes. Céline Vieslet campe une Euridice posée et timide ("Donne ch'a miei diletti") que Nicolas Achten enveloppe de son timbre noble et chaleureux ("Antri ch'a miei lamenti"). Le Pluton rocailleux d'Olivier Berton est plus bougon que redoutable, la Vénus de Marie de Roy droite et fière, plus guerrière qu'amoureuse dans la remarquable Aria di Romanesca . <br><br> Le continuo de Scherzi Musicali est varié et complice, avec des cordes pincées fluides que rejoint de temps à autre les sonorités moirées du lirone. Dans l'ensemble, la réalisation est exemplaire, d'une beauté glacée, aux émotions pudiques. A l'antipode d'un Orfeo monteverdien téléologique façon Emmanuelle Haïm ou de l'érotisme fougueux d'une Françoise Lasserre, Nicolas Achten a choisi le pastel de chambre, ultra sensible mais lissant ruptures et contrastes. Il en ressort une vision infiniment théâtrale voire courtisane, dont le seul défaut serait une sagesse excessive et une monotonie narrative. Car les passions humaines ne sont que tempêtes dans un verre d'eau dans ce salon aristocratique au carcan sévère, où le drame se fait récitation entre gens de qualité. Un peu plus de liberté, d'épanchements et d'improvisation dans les ornements (sans halètements excessifs ou dégoulinants vibratos dixneuviémistes cela va de soi) auraient été les bienvenus. En dépit de ces quelques réserves, voilà un disque de grande qualité qui marque avec un éclat lunaire les débuts d'un ensemble dont on suivra la cosmique trajectoire avec plaisir et attention.

Amandine, Muse Baroque
Muse Baroque 30.10.2008
De la guitare scoute à la basse continue
<b>Guitare, chant, théorbe, claviers, direction, Nicolas Achten embrasse tout. Avec les Scherzi Musicali, il a gravé "L’Euridice" de Caccini.</b> <br><br> En novembre 2000, décrivant un "Dido and Aeneas" craquant, monté par Charlotte Messiaen, nous écrivions : "Moyenne d’âge [des interprètes] : quinze ans, l’âge du continuiste-conducteur, qui vendredi dernier menait l’ensemble instrumental depuis sa guitare, théorbe des temps modernes, avec l’inconscience de la jeunesse et le punch du don." Il s’agissait de Nicolas Achten et, déjà, des Scherzi Musicali. Quelques années plus tard, nous avons retrouvé notre guitariste-continuiste promu baryton, au Concours international de chant baroque de Chimay : il avait 19 ans, une fraîcheur et un engagement qui lui valurent le prix du Printemps baroque du Sablon. Le voici à la tête du premier enregistrement mondial de "L’Euridice" de Caccini (voir critique dans "La Libre Culture" d’hier), qu’il donne à Liège ce jeudi. <br><br> <b>Chantal Goya et Pergolèse</b> <br><br> A cette occasion, nous avons rencontré le "musicien aux mille bras", un garçon tout en longueur, 23 ans et ne les faisant pas, souriant, intarissable et ne se prenant pas la tête. Il se présente comme un ketje de Bruxelles, issu d’une famille où il n’y avait guère de musiciens, formé à l’Athénée Adolphe Max avec fin de parcours au jury central (cumulé avec la foule d’activités que l’on va décrire). <br><br> "J’ai fait mes débuts de musicien à la guitare, chez les scouts, première expérience de basse continue! Ma première inspiratrice fut Chantal Goya et plus tard, la maturité venant, Adamo." Fort de ses premiers exploits, Nicolas s’inscrit à l’académie de Bruxelles, dans les classes de guitare, de piano, de flûte traversière et, fugitivement, de chant. C’est quand même le chant qui sera son chemin de Damas lorsque, à 11 ans, dans le cadre de ses cours avec la mezzo hongroise Margit Jeremias, il découvre le Stabat Mater de Pergolèse; il étudie à fond la partition et écoute toutes les versions enregistrées. A 13 ans, il s’inscrit en solfège au Conservatoire de Bruxelles (moyennant dérogation) et obtient son diplôme supérieur un an plus tard. <i>"A cette époque, je me suis mis à observer que, pour une même oeuvre (par exemple, un opéra de Haendel), les partitions étaient très différentes les unes des autres, pourquoi ne pas tenter ma propre version, façon "basse continue des scouts" ?" </i>Dont acte : Achten fonde les Scherzi Musicali. <br><br> Survient la mue, le changement de professeur, quelques problèmes vocaux décourageants et puis, tout à coup, la sortie du film "Le Roi danse" de Gérard Corbiau : "Une révélation, mais surtout pour la voix de Céline Scheen, invisible à l’écran. J’ai adoré ce qu’elle faisait, j’ai été la voir, elle m’a orientée chez Annie Frantz et tout s’est ouvert, ce fut un grouillement de contacts, d’influences, de rencontres, d’expériences. L’autre rencontre déterminante fut avec Frederik Haas, professeur de clavecin au conservatoire de Bruxelles, un de ceux qui m’a le plus appris Et aussi Christina Pluhar et Rolf Lislevand et Paul O’Dette, tous différents mais si inspirants." Mais Nicolas - qui, entre-temps, a étudié le théorbe dans la classe de Philippe Malfayt - sait qu’à travers tout il est "continuiste". <br><br> <b>Chanteurs belges</b> <br><br> <i>"Mon rêve est de poursuivre mes projets avec les Scherzi Musicali tout en me produisant avec d’autres ensembles au théorbe ou comme chanteur." Et le projet Caccini ? "Ça me trottait en tête depuis mes douze ans, je savais qu’avant Monteverdi, il y avait Peri, et, avant lui, Caccini. De fil en aiguille, je me suis procuré la partition, j’avais déjà dirigé une chorale d’amateurs retraités, plus le Dido avec Charlotte Messiaen, et Venus et Adonis de John Blow, je pouvais passer à l’action (fou rire). Ronnie Lauwers, de l’Opera Studio de Flandre, m’a donné une carte blanche, Frédéric Dussenne a fait la mise en scène, la production a eu lieu et, finalement, Jérôme Lejeune m’a contacté pour un enregistrement chez Ricercar. C’était une folie mais il m’a fait confiance il n’y a que des idéalistes pour se lancer dans une affaire pareille ! J’ai travaillé comme un fou pour tout préparer, pour qu’on ait plus à faire que de la musique (mais j’ai quand même oublié les clefs de l’église - Baufayt - et on a perdu presque un demi-jour), les chanteurs étaient tous belges, question de démontrer que le chant se porte bien en Belgique. Et on s’est vraiment bien amusé."</i>

Martine D. Mergeay
La Libre Belgique 30.10.2008
Nicolas Achten, le vishnou du baroque
A 23 ans, Nicolas Achten dirige son premier opéra baroque, tout en y tenant le théorbe et le rôle d’Orphée (il est également claveciniste, guitariste et flûtiste). On pourrait sourire si l’enregistrement qui vient de sortir chez Ricercar - consacré à "L’Euridice" de Caccini - n’était là comme pièce à conviction! A la tête de son propre ensemble, les Scherzi Musicali, et d’une distribution passionnante, le jeune baryton signe un coup de maître. A découvrir...

La Libre Belgique
La Libre Belgique 29.10.2008
Giulio Caccini, L’Euridice, Scherzi Musicali, Nicolas Achten ***
Sous la direction de Nicolas Achten, baryton de 23 ans, qui tient aussi le théorbe, voici "L’Euridice" de Giulio Caccini, composé en 1600 (quelques années à peine avant l’Orfeo de Monteverdi) pour le mariage de Marie de Medicis et d’Henri IV. Une "favola in stile representativo" aboutie, présentant un bel équilibre entre les mélodies et les récitatifs, entre une harmonie, très pure, et des modulations au puissant pouvoir expressif. A toutes ces vertus, s’ajoute l’interprétation des Scherzi Musicali, d’une évidence et d’une fraîcheur à attribuer non seulement à la jeunesse des interprètes, mais encore à leur étonnante maturité. Nombreuses découvertes parmi les chanteurs - outre Achten lui-même (Orfeo) - notamment le contre-ténor Magid El-Bushra, le ténor Reinoud Van Mechelen et la soprano Celine Vieslet, en compagnie d’Olivier Berten, Marie de Roy et Laurence Renson. Un regret: la "signalisation" lacunaire du livret, rendant difficile le pistage des airs et des interprètes. (MDM)

Martine D. Mergeay
La Libre Belgique 29.10.2008
Jongste dirigent brengt eerste gedrukte opera
Giulio Caccini: L'Euridice *** <br> <br> Nicolas Achten moet met zijn 23 jaar de jongste dirigent in de oudemuziekwereld zijn. Zijn eerste grote project ligt nu in de platenwinkel en is meteen een primeur: de eerste cd-opname van de eerste gedrukte opera, L'Euridice van Giulio Caccini. <br><br> L'Euridice behoort tot het kleine kransje werken dat aan de wieg van het operagenre stond. In Firenze was er rond 1600 een club van intellectuelen die toneel wilden uitvoeren naar het model van de oude Grieken. In die groep ontstond een aantal gezongen pastorale stukken. Het eerste was La Dafne van Jacopo Peri, daarop volgden twee zettingen van het Orfeusverhaal onder de titel L'Euridice. De eerste daarvan was ook van Peri en werd opgevoerd als een van de kleinere vermakelijkheden bij het huwelijk van de Franse koning Hendrik IV en Maria de' Medici. Enkele nummers ervan waren gecomponeerd door Giulio Caccini. <br><br> Caccini schreef kort daarna zelf een volledige versie en kon die - gezien zijn hogere rang aan het hof - eerst gepubliceerd krijgen. Er volgden nog een zetting van La Dafne door Marco da Gagliano en uiteraard, maar dan aan het hof van Mantua, L'Orfeo van Monteverdi. Dat laatste is het enige dat nog op het repertoire staat. Enigszins onterecht, vindt Achten, die een lans breekt voor Caccini.<br><br><b> Verstaanbaarheid</b><br><br> "Voor de componisten in Firenze ging het om de reconstructie van een antieke vorm en om het primaat van de tekst. Peri ging daar het verst in. Caccini neemt al wat meer vrijheid en bouwt al eens een populairder zangstuk in. Dat leidt tot een goed evenwicht. <br><br> Monteverdi was in Mantua nog veel vrijer. Hij gebruikt oude en nieuwe vormen door elkaar, wat in het dogmatisch-progressieve klimaat van Firenze onmogelijk was geweest. Hij kon de goede kwaliteiten van de Florentijnse werken overnemen en dat dogmatische laten vallen." <br><br> We weten heel wat over het ontstaan van die werken - ook over de ruzies die ermee gepaard gingen en die onder meer leidden tot het ontslag van een andere pionier, Emilio de' Cavalieri en zijn vertrek naar Rome (Cavalieri werd opgevolgd door Caccini en schreef daarop een schotschrift tegen Peri en Caccini). Maar hoe moet deze muziek gezongen worden? Door welke stemmen? Achten vertrekt vanuit dezelfde bekommernis als Peri en Caccini destijds: het belangrijkste is de verstaanbaarheid van de tekst.<br><br> "Vele zangers vandaag denken eerst aan de klankschoonheid van hun stem. Voor deze muziek is dat niet voldoende. De tekst, de inhoud gaat voor. Daarom ga ik op zoek naar zangers die ook menselijk iets moois hebben. Zulke mensen kunnen deze muziek aannemelijker maken omdat zij de woorden aanvoelen."<br><br> <b> Studie en werk </b><br><br> Net als Caccini zingt Achten niet alleen (op de cd heeft hij de rol van Orfeo), maar speelt hij ook klavecimbel, luit en harp. Hij kan zichzelf dus begeleiden, in de klassieke muziek eerder een rariteit. Achten: "Ik heb veel te danken aan Christina Pluhar. Zij heeft me in haar ensemble L'Arpeggiata laten spelen en ook aangemoedigd mezelf te begeleiden. Eerst deed ik dat op de theorbe, daarna op het klavecimbel - op oude Italiaanse instrumenten gaat dat heel goed - en relatief recent ook op de harp. Het is niet de bedoeling circuskunstjes te vertonen, maar het maakt het veel gemakkelijker om van de muziek één geheel te maken. Waarom zou dat verwonderlijk zijn? Pop-, rock- en chansonzangers doen dat toch allemaal? Oké, mijn continuospel is misschien iets ingewikkelder, maar dat is een kwestie van studie en werk." <br><br> Studie, werk en gezond verstand lijken Achten ook te leiden in zijn keuze van de instrumenten: "Elk instrument heeft zijn eigenheid en die houdt verband met een gevoel. De lirone is het instrument van het lijden. Bij Orfeo horen tokkelinstrumenten. Dat was voor de componisten van toen een kwestie van 'imitatie' in de platonische zin van het woord. <br><br> "Heel het hof van Firenze was in de ban van die denkwijze. Een ander woord dat Caccini gebruikt uit die denkwereld is 'sprezzatura', een soort van prikkelende nobele terughoudendheid." <br><br> Van die terughoudendheid is er voor eenentwintigste-eeuwse oren in de opname misschien iets te veel, af en toe een dramatisch accent zou goedgedaan hebben. Maar het blijft een opzienbarende ontdekking.

Stephan Moens
Article 21.10.2008
De belofte van het pastorale paradijs * * * *
Aan het ontstaan van de opera moet nog eens een operette worden gewijd. Plaats en tijd: Florence 1600. De protagonisten: Jacopo Peri en Giulio Caccini. Hun strijd: wie mag zich de vader noemen van de opera. Dartele zangeressen zetten nevenintriges in gang en de champagnearia is voor de man die met de eer gaat strijken: Claudio Monteverdi. <br> <br> Peri en Caccini schreven allebei een opera 'Euridice'. Die van Peri werd het eerst opgevoerd, maar Caccini lag eerder bij de drukker. Uitgevoerd worden de stukken zelden en alleen al daarom is het fijn dat het Belgische label Ricercar een cd besteedt aan Caccini’s versie. <br> <br> ‘World premiere recording’ staat op het doosje. Dat is naast de waarheid, want iedereen met internet kan een lp uit 1980 op de kop tikken waarvan de hoes ook al een ‘primera grabación mundial’ belooft. Maar niet gezeurd: ook een cd-première is een première. En als debuut van het piepkuiken Nicolas Achten (1985) is deze disc buitengewoon geslaagd. <br> <br> Wat niet wil zeggen dat elke Händelfanaat en Mozartverslaafde via hartstochtelijke aria’s aan z’n trekken komt. Meer nog dan Monteverdi’s 'Orfeo' (1607) wortelt Caccini’s 'Euridice' in de Renaissance. De tragiek van de verscheurde mens is nog maar net ontdekt. <br> <br> Voorbeeld: als Daphne komt melden dat Eurydice aan slangengif is bezweken, reageert de sterzanger Orpheus filosofisch. Even gelijkmoedig betreedt hij de onderwereld, niet vermoedend welke lefgozerige noten Monteverdi hem zeven jaar later in de mond zal leggen. <br> <br> Nicolas Achten zingt de Orpheusrol, speelt de theorbe en hij dirigeert. Het Waalse multitalent studeerde in Den Haag en heeft jonge, soms nog niet helemaal uitgebotte stemmen om zich heen verzameld. Het maakt de idyllische herders- en (half)godenzang tamelijk geloofwaardig. <br> <br> Ook wanneer een strot achter virtuoze krullen aanhobbelt, blijft de belofte van het pastorale paradijs overeind. Mooi is ook het getokkel van harp, klavecimbel en luit, dat geregeld wordt verguld door het strijklicht van de lirone.

Guido van Oorschot
Volkskrant 16.10.2008
Aux sources de l'opéra
Voici une bien séduisante approche proposée par l'ensemble Scherzi musicali. Sous la direction de Nicolas Achten qui tient également la partition de théorbe et interprète le rôle d'Orphée. Avec subtilité et délicatesse, aux côtés de la très douce et angélique Euridice de Céline Vieslet. Un ensemble pétri de charme et d'élégance au coeur de ce mélodrame de l'amour éternel. 10.10.2008
A la recherche du big-bang
Ce n’est pas tous les jours qu’un inédit paraît en CD. En l’occurrence, l’événement est d’autant plus remarquable qu’il s’agit du premier opéra jamais imprimé : L’Euridice de Giulio Caccini, publiée à Florence en 1600 et gravée par le label RICERCAR… en 2008 ! Est-ce le premier opéra de l’Histoire ? Le premier ouvrage créé sur scène est-il le premier à avoir été composé ? Qui a inventé le genre ? Comment chantait-on à l’époque ? FORUM OPERA a rencontré le maître d’oeuvre de cet enregistrement, Nicolas Achten, directeur de l’ensemble Scherzi Musicali et interprète du rôle d’Orphée. <br><br>,cntnt01,detail,0&cntnt01articleid=409&cntnt01origid=57&cntnt01detailtemplate=gabarit_detail_breves&cntnt01lang=fr_FR&cntnt01returnid=29

Bernard Schreuders
lire l'article 10.10.2008
Chapeau bas
"(...) Les Scherzi Musicali – un jeune ensemble belge dirigé par Nicolas Achten – ont gardé intacte la flamme des défricheurs : ils interprétent la fable en trois actes de Caccini avec un naturel confondant et une fraîcheur délicieuse – comme si cette musique venait d’être ... composée. Chapeau bas !"

Quobuz... 06.10.2008
Caccini: L'Euridice
(...) Le premier opéra jamais imprimé fait ici l'objet de son premier enregistrement mondial, sous la direction de Nicolas Achten - qui assure également la partie de théorbe, au sein de Scherzi musicali. L'héritage madrigaliste est tendrement respecté. (...) la distribution vocale s'avère équilibrée, notamment par l'omniprésence de timbres chaleureux et ronds.

Samuel Moreau
La jeunesse à l’honneur en ce mois d’automne
La jeunesse à l’honneur en ce mois d’automne ! Sous la direction de M. Nicolas Achten, baryton et joueur de théorbe, l’ensemble présent dans leur premier enregistrement l’Euridice de Giulio Caccini (1551 – 1618) <br> <br> (Giulio Caccini (1600) – L’Eurydice – Ricercar (Janvier 2008) – Réf: RIC269) <br> <br> Voici donc un enregistrement de musique baroque dont les instruments, à eux-seuls, fleurent bon leur dix-septième siècle : théorbe, basse de viole, luth, clavecin… En soi, se dirait-on que c’est un album de musique baroque de la Renaissance de plus… et l’on se tromperait ! Car l’histoire, le contexte de cette oeuvre en fait un joyau à part. L’Euridice de Giulio Caccini, c’est déjà l’histoire d’une compétition, entre l’auteur et un de ses rivaux artistiques : Jacopo Peri. Nous sommes aux prémices de l’opéra, cet art nouveau. Le premier livret d’opéra qui fut édité fut celui de l’oeuvre qui vous est présentée ici. <br> <br> Aujourd’hui, en 2008, c’est un subtil cocktail que vous retrouverez au sein de cette production de Ricercar : une oeuvre à la pointe de la modernité et de l’audace pour son époque, où le style polyphonique de l’époque est remplacé par un style monodique où le texte prend l’ascendant sur la musique, jouée aujourd’hui par une formation qui s’essaie à se remettre dans les conditions de l’époque pour restituer en sus de l’ambiance musicale la souplesse d’un phrasé italien très riche. <br> <br> Au centre de l'enregistrement, le Funeste piaggie, ombrosi orridi campi fait entendre Orphée dans une complainte à Pluton, un des passages fortement chargés en émotion, que la candeur d’une voix jeune rend encore plus fortement.

Xavier Barnich
Les Editions Romaines 05.10.2008
Giulio Caccini: l'Euridice (Achten, 2008)
Créé pour le mariage d'Henri IV et de Marie de Medicis, l'ouvrage représenté au Palazzo Pitti, célèbre la figure féminine de la fable, Eurydice et non Orfeo. La réussite jubilatoire du présent album tient à la perfection de la diction, la justesse expressive et musicale, le soin ciselé apporté à la projection du verbe et la caractérisation des personnages. Un joyau baroque qui compte désormais pour la renaissance de Caccini Evidemment, il y a d'abord, argument non négligeable, la valeur intrinsèque de la partition ici restituée. Une rareté baroque qui nous plonge à l'aube du stile rappresentativo, nouvel art musical qui offre à Florence, une théâtralisation nouvelle du texte. A présent que nous disposons de nombreuses versions recommandables de l'Orfeo de Monteverdi (1607), les talents émergents de la nouvelle génération baroqueuse s'intéressent aux ouvrages qui sur le même motif mythologique, ont avant Monteverdi, façonné ce nouveau genre baroque par excellence, l'opéra, né italien au début du XVIIème siècle. L'heure est l'activité défricheuse des cercles de lettrés florentins, -musiciens, poètes, philosophes-, soucieux de reconstituer ce qui pour eux était le chant de l'antique Grèce. Chant déclamé dont le seul but est d'articuler un texte édifiant, moral, féerique, enchanteur, souvent tragique. Ainsi cette Euridice "des origines" (1600), qui pose un premier jalon dans le style lyrique en devenir. <br><br> Créé pour le mariage d'Henri IV et de Marie de Medicis, l'ouvrage représenté au Palazzo Pitti à Florence (en octobre 1600), célèbre la figure féminine de la fable, Euridice et non Orfeo. D'emblée ce qui frappe, surtout dans les préparatifs des Noces, (emblèmes du mariage politique), c'est malgré l'allégresse de mise, la gravità douloureuse, affligée, tendre et nostalgique des choeurs et de chaque récit solistique: l'oeuvre s'ouvre sur le récitatif de la Tragédie (qui d'ailleurs précise aussi qu'elle adoucira ses triats). Le ton est ainsi donné. Jusqu'à son terme, l'ouvrage est porté, côté chanteurs, par cette couleur délicieusement attristée et tendre qui lui confère sa profondeur humaine spécifique. <br><br> En maître des contrastes, le librettiste Ottavio Rinuccini "glace" le sens du texte, d'accents amers et tristes, comme pour mieux évacuer toute afféterie. Monologue d'Euridice, d'Orphée, choeurs pastoraux, récit des bergers et des nymphes: tous cisèlent un art majeur de la déclamation à la fois suave, fluide, d'un relief détaillé. La musicalité des voix associées, en particulier dans le choeur récurrent "Al canto, al ballo"... (Coro final, scène I, acte I) met en lumière la richesse et la subtilité de l'approche: l'affliction sous l'apparent bonheur. Chaque soliste s'entend à merveille à exprimer cette joie de façade, plus enclin en vérité, à traduire les gouffres d'une nostalgique et insurmontable amertume.<br><br> Au sommet de ce panthéon de nouvelles voix (parmi lesquelles on notera la noblesse et l'élégance du ténor <b>Reinoud van Mechelen</b>, et de l'exquise soprano <b>Marie de Roy</b>) se hisse sans forcer, l'Orfeo de <b>Nicolas Achten</b>: sculpture du mot, justesse sans maniérisme d'aucune sorte (là où un Bostridge paraît a contrario trop outré), projection exemplaire de chaque voyelle, son Orphée reste constamment exalté, dans un état de transe verbale, à couper le souffle. La tendresse et la noblesse de son timbre virile, admirable de naturel dans tous les registres (aigus agiles et superbement couverts), laissent envisager dans peu de temps, un Orfeo montéverdien de première importance. D'autant plus si le chanteur cultive cette humilité du chant, ce sens supérieur de la mesure et de la finesse. D'ailleurs, comme Giulio Caccini, lui-même ténor et joueur de chitarrone, le baryton bruxellois dirige aussi son ensemble Scherzi Musicali, tout en chantant et jouant ... du théorbe. Voilà qui le dispose davantage à incarner sur scène, le mythe du chanteur à la lyre. <br><br> Le soin dans la distribution de chaque personnage offre aussi une superbe galerie d'individualités vocales. Sur les traces du Concerto Caccini, composé de Giulio et de ses filles (invités d'Henri IV en France), tous rompus à l'art du chant monodique, les interprètes du présent enregistrement, relèvent le défi, réussissant avec tempérament et musicalité, chaque tableau du mythe. Chacun impose sans exception une personnalisation des rôles qui montre outre le génie de Caccini, ce que lui doit aussi le non moins génial Monteverdi, de la génération suivante. D'ailleurs, comme le précise la notice, il est probable que les effectifs de l'Euridice soient très proches de l'Orfeo montéverdien. L'interprétation est totale, défendue sous le feu d'une diction impeccable, par une vision d'ensemble, indiscutable. Ajoutons l'activité permanente du continuo instrumental, transparent et fortement caractérisé là encore, où règne surtout la vibration de la corde grattée et pincée (guitare, théorbe, luth, clavecin, harpe...): difficile d'obtenir meilleure alliance entre voix et instruments. <br><br> En plus de dévoiler la valeur poétique d'une partition majeure, l'album révèle aussi la nouvelle génération baroqueuse à l'oeuvre, triomphatrice d'une partition qui malgré son amorce tragique, s'achève par le triomphe de l'amour sur la mort. Album événement. Evidemment, il y a d'abord, argument non négligeable, la valeur intrinsèque de la partition ici restituée. Une rareté baroque qui nous plonge à l'aube du stile rappresentativo, nouvel art musical qui offre à Florence, une théâtralisation nouvelle du texte. A présent que nous disposons de nombreuses versions recommandables de l'Orfeo de Monteverdi (1607), les talents émergents de la nouvelle génération baroqueuse s'intéressent aux ouvrages qui sur le même motif mythologique, ont avant Monteverdi, façonné ce nouveau genre baroque par excellence, l'opéra, né italien au début du XVIIème siècle. L'heure est l'activité défricheuse des cercles de lettrés florentins, -musiciens, poètes, philosophes-, soucieux de reconstituer ce qui pour eux était le chant de l'antique Grèce. Chant déclamé dont le seul but est d'articuler un texte édifiant, moral, féerique, enchanteur, souvent tragique. Ainsi cette Euridice "des origines" (1600), qui pose un premier jalon dans le style lyrique en devenir. <br><br> Créé pour le mariage d'Henri IV et de Marie de Medicis, l'ouvrage représenté au Palazzo Pitti à Florence (en octobre 1600), célèbre la figure féminine de la fable, Euridice et non Orfeo. D'emblée ce qui frappe, surtout dans les préparatifs des Noces, (emblèmes du mariage politique), c'est malgré l'allégresse de mise, la gravità douloureuse, affligée, tendre et nostalgique des choeurs et de chaque récit solistique: l'oeuvre s'ouvre sur le récitatif de la Tragédie (qui d'ailleurs précise aussi qu'elle adoucira ses triats). Le ton est ainsi donné. Jusqu'à son terme, l'ouvrage est porté, côté chanteurs, par cette couleur délicieusement attristée et tendre qui lui confère sa profondeur humaine spécifique. <br><br> En maître des contrastes, le librettiste Ottavio Rinuccini "glace" le sens du texte, d'accents amers et tristes, comme pour mieux évacuer toute afféterie. Monologue d'Euridice, d'Orphée, choeurs pastoraux, récit des bergers et des nymphes: tous cisèlent un art majeur de la déclamation à la fois suave, fluide, d'un relief détaillé. La musicalité des voix associées, en particulier dans le choeur récurrent "Al canto, al ballo"... (Coro final, scène I, acte I) met en lumière la richesse et la subtilité de l'approche: l'affliction sous l'apparent bonheur. Chaque soliste s'entend à merveille à exprimer cette joie de façade, plus enclin en vérité, à traduire les gouffres d'une nostalgique et insurmontable amertume. Au sommet de ce panthéon de nouvelles voix (parmi lesquelles on notera la noblesse et l'élégance du ténor Reinoud van Mechelen, et de l'exquise soprano Marie de Roy) se hisse sans forcer, l'Orfeo de Nicolas Achten: sculpture du mot, justesse sans maniérisme d'aucune sorte (là où un Bostridge paraît a contrario trop outré), projection exemplaire de chaque voyelle, son Orphée reste constamment exalté, dans un état de transe verbale, à couper le souffle. La tendresse et la noblesse de son timbre virile, admirable de naturel dans tous les registres (aigus agiles et superbement couverts), laissent envisager dans peu de temps, un Orfeo montéverdien de première importance. D'autant plus si le chanteur cultive cette humilité du chant, ce sens supérieur de la mesure et de la finesse. D'ailleurs, comme Giulio Caccini, lui-même ténor et joueur de chitarrone, le baryton bruxellois dirige aussi son ensemble Scherzi Musicali, tout en chantant et jouant ... du théorbe. Voilà qui le dispose davantage à incarner sur scène, le mythe du chanteur à la lyre. <br><br> Le soin dans la distribution de chaque personnage offre aussi une superbe galerie d'individualités vocales. Sur les traces du Concerto Caccini, composé de Giulio et de ses filles (invités d'Henri IV en France), tous rompus à l'art du chant monodique, les interprètes du présent enregistrement, relèvent le défi, réussissant avec tempérament et musicalité, chaque tableau du mythe. Chacun impose sans exception une personnalisation des rôles qui montre outre le génie de Caccini, ce que lui doit aussi le non moins génial Monteverdi, de la génération suivante. D'ailleurs, comme le précise la notice, il est probable que les effectifs de l'Euridice soient très proches de l'Orfeo montéverdien. L'interprétation est totale, défendue sous le feu d'une diction impeccable, par une vision d'ensemble, indiscutable. Ajoutons l'activité permanente du continuo instrumental, transparent et fortement caractérisé là encore, où règne surtout la vibration de la corde grattée et pincée (guitare, théorbe, luth, clavecin, harpe...): difficile d'obtenir meilleure alliance entre voix et instruments. <br><br> En plus de dévoiler la valeur poétique d'une partition majeure, l'album révèle aussi la nouvelle génération baroqueuse à l'oeuvre, triomphatrice d'une partition qui malgré son amorce tragique, s'achève par le triomphe de l'amour sur la mort. Album événement.

Benjamin Raliffh
Classique News 24.09.2008
CD événement: la baryton et théorbiste Nicolas Achten, et son ensemble Scherzi Musicali ressuscitent l'Euridice de Guilio Caccini
<b>La Relève baroque</b><br> En septembre 2008, paraît une lecture jubilatoire de l'opéra de Giulio Caccini, L'Euridice (1600), portée par l'engagement à la fois flamboyant et remarquablement articulé du jeune ensemble bruxellois, Scherzi Musicali, dirigé par le baryton et théorbiste, Nicolas Achten. Style, articulation, feu passionnel de chaque protagoniste dont Orfeo (Nicolas Achten, baryton) et Euridice (Céline Vieslet, soprano), continuo d'une suave et opulente mesure, l'album a suscité l'enthousiasme de la rédaction cd de<br> Si l'oeuvre remonte aux origines de l'opéra italien, avant que Monteverdi ne produise son propre Orfeo, sept années plus tard, l'Euridice de Caccini (créé dans les jardins florentins du Palais Pitti, le 6 octobre 1600 lors des célébrations fastueuses organisées pour le mariage d'Henri IV et de Marie de Medicis), impose un bel canto désormais fondateur où chant et musique explicitent le texte mythologique. <br> <br> Solistes électrisés, continuo ciselé: la lecture est un joyau. La nouvelle référence en matière de beau chant baroque. Ensemble et chef à suivre.

Classique news 23.09.2008
Orpheus in het onderwereld rasmusicus in Orpheus, die zowel theorbe als klavecimbel speelde en daarnaast de rol van Orpheus zong met een wonderschone eenvoud en helderheid.

Festival van Vlaanderen: de bende van Zimmerman
Dinsdag was het Festival van Vlaanderen op 2 fronten actief. ’s Middags was er in de Lullyzaal van de Vlaamse Opera een concert in het kader van Kaffee Zimmerman, met als “topact” rijzende ster Nicholas Achten en zijn ensemble Scherzi Musicali. Zij richten zich op één van de voorlopers van Bach: Giulio Caccini. Met authentieke instrumenten, zoals een theorbe, viola da gamba en tripelharp maken zij muziek die de prachtige zaal van de Opera waardig was. Zeker als de zang van Nicholas Achten de oren verwende, was het genieten van deze toch wel voor velen wat “moeilijke “muziek. Het vakmanschap van Nicholas Achten is groot, en gezien zijn nog jonge leeftijd, hij werd dinsdag 22 jaar, kunnen we nog veel meesterwerkjes van hem verwachten. De zaal was gevuld met veel ouder publiek, maar ook een groep schooljongeren was van de partij, en dat was toch wel even een andere muziekkeuze. Maar het moet gezegd worden ook zij zaten aandachtig te luisteren.

Charles Strijd 27.09.2007
Le Mythe d'Orphée : un épilogue, heureux
(...) la voix du baryton Nicolas Achten, se déchaînant, puis dans des chaconnes, saltarelles, gigues très vives, danses quasi populaires, détachées à une vitesse vertigineuse (...)

La Provincia
In de vlam van Caccini
Bij de Gentse Operastudio maakte Nicolas Achten de allereerste opera van Giulio Caccini’s Euridice, ooit de eerste opera geschreven voor Florence. Hij herschreef zelf de partituur, samen met zijn musici. Een rijzende ster aan het operafirmament die voor de Vlaamse opera nog wel eens van grote betekenis zou kunnen worden.<br> Uitgangspunt van dit verhaal is de operaproductie Euridice die in november 2006 gepresenteerd werd door de Gentse Operastudio. De voorstelling was op het gebied van zang zeker niet vlekkeloos en ook de regie was niet direct topniveau. Met respect voor de specifieke context van een operastudio, natuurlijk. Waarom dan een evaluatie schrijven uitgaande van deze gebeurtenis die voor velen wellicht niet meer dan een voetnoot was in de operageschiedenis van het vorige seizoen? Omdat er onder de oppervlakte van deze productie iets opmerkelijks gaande was. Iets dat het waard is om te worden belicht en uitvergroot. Deze voetnoot bevat misschien één van de sleutels tot het essay dat opera heet. Een essay dat keer op keer herschreven wordt.<br> <br> <b>Erotische sfeer</b><br> Ronny Lauwers, directeur van de Gentse Operastudio, leerde Nicolas Achten, één van de protagonisten van dit verhaal, kennen terwijl hij werkte aan een productie op het Brusselse Conservatorium. Dit project vertrok van fragmenten uit Monteverdi’s L’Incoronazione di Poppea. Lauwers kon niet vermoeden dat de bariton die hem eerder bijstond in Cosi fan tutte nu aan het klavecimbel zou opduiken. Daarbovenop bleek dat die jonge gast zijn vrienden en medestudenten enthousiast wist mee te tronen in de hypersensuele wereld van Poppea. ‘In mijn carrière heb ik al veel dirigenten zien passeren en vaak hoor je tegelijkertijd twee opera’s, één in de orkestbak en één op het toneel. Niet zo met Nicolas. Hij vertelde zijn verhaal in dialoog met de regie. Hij wist het ensemble letterlijk op te hitsen, helemaal in de erotische sfeer van het stuk. En dat op zo’n jonge leeftijd,’ zegt Lauwers.<br> <br> Het spreekt voor zich dat Achten na zo’n positieve ervaring ook een kans zou krijgen bij de Gentse Operastudio. Lauwers probeerde hem warm te maken voor een project omtrent diverse lamenti. Achten zei echter resoluut nee en stelde voor een opera uit te werken. Voorstel was Euridice van Giulio Caccini. Een opera die nooit werd uitgevoerd en waarvan dan ook geen opname voorhanden was. Het enthousiasme won het in dit geval van praktische overwegingen. Nicolas Achten stond dus voor de helse taak om zangers in deze onbekende wereld in te leiden. Zangers die vanzelfsprekend meer neigden naar het klassieke en romantische repertoire. Hij herschreef zelf de partituur in moderne notatie, enerzijds om de opdracht iets makkelijker te maken en anderzijds om zelf een juiste formulering te vinden. Veel ideeën rond het werk ontstonden tijdens deze intensieve transcriptieperiode. Ten tijde van Caccini was er nog geen standaard wat betreft muzieknotatie. Achten vindt dan ook dat de muzikant dient mee te zoeken met de componist. De partituur is een leidraad om de juiste ornamentatie, ritmering en frasering te vinden. Het is echter de tekst die voor Achten te allen tijde het vertrekpunt vormt. De opera dient als het ware eerst woord voor woord te worden overgebracht aan de musici. Hier gaat het hem natuurlijk om de structuur en de talrijke implicaties. Het overkoepelende verhaal van Orfeo en Euridice is immers genoegzaam bekend. Verschil met bijvoorbeeld de Orfeo van Monteverdi is dat we hier wel degelijk met een happy end te maken hebben. Orfeo kan zijn Euridice heelhuids uit de onderwereld terughalen. Achten kreeg hulp van zijn eigen ensemble Scherzi Musicali (Eriko Semba, Sarah Ridy en hijzelf) en de studenten-repetitoren Ellen Lampo en Andrii Bochkarov om Euridice ook daadwerkelijk uit het rijk van Hades te halen. <br> <br> <b>Echte opera’s</b><br> Het Euridice-project krijgt in elk geval navolging. De bijzondere onderhuidse kracht werd blijkbaar opgemerkt. Een cd-opname van de opera is in de maak en bovendien krijgt Nicolas Achten het vertrouwen van de Operastudio om nog een aantal andere producties te verwezenlijken. De eerste tijdens het seizoen 2007-2008 wordt La catena d’Adone (1626) van Domenico Mazzocchi in een regie van Vincent Boussard. Achten heeft ook hier zelf de partituur omgezet in modern notenschrift. Hij beschrijft Mazzocchi als een extreem, bijna futuristisch componist. Dit uit zich in zijn gebruik van modulaties, chromatismen en dissonanten (bijvoorbeeld F-kruis in de bas en F in de stem als symbool voor pijn). Door het eerste gebruik van mezz’aria’s (halve aria’s of eerder het invoegen van lyrische gedeeltes in recitatieven) en door de melodische lijnen zo expressief mogelijk aan te wenden vormt deze componist een brug tussen Caccini en de late Monteverdi en Cavalli.<br> <br> La catena d’Adone was één van de eerste echte opera’s voor Rome (zoniet de eerste), net zoals Euridice van Caccini de eerste opera voor Florence was. Achten ziet het brengen van deze twee opera’s dan ook als een initiatieritueel. Dat laatste aspect is alvast één van de belangrijke onderhuidse elementen van deze producties. Blijft natuurlijk het gegeven dat Achtens werk tot stand is gekomen in de context van een operastudio, een fenomeen dat natuurlijk al langer bestaat, maar nu iets prominenter op de voorgrond lijkt te komen. <br><br> <b>Levensnoodzakelijk</b><br> De Operastudio Vlaanderen is in eerste instantie een onderwijsinstelling die wordt ondersteund door de Vlaamse regering. Ze werd in 1998 opgericht door Guy Joosten (theater- en operaregisseur), Marc Clémeur (intendant van de Vlaamse Opera) en Herman Mariën (toenmalig departementshoofd Dramatische Kunst, Muziek en Dans van de Hogeschool Antwerpen) als post-hogeschoolopleiding voor operazangers. De hoofdtaak van de studio is dan ook een pedagogische en in die zin verschilt ze van vergelijkbare initiatieven. Die hebben meestal een directe link met operahuizen en privé-instellingen. Denk alleen al aan de ‘personal sponsoring’ die door de al in 1990 opgerichte Opera Studio Nederland wordt aanbevolen. In Nederland kunnen de geselecteerde zangers dan ook beschikken over een maandelijks stipendium. In Vlaanderen is dat niet zo en kunnen de zangers in wezen ook geen grote producties aannemen naast hun bezigheden aan de Studio. De onderwijsactiviteiten en de diverse toonmomenten slorpen immers alle tijd op. Deze opleiding via dagonderwijs is echter goedkoop in vergelijking met privé-onderwijs gecombineerd met masterclasses. Hoofddoel van zowel de Vlaamse als de Nederlandse Operastudio is het opleiden van ‘zangers-persoonlijkheden’. Het gaat er niet enkel om dat de studenten in staat zijn om goed te zingen en te acteren, maar ook dat ze hun eigen mening verder ontwikkelen. Ze dienen iets te vertellen te hebben op en buiten het podium. Dat tonen ze onder meer via diverse toonmomenten, waarvan Euridice er één was. Een ander project in 2006 in Vlaanderen was Der Kaiser von Atlantis van Viktor Ullmann. Daarmee wilde de Operastudio Vlaanderen ook symbolisch participeren in de eerste Europese Dag van de Opera. ‘Opera is niet voor iedereen een financiële of elitaire aangelegenheid, maar dikwijls levensnoodzakelijk of zelfs een kwestie van overleven.’<br> <br> In Nederland worden ook elk jaar diverse projecten gepresenteerd die uit de Studio ontkiemen. Dit najaar wordt bijvoorbeeld de productie Reigen in een regie van Harry Kupfer op de planken gebracht. Sommige elementen uit deze producties zullen door het operacircuit worden opgepikt en andere zullen onopgemerkt blijven. Dat is nu eenmaal eigen aan de context. Giulio Caccini zelf heeft het in zijn inleiding tot Le Nuove Musiche over het feit dat zijn werk maar een ‘genster’ is, een vlam waaruit later wellicht een gigantisch vuur ontstaat. Kan een studioproject als Euridice ook een dergelijke genster zijn?<br> <br> <a href=""> </a> <br> <a href=""> </a> <br> ‘Het gaat er niet enkel om dat de studenten in staat zijn om goed te zingen en te acteren, maar ook dat ze hun eigen mening verder ontwikkelen. Ze dienen iets te vertellen te hebben op en buiten het podium’<br>

Jelle Dierickx
Chimay : un palmarès contrasté
... Selon nous le grand absent du trio de tête fut la baryton belge Nicolas Achten, 21 ans et cadet de la bande, également luthiste et claveciniste, qui se révéla exceptionnel dans le répertoire du XVII° siècle, offrant des exemples de "recitar cantando" comme peu de grands professionnels peuvent y prétendre, avec un naturel, un engagement et une intelligence qui subjuguèrent le public. La voix n'est pas grande, le talent est très personnel et sans doute le jury a-t-il hésité à récompenser d'emblée un artiste encore en pleine évolution... Le Printemps Baroque, quant à lui, a pris le risque de lui donner son prix. On pourra donc y suivre Achten en 2007.

Martine D. Mergey
La Libre Belgique 25.10.2006
Sablé-sur-Sarthe, centre culturel à 21h. Programme Monteverdi. Christina Pluhar et son ensemble l’Arpeggiata.
(...)Autre vocaliste visiblement en phase avec les vertiges langoureux et dramatiques du théâtre montéverdien, le jeune baryton Nicolas Achten. (...)

Alexandre Pham
Classique News 25.09.2006
Orfeo en version de concert
(...) Performance remarquable, car chacun tient sa partie avec probité (...) plusieurs interventions sont à tirer du lot (...) le très beau pasteur de Nicolas Achten, qui jouait en plus du théorbe (...)

Richard Letawe
Resmusica 07.10.2005
Monteverdi : l'Orfeo...Un vivifiant retour aux sources
(...) A l'exception notoire du rôle-titre, les solistes sont issus du choeur, quand ils ne rejoignent pas aussi le continuo, à l'instar du prodigieux Nicolas Achten, qui accompagne la Musica au théorbe avant de s'accompagner lui-même en Pastore ! (...)

Alexandre Pham
Forum Opéra 05.10.2005